Главное
Путешествуем ВМесте
Карта событий
Смотреть карту
Приметы и советы

Автор

Капитан Макс
Ману Чао и «Мумий Тролль» выступили на одной сцене
Недавно из Казани со Второго ежегодного музыкального фестиваля «Сотворение мира» возвратился наш Капитан Макс. Макс постарается ознакомить вас с фестивалем снаружи и изнутри, предоставит возможность взглянуть на происходившее с разных точек зрения: глазами участника, зрителя, организатора, журналиста.[b]Участник (музыкант)[/b]Если театры начинаются с вешалки, то международные фестивали – с вокзала. Ярким солнечным утром поезд прибыл в Казань. 28 по Цельсию.После холодной дождливой Москвы срочно переодеваюсь в шорты и маечку. Весёлые ребята с фестивальными бейджиками растаскивают нас по автобусам и разгонным машинам. Сначала в гостиницу. Новенький отель с роскошными интерьерами. Номера выше всяких похвал. Кондишен, просторная ванная, набитый под завязку мини-бар-холодильник и т. д. Опытный путешественник – а музыканты все ОЧЕНЬ опытные – знает, что мини-бар лучше не трогать. Там напитки и шоколадки раза в 3–4 дороже, чем в магазине.Но ощущение праздника и так хорошо начавшегося дня заставляет забыть о всякой экономии. До концерта два часа, пора ехать настраиваться. Помылся-побрился – и на «площадку» (место проведения концерта). Тоже на специально выделенном транспорте. Сцена установлена на фоне белоснежных стен Кремля. К ней примыкает целый комплексинфраструктура с более чем 30 гримёрками и другими помещениями. Всё чистенькое, свеженькое, радует глаз и другие части тела. Есть круглодневный бесплатный артистический буфет с пивом и большим выбором холодных и горячих закусок. Пустячок, а приятно! На самом деле далеко не пустячок! Ведь здесь предстоит провести около 13 часов. Выхожу на сцену осмотреться. Три огромных экрана, детали будут хорошо видны. Мощные акустические порталы (обещано чуть ли не 150 000 ватт). Сама сцена общей высотой с 3–4этажный дом и как бы двойная. Разделена на две части, закрывающиеся специальными опускающимися ширмами.Пока на одной, например левой, половине кто-то выступает, на другой – правой, – закрытой ширмой, спокойно готовятся следующие участники. Потом правая ширма открывается, люди там работают, а за левой настраивается очередной ансамбль. Гениально! Всё проходит нон-стоп.Экономится драгоценное время, а главное – нервы. А то ведь любой артист знает, как трудно при работе живьём успеть вытащить на сцену и настроить инструменты за те несколько минут, пока несчастный конферансье или ведущий, озираясь, тянет время и что-то несёт в микрофон, а администраторы шипят из-за кулис: «Ну что, готовы?! Готовы?!» И все друг друга ненавидят. А тут просто шикарно! И все друг друга любят…[b]Зритель (неместный)[/b]Огромная площадь Тысячелетия. Из-за стен Кремля справа от сцены возвышается великолепная мечеть Кул-Шариф, неподалёку – Благовещенский собор. Фестиваль открывается в 13 часов выступлением молодых казанских коллективов.Сильные ребята. Отметил «Оберег» и The Road – группу учеников первой в России казанской школы рок-музыки.Заведение и открылось-то только в апреле этого года, а ученики уже на таком уровне играют. Народу в «зале» ещё немного, пара тысяч – самые мужественные: не всякий выдержит на солнце целый день.Основная масса подтянется ближе к вечеру. По краям площади пивные шатры – штук 30, дымят мангалы, мимо проходят две девушки-милиционера в белых перчатках, а на сцене появляется убедительная армянская певица Анжела Манукян. Потом выходит набирающая популярность Татьяна Зыкина из Ижевска. Справа на высокой ВИП-трибуне Андрей Макаревич в белоснежной рубашке. Удовлетворённо улыбается, аплодирует, такт отбивает. Фестиваль набирает обороты. Вышел скромного вида парень Мубай. Играет на гитаре и поёт по-татарски в сопровождении трио (саксафон-кларнет, бас-гитара, бонги). Играют нежно и бережно. Удивительную смесь классического блюза и национальных наворотов.Классный парень Мубай! Приятно удивила «Маша с медведями» (Краснодар), сменившая имидж попсовой девчушки на монстрессу рока, сверкнул балалаечным мастерством Алексей Архиповский (Москва).Макаревич переместился с трибуны на сцену и в сопровождении казанских музыкантов (J.People) и танцевального ансамбля спел одну из своих философских бардовских песен.Получилось очень мощно. Потом выступила грузинка Нино Катамадзе и немного однотипные, но по-своему очень яркие Kultur Shock (США–Босния и Герцеговина–Болгария) и «Вопли Видоплясова» (Киев). 18 часов. Площадь уже почти заполнена. На сцене англичане.Молодая группа The Rifles. Я потом мысленно отдам им первое место, а пока стою разинув рот – наслаждаюсь. Удивительное ощущение комфорта, праздника и давно забытое чувство безопасности. Далее на одном дыхании – «Мумий Тролль», интернациональные Fun-Da-Mental (Англия–Пакистан–Индия) и искромётный, немного похожий на Челентано Manu Chao (Франция–Испания). Стемнело. Наконец во всём великолепии показала себя многотонная световая аппаратура. Ведущие марафона – Ксения Стриж и специально прилетевший из Лондона Сева Новгородцев – облегчённо откладывают свои рабочие папки: последний участник – Юрий Шевчук и ДДТ! Ноги гудят, голова ясная, ладони отбиты… на сцене заключительный джем – все участники поют битловскую композицию All you need is love, в небе грандиозный фейерверк...[b]Организатор[/b]Неужели этот день настал?! Когда в Москве ещё зимой мы ночами чертили схемы расположения сцены и других сооружений, подсчитывали возможные затраты, думали, как снизить смету, как финансово ужаться при кризисе так, чтобы не пострадали зрители, фестиваль казался далёкой несбыточной мечтой. А вот теперь всё наяву, и через несколько минут надо идти на сцену говорить вступительные слова. Как удалось сдвинуть эту махину?! Сколько больших и малых проблем пришлось (и ещё придётся) решать в рабочем порядке. А месяца три назад недруги развернули кампанию «против». Нельзя, мол, устраивать «концерт на костях». На историческом месте, где когда-то шли бои. Но если так, то в России, где рано или поздно воевали ВЕЗДЕ, вообще нельзя проводить концерты. Короче, отбились… А оправдает ли себя генеральная идея – примирить, свести на одной сцене музыкантов из недружественных друг другу государств? Таких, например, как Пакистан и Индия? А хватит ли минеральной воды в огромном холодильнике за кулисами? А чётко ли выдержат артисты регламент? Не затянется ли мероприятие до поздней ночи, и зрители утомятся и уйдут? Бывали случаи! А что это там справа в кулуарах за подозрительный мужик с сумкой? Нормально: журналист из Питера. Всё! Время! Пошёл. Говорю слова, а на сердце тоска – народу на площади маловато.Умом-то понимаю, что ещё только час и все придут позже, но хотелось бы… Зато внимание полное, слушают затаив дыхание. Я краток. Вышел первый коллектив, началось. Иду «в народ», послушать звук.Класс! Не зря не стали экономить и пригласили голландскую звукорежиссёрскую команду, известную на весь мир.На сцене Макаревич предлагает почтить память Майкла Джексона – полетели вверх чёрно-белые шары. Полетели высоко-высоко. На запад. Возвращаюсь за кулисы. Там мелькают чалмы, ермолки, рясы. Это представители религиозных конфессий Казани готовятся приветствовать публику. Не «посадит» ли это концерт? Нет, всё коротко, достойно, благожелательно. У служебного входа суета, ждут мэра (ему фестиваль многим обязан). Приезжает, жмёт руку, а меня уже рвут на части – пропал певец из Fun-DaMental. Нашли. Он чернокожий и спал на травке в тени.Сразу-то не заметили. Дальше – больше! Ману Чао вроде бы перерабатывает уже почти 15 минут. Ожидающий своей очереди Шевчук в ярости. Нет, оказывается, Ману выдерживает регламент. Просто общий график поплыл, а запланированный салют должен закончиться не позже 23 часов. Все на нервах. Пошёл ДДТ. Всё! Салют! Короткий банкет и спать. Спать![b]Журналист[/b]Выдали бейджик «Пресса». Но по нему за кулисы не пускают, в буфет не пускают, на ВИП-трибуну не пускают.Только в пресс-центр. А надо же ВСЁ посмотреть! Но охрана – плечистые татарские богатыри – на компромиссы не идёт, вежливо оттесняет. Подошли коллеги с камерой – интервью: «Несколько вопросов легендарному Капитану Максу». «Как же, – думаю, – ЛЕГЕНДАРНОМУ, а никуда не пускают!» Не выдержал, применил ум и раздобыл ещё два бейджика, а с ними и новый статус. Теперь проход ВЕЗДЕ! По коридорам снуют музыканты в экзотических нарядах. Вышел на улицу за сцену. Жарко, но иногда налетает приятный ветерок. Журналисты и участники курят на свежем воздухе. В уголке, в тенёчке, на траве, крестом спит живописный негр. Желающие его тайком фотографируют. Озабоченно пробегают устроители. Пробую разобраться, кто есть кто.Вот Андрей Макаревич – президент фестиваля. Большую часть времени проводит на трибуне. Судя по лицу, всё ему очень нравится. К концу концерта он даже загорел – целый день на солнце. А вот с самурайской причёской колоритный Сергей Миров. Генеральный продюсер. 20 лет он вынашивал идею «Сотворения мира», и уже во второй раз всё сбывается. Миров улыбается, но натянут как струна. Готов в любую секунду среагировать на внештатную ситуацию. А это Александр Чепарухин – арт-директор. Это именно он «нарыл» для фестиваля большинство участников. С его лёгкой руки многие новички могут стать настоящими звёздами. Кстати, на пресс-конференции было решено слово «звезда» не употреблять. Шевчук сказал: «Звезда – это когда лучи мешают войти в автобус». А мне лучи не мешают.Через служебный вход и кулисы на ВИП-трибуну прошёл мэр Казани Ильсур Метшин. Очень молодой, симпатичный, одет щеголевато и держится уверенно, но без пафоса. Большой ему РАХМАТ! Музыканта Ману Чао я решил посмотреть из «зала». С трибуны. Здорово нарезает! Даже разделся до пояса. На краю сцены медленно танцуют Ксения Стриж и Сева Новгородцев – уже дважды они выходили и пытались «проводить» за кулисы неистового Ману, но безуспешно. Тогда решили сами не уходить. Ждать прямо тут. А чтобы не стоять столбами, совместили приятное с полезным. Закрывал концерт Шевчук, а Шевчука – фейерверк. Всё! Сейчас короткий банкет, и спать.Коротким банкет не получился – отоспаться удалось только в Москве.[b]СODA[i]Итоги:[/b] около 200 участников, около 200 000 зрителей (по тысяче зрителей на одного участника), ни одного происшествия, море положительных эмоций и надежд на будущее. Вот такой мир москвичи сотворили в Казани![/i]
Развлечения
Прародителем арфы был охотничий лук
Каждый музыкальный инструмент по-своему уникален, каждый инструмент – самый-самый: орган, например, самый большой; губная гармошка – самая маленькая; волынка – самая долгозвучащая. А что же арфа? Арфа считается самым красивым инструментом. Действительно, она имеет удивительно изящные очертания, как правило, богато украшена затейливой резьбой, а в прошлом даже украшалась драгоценными камнями. Но красота – категория умозрительная. Хотелось бы чего-то более существенного, подтверждающего единственность. Так вот, арфа – единственный в мире музыкальный инструмент, который произошел от… оружия.Один из древнейших музыкальных инструментов человечества, арфа (лира) произошла от лука, изобретённого ещё в каменном веке. Лук делался из согнутой ветки и кишечной струны-тетивы, которая мелодично звучала при выстреле. Позже звук тетивы стали использовать как сигнал. Какой-то охотник или воин, впервые натянувший на лук три-четыре тетивы, которые из-за своей неодинаковой длины издавали звуки разной высоты, и стал создателем первой арфы. Даже на египетских фресках XV века до нашей эры арфы ещё напоминают лук. А эти арфы не самые древние – древнейшую археологи нашли при раскопках шумерского города Ура в Месопотамии, она была изготовлена в XXVI веке до нашей эры. Эти инструменты дали основу для развития лучной арфы, которая переживала свой золотой век в эпоху заката египетской цивилизации. Малострунная арфа – лира – в дальнейшем стала очень популярной в Греции. В эпоху эллинизма она была неотъемлемым атрибутом поэтов и певцов, о чем можно судить по различным картинам и письменным памятникам. Размер и форма арфы варьировались, вид малой лучной арфы перешел из Греции в Европу и распространился у кельтских народов. Легенда гласит, что друиды как священный инструмент привезли арфу из Атлантиды в Ирландию и Великобританию. На самом деле арфа попала в Европу благодаря развитию торговых отношений. С этих времен сохранились только некоторые описания, сделанные очень давно и достаточно небрежно. Позже арфа была снабжена вертикальной перекладиной, с этим видом арфы мы и знакомы.[b]На струнах света[/b]Арфа – струнный щипковый инструмент. Считается, что красотой своего внешнего вида она превосходит всех своих соседей по оркестру. Её стройные очертания скрывают форму треугольника, металлическую раму украшают резьбой и покрывают позолотой. На раму натягивают струны (47–48) разной длины и толщины, которые образуют прозрачную сетку. В начале XIX века старинную арфу усовершенствовал знаменитый фортепьянный мастер Эрар. Он нашел способ быстро изменять длину струн и тем самым высоту звука арфы.Возможности арфы огромны: на ней прекрасно удаются широкие аккорды; глиссандо – скольжение руки по всем струнам, настроенным на какой-нибудь аккорд; флажолеты; пассажи из арпеджио – особенно построенных (ломаных) аккордов, употребляемых и на фортепиано, но в первую очередь свойственных именно арфе. Даже само название «арпеджио» произошло от слова «арфа» (от итальянского arpa – арфа).Роль арфы в оркестре не столько эмоциональная, сколько красочная. Арфа часто аккомпанирует разным инструментам оркестра, в других случаях ей поручают эффектные соло. В симфоническом оркестре обычно пользуются однойдвумя арфами, но в некоторых случаях их число увеличивается. Так, в опере Римского-Корсакова «Млада» – 3 арфы, а у Вагнера в «Золоте Рейна» – 6.В наше время с использованием современных технологий мастера создают инструменты из самых разных материалов: легких сортов стали, сплавов, некоторых видов высокотехнологичных пластмасс. Средняя цена качественно сделанной классической арфы приближается к десяти тысячам евро. Дорого, но того стоит! Появились и более доступные электронные арфы, многократно увеличивающие возможности и без того совершенного инструмента. Но одним из самых оригинальных изобретений стали лазерные арфы, где в качестве струн используются лучи лазера. Такой инструмент в конце XX века сделал знаменитый композитор и музыкант Жан Мишель Жарр. Игра хорошего исполнителя на «лазерных струнах», рубиновыми или зелеными лучами пересекающих темную сцену, превращается в яркое, незабываемое шоу. Использование света вместо реальных струн меняет наше восприятие пространства и материи.[b]Родилась от оружия, оружием стала[/b]Итак, какую роль играла арфа в музыке и обществе? Важно отметить, что арфа всегда имела особый статус. Уже в Египте она ассоциировалась с божественным инструментом, который глубоко почитался. Кельты наделяли арфу таким же содержанием. Время появления арфы на земле кельтов неизвестно. Хотя статуэтка, относящаяся к I веку до нашей эры, изображает бога-арфиста, играющего на прямоугольной арфе, которая впоследствии стала традиционным инструментом менестрелей в XIV веке, и затем обнаруживалась в Ирландии и Британии вплоть до XVIII и XIX веков. Предполагается, что арфы того времени часто изготавливались из ивы и имели пять или семь струн, каждой из которых соответствовало небесное тело.Арфа также была частью культа солнца и воды. Более того, она ассоциировалась с материнством и рождением, что указывало на определённое женское начало, и часто играла некую примирительную роль (например, между светом и тьмой, небом и землей, солнцем и луной). Инструмент рассматривался как символ души, как совокупность всех видов эмоций, посредством которых можно было выразить непостижимые разумом вещи. Во многих легендах арфа упоминается как символ ключа в другие миры, особенно в преисподнюю. Говорили, что с помощью звуков арфы можно вызывать или прогонять призраков или души умерших. Это поверье до сих пор существует в африканских племенах, например в культе Вуду.Классическая арфа считалась духовным орудием, использовавшимся жрецами Вуду для психологических войн, а для войн реальных строились эоловы (воздушные, ветряные) арфы – длинные, узкие резонансные ящики, на поверхности которых натягивались одинаково настроенные жильные струны разной толщины. При прикосновении струи воздуха струны начинали звучать и производили сказочное, чарующее, а иногда и пугающее впечатление, так как аккорды, в зависимости от силы ветра, возрастали от нежнейшего пианиссимо до могучего форте. Огромные Эоловы арфы располагались на пути следования врага таким образом, что ветер извлекал ужасающие звуки, и войска неприятеля в панике бежали.На прошедшем 9 Мая параде на Красной площади наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс обратил внимание, что на кителях военных музыкантов в петлицах красуется стилизованное изображение лиры. Макс решил поинтересоваться, что это за инструмент, почему он является общепринятым символом вдохновения, творчества, да и просто символом музыки. И выяснил, что, по сути, лира – это «девичья фамилия» арфы…[b]CODA:[/b] [i]Чем глубже я закапывался в материалы об этом замечательном инструменте, тем больше крепла уверенность, что я близок к некоему открытию, если не вселенского, то, по крайней мере, мирового масштаба. Ведь по всем источникам выходило, что на современных арфах играют исключительно ЖЕНЩИНЫ. «Это что же – шовинизм? Это что же – арфа покоряется только исполнителям, отобранным природой по половому признаку? Не зря старинные легенды и предания наделяют арфу именно женской душой. А может быть, тут как-то Фрейд замешан?» – так думал я, размечтавшись впервые в истории отразить в статье об арфе этот интересный социально-психологический аспект. А может быть, ларчик еще проще открывается, и дело тут в том, что женский аппарат (нежные руки с изящными пальчиками) больше подходит для игры на близко посаженных сорока восьми струнах арфы? Пару дней я носился с этой своей теорией, а потом позвонил знакомому профессору Московской консерватории. Он, правда, профессор по классу фортепиано, но все равно знает предмет раз в пятьсот лучше, чем я.Уж как он смеялся. Оказывается, на Западе на арфах в оркестрах играют в основном мужчины. А «женская арфа» – это прерогатива только одной отдельно взятой страны. Попробуйте догадаться – какой? А аспект получается вовсе не социально-психологический, а в какой-то степени политический. Просто в нашей стране вот уже лет 90 считается, что мужское дело – это план выполнять, семью содержать да родину защищать. А не на разных там арфах выкаблучивать. Вот и не шли наши брутальные юноши в субтильные арфисты.Так что не вышло открытия. Ну да ничего. Не ошибается только тот, кто ничего не делает.[/i]P.S. А пожалуй, и правильно! Красивая женщина в открытом вечернем платье смотрится за арфой гораздо эстетичнее, чем бородатый, пусть даже и западный, мужик.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Почему на арфе играют исключительно женщины?[/i]Антон ПАЛЕЕВ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– Я хотел бы возразить. На сегодняшний день среди выдающихся арфистов есть и мужчины. Например, Лопарев Денис играет на арфе в Театре Станиславского. Хотя, действительно, среди арфистов большинство женщин. Это связано с тем, что эта профессия не высоко оплачивается. К тому же для мальчиков находятся другие музыкальные инструменты – более им свойственные и понятные с точки зрения перспектив.[/i]
Развлечения
С волынкой по жизни
Исследуя историю и устройство различных музыкальных инструментов, наш ведущий страницы «Попурри-мастер» Капитан Макс каждый раз поражается уникальности очередного предмета исследования. Вот и сегодня Капитан представляет читателю очередной экспонат из богатой коллекции «Вечерки» – удивительный музыкальный инструмент, который – единственный из всех – может издавать НЕПРЕРЫВНЫЙ звук в течение минут, часов, дней… В общем, пока музыкант не устанет.Юбки, украшенные национальным орнаментом, мерно раскачивались в такт торжественной поступи. Мой четырёхлетний сын, одетый в пуховый комбинезон, сказал: «А ножки голые у них не замёрзнут?» Октябрь 2008-го. Я долго сопротивлялся, но жена всё-таки продавила тему посещения Поклонной горы, музея и так далее. Дело в том, что наш ребёнок очень интересовался всякими пушками, танками, самолётами, в обилии представленными на этой «горе».Мы честно «прогуляли» все достопримечательности, мальчик шмыгал носом на трёхградусном морозе, было пасмурно и одиноко, снежинки кружились над головой, настроение сделалось отвратительное, – жена с трудом держалась, я тоже. Закурил, в уме вертелось возвращение в тёплую квартиру, горячий чай, ужин со всеми вытекающими последствиями. Наш сынок Гоша уныло бегал между столбами, над которыми тускло звучал бравурный марш «Прощание славянки». И тут… Откуда-то из-за гранитного пандуса вдруг начали просачиваться странные звуки. Перебивая «славянку», доносилась тягучая торжественная музыка, и наконец, из-за поворота вырулила колонна здоровенных румяных дядек в кителях, клетчатых юбках и с кожаными мешками в руках. Это был оркестр шотландской гвардии с волынками во всём своём великолепии.Я вообще краем уха слышал о том, что в Москву на фестиваль «Кремлёвская зоря» должны были собраться военные оркестры со всего мира.Но там что-то не заладилось – вроде бы из-за осложнившейся международной обстановки фестиваль, кажется, отменили или перенесли. И в этой связи оркестр шотландских волынщиков не то наши не впускали, не то британцы отказались отправлять. И шотландцы как частные лица на свой страх и риск приехали за свои деньги.Приехали, а фестиваля никакого и нет. Но уж раз так, почему не порадовать искрометным искусством хмурых москвичей. Поступок! Так и случился этот незабываемый сюрприз.Мы все втроём в полном восторге бежали рядом с головой колонны, благо ширина аллеи позволяла. Я собрал в кулак весь свой английский и заорал: «Welcome to Moscow, boys!» – «Добро пожаловать в Москву, мальчики!» (хотел-то сказать «мужики», но не знал, как). Калиброванные под метр девяносто «мальчики» борзо косили орлиным глазом в нашу сторону, но молчали – рты были заняты надуванием мехов волынок. Дирижёр показал большой палец…[b]Из глубины веков[/b]Волынка относится к числу наиболее древних музыкальных инструментов человечества. Считается, что её происхождением мир обязан Ближнему Востоку. С помощью волынки услаждали свой слух древние халдеи, ассирийцы, египтяне и греки. Имеются письменные свидетельства того, что своими громогласными и протяжными звуками волынка придавала дополнительной храбрости и без того полным мужества и силы римским воинам. Предполагается, что именно из Древнего Рима волынка во времена борьбы римлян с варварами перекочевала в Британию и далее в Шотландию, где и приобрела статус народного инструмента и, более того, стала национальным символом этой страны.По-английски волынка называется bag-pipe (мешок с трубкой). Современный инструмент состоит из одной высокого тона трубки с девятью игровыми отверстиями, одной большой басовой и двух средних теноровых вертикальных трубок, которые играют постоянный басово-теноровый тон. Все эти трубки соединены с резервуаром, изготавливаемым из овечьей или козьей шкуры мехом внутрь. Музыкант вдувает воздух через специальную трубку (blow-pipe) и, нажимая локтем левой руки на резервуар, заполненный воздухом, правой начинает играть на игровой трубке. Три большие трубки звучат самостоятельно, давая постоянный протяжный аккомпанирующий звук, присутствие которого и отличает волынку от всех других инструментов.Волынка играет громко.Звук разносится на расстояние до четырех километров. Функционально это объясняет её многовековая история: инструмент в качестве ритуального и сигнального использовали в средние века кланы шотландских горцев, позже она нашла свое применение в Британском военном оркестре, объявляя сборы и вдохновляя солдат в сражениях. С появлением новых, особенно электронных инструментов волынка отошла на второй план, но сейчас переживает новый пик популярности, и число людей, увлекающихся игрой на этом замечательном инструменте, быстро растет во всем мире.[b]Кожаный perpetuum mobile[/b]Волынка начала завоевывать Европу в эпоху подъема общеевропейской культуры, связанного прежде всего с крестовыми походами и сопутствующими им, помимо горя и разрушений, которые они несли, расширением культурных горизонтов и обменом достижениями культуры различных народов. Но инструментом «для аристократов» королевских дворов Европы волынка так и не стала, оставаясь веками именно народным инструментом, спроектированным для громкого звучания на открытых пространствах, зовущим на жестокий бой и бесшабашный танец.Заслуженным, пусть и меньшим признанием, чем в Шотландии, пользуется волынка и в других странах.Правда, и называется она там иначе. «Мюзет» – так называют аналог волынки во Франции, «лабанора дуда» – в Литве, «гудаствири» – в Грузии, «иллианпайп» – в Ирландии, «зампогна» – в Италии, «гайда» – в Болгарии. Существовала волынка и на территории нашей страны. У разных народов волынки различаются по таким параметрам, как материал, размер, количество игровых труб. Соответственно, тональность, звучание и тембр этих родственных по своей сути инструментов также отличаются друг от друга.Неизменным всегда остаётся гениальный принцип кожаного мешка, аккумулирующего воздух и позволяющего музыканту, не тратя много сил, издавать непрерывный звук сколь угодно долго. Не вдаваясь в технические подробности, можно сказать, что волынка «работает» почти как вечный двигатель.[b]CODA:[/b] Всю мою предыдущую жизнь, до октября прошлого года, слово «волынка» вызывало у меня самые мерзостные ощущения. Ассоциировалось это слово с чиновниками, с бесконечным хождением по унылым учреждениям. Например, – с двухгодичным оформлением в БТИ слома полутораметровой фанерной стенки в коридоре. Теперь-то глаза открылись, и мужественные звуки этого удивительного инструмента навевают совсем другие чувства. Очень положительные! И ещё немного о словах и выражениях: вот есть старинная фразеологическая идиома «И швец, и жнец, и на дуде игрец!» Так всегда говорят о людях, обладающих разнообразными талантами или о человеке, вынужденном совмещать сразу несколько занятий.Мне такой человек раньше виделся уверенно вращающим правой рукой ручку старой, но добротной швейной машинки «Зингер», левой рукой сжимающим серп (или, там, сноп). А во рту у него дудочка. Такой вот незабываемый образ, так и просящийся на старинную гравюру. И опять всё пришлось ломать! По некоторым источникам, которые я накопал для статьи, волынка в центральных областях России называлась ДУДА. Об этом пишется в «Повести временных лет» (XII век). И сообразуясь с этими новыми сведениями, наш гипотетический «швец» сразу лишается предмета технического прогресса – машинки. Ибо разместить перед собой и «Зингер», и довольно-таки объёмную волынку не смог бы даже такой талантливый человек, как он. Поэтому выглядеть всё должно примерно так: ртом игрец дует в волынку-дуду, левой бы рукой машет серпом, а правой виртуозно шьёт, например, дамский сарафан, стараясь не пропороть иглой волыночный мех.Век живи – век учись![b]P.S.[/b] Не поленитесь купить диск с волыночной музыкой. Желательно шотландской. Нет ничего лучше, чем, сидя в полутёмной комнате, очистить душу под такой аккомпанемент и предаться романтическим воспоминаниям.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Какой музыкальный инструмент можно считать национальным символом нашей страны?[/i]Антон ПАЛЕЕВ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– В первую очередь – балалайку. В каком-то смысле – аккордеон, который хоть и имеет французское происхождение, но на нем исполняется большое количество русских песен, и баян. К национальным русским символам страны можно отнести фортепьяно и рояль. А если рассматривать еще масштабней, то, наверное, к ним можно отнести еще и трубу. Достаточно вспомнить произведения и марши наших гусарских полков.[/i]
Развлечения
С волынкой по жизни
Исследуя историю и устройство различных музыкальных инструментов, наш ведущий страницы «Попурри-мастер» Капитан Макс каждый раз поражается уникальности очередного предмета исследования. Вот и сегодня Капитан представляет читателю очередной экспонат из богатой коллекции «Вечерки» – удивительный музыкальный инструмент, который – единственный из всех – может издавать НЕПРЕРЫВНЫЙ звук в течение минут, часов, дней… В общем, пока музыкант не устанет.Юбки, украшенные национальным орнаментом, мерно раскачивались в такт торжественной поступи. Мой четырёхлетний сын, одетый в пуховый комбинезон, сказал: «А ножки голые у них не замёрзнут?» Октябрь 2008-го. Я долго сопротивлялся, но жена всё-таки продавила тему посещения Поклонной горы, музея и так далее. Дело в том, что наш ребёнок очень интересовался всякими пушками, танками, самолётами, в обилии представленными на этой «горе».Мы честно «прогуляли» все достопримечательности, мальчик шмыгал носом на трёхградусном морозе, было пасмурно и одиноко, снежинки кружились над головой, настроение сделалось отвратительное, – жена с трудом держалась, я тоже. Закурил, в уме вертелось возвращение в тёплую квартиру, горячий чай, ужин со всеми вытекающими последствиями. Наш сынок Гоша уныло бегал между столбами, над которыми тускло звучал бравурный марш «Прощание славянки». И тут… Откуда-то из-за гранитного пандуса вдруг начали просачиваться странные звуки. Перебивая «славянку», доносилась тягучая торжественная музыка, и наконец, из-за поворота вырулила колонна здоровенных румяных дядек в кителях, клетчатых юбках и с кожаными мешками в руках. Это был оркестр шотландской гвардии с волынками во всём своём великолепии.Я вообще краем уха слышал о том, что в Москву на фестиваль «Кремлёвская зоря» должны были собраться военные оркестры со всего мира.Но там что-то не заладилось – вроде бы из-за осложнившейся международной обстановки фестиваль, кажется, отменили или перенесли. И в этой связи оркестр шотландских волынщиков не то наши не впускали, не то британцы отказались отправлять. И шотландцы как частные лица на свой страх и риск приехали за свои деньги.Приехали, а фестиваля никакого и нет. Но уж раз так, почему не порадовать искрометным искусством хмурых москвичей. Поступок! Так и случился этот незабываемый сюрприз.Мы все втроём в полном восторге бежали рядом с головой колонны, благо ширина аллеи позволяла. Я собрал в кулак весь свой английский и заорал: «Welcome to Moscow, boys!» – «Добро пожаловать в Москву, мальчики!» (хотел-то сказать «мужики», но не знал, как). Калиброванные под метр девяносто «мальчики» борзо косили орлиным глазом в нашу сторону, но молчали – рты были заняты надуванием мехов волынок. Дирижёр показал большой палец…[b]Из глубины веков[/b]Волынка относится к числу наиболее древних музыкальных инструментов человечества. Считается, что её происхождением мир обязан Ближнему Востоку. С помощью волынки услаждали свой слух древние халдеи, ассирийцы, египтяне и греки. Имеются письменные свидетельства того, что своими громогласными и протяжными звуками волынка придавала дополнительной храбрости и без того полным мужества и силы римским воинам. Предполагается, что именно из Древнего Рима волынка во времена борьбы римлян с варварами перекочевала в Британию и далее в Шотландию, где и приобрела статус народного инструмента и, более того, стала национальным символом этой страны.По-английски волынка называется bag-pipe (мешок с трубкой). Современный инструмент состоит из одной высокого тона трубки с девятью игровыми отверстиями, одной большой басовой и двух средних теноровых вертикальных трубок, которые играют постоянный басово-теноровый тон. Все эти трубки соединены с резервуаром, изготавливаемым из овечьей или козьей шкуры мехом внутрь. Музыкант вдувает воздух через специальную трубку (blow-pipe) и, нажимая локтем левой руки на резервуар, заполненный воздухом, правой начинает играть на игровой трубке. Три большие трубки звучат самостоятельно, давая постоянный протяжный аккомпанирующий звук, присутствие которого и отличает волынку от всех других инструментов.Волынка играет громко.Звук разносится на расстояние до четырех километров. Функционально это объясняет её многовековая история: инструмент в качестве ритуального и сигнального использовали в средние века кланы шотландских горцев, позже она нашла свое применение в Британском военном оркестре, объявляя сборы и вдохновляя солдат в сражениях. С появлением новых, особенно электронных инструментов волынка отошла на второй план, но сейчас переживает новый пик популярности, и число людей, увлекающихся игрой на этом замечательном инструменте, быстро растет во всем мире.[b]Кожаный perpetuum mobile[/b]Волынка начала завоевывать Европу в эпоху подъема общеевропейской культуры, связанного прежде всего с крестовыми походами и сопутствующими им, помимо горя и разрушений, которые они несли, расширением культурных горизонтов и обменом достижениями культуры различных народов. Но инструментом «для аристократов» королевских дворов Европы волынка так и не стала, оставаясь веками именно народным инструментом, спроектированным для громкого звучания на открытых пространствах, зовущим на жестокий бой и бесшабашный танец.Заслуженным, пусть и меньшим признанием, чем в Шотландии, пользуется волынка и в других странах.Правда, и называется она там иначе. «Мюзет» – так называют аналог волынки во Франции, «лабанора дуда» – в Литве, «гудаствири» – в Грузии, «иллианпайп» – в Ирландии, «зампогна» – в Италии, «гайда» – в Болгарии. Существовала волынка и на территории нашей страны. У разных народов волынки различаются по таким параметрам, как материал, размер, количество игровых труб. Соответственно, тональность, звучание и тембр этих родственных по своей сути инструментов также отличаются друг от друга.Неизменным всегда остаётся гениальный принцип кожаного мешка, аккумулирующего воздух и позволяющего музыканту, не тратя много сил, издавать непрерывный звук сколь угодно долго. Не вдаваясь в технические подробности, можно сказать, что волынка «работает» почти как вечный двигатель.[b]CODA:[/b] Всю мою предыдущую жизнь, до октября прошлого года, слово «волынка» вызывало у меня самые мерзостные ощущения. Ассоциировалось это слово с чиновниками, с бесконечным хождением по унылым учреждениям. Например, – с двухгодичным оформлением в БТИ слома полутораметровой фанерной стенки в коридоре. Теперь-то глаза открылись, и мужественные звуки этого удивительного инструмента навевают совсем другие чувства. Очень положительные! И ещё немного о словах и выражениях: вот есть старинная фразеологическая идиома «И швец, и жнец, и на дуде игрец!» Так всегда говорят о людях, обладающих разнообразными талантами или о человеке, вынужденном совмещать сразу несколько занятий.Мне такой человек раньше виделся уверенно вращающим правой рукой ручку старой, но добротной швейной машинки «Зингер», левой рукой сжимающим серп (или, там, сноп). А во рту у него дудочка. Такой вот незабываемый образ, так и просящийся на старинную гравюру. И опять всё пришлось ломать! По некоторым источникам, которые я накопал для статьи, волынка в центральных областях России называлась ДУДА. Об этом пишется в «Повести временных лет» (XII век). И сообразуясь с этими новыми сведениями, наш гипотетический «швец» сразу лишается предмета технического прогресса – машинки. Ибо разместить перед собой и «Зингер», и довольно-таки объёмную волынку не смог бы даже такой талантливый человек, как он. Поэтому выглядеть всё должно примерно так: ртом игрец дует в волынку-дуду, левой бы рукой машет серпом, а правой виртуозно шьёт, например, дамский сарафан, стараясь не пропороть иглой волыночный мех.Век живи – век учись![b]P.S.[/b] Не поленитесь купить диск с волыночной музыкой. Желательно шотландской. Нет ничего лучше, чем, сидя в полутёмной комнате, очистить душу под такой аккомпанемент и предаться романтическим воспоминаниям.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Какой музыкальный инструмент можно считать национальным символом нашей страны?[/i]Антон ПАЛЕЕВ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– В первую очередь – балалайку. В каком-то смысле – аккордеон, который хоть и имеет французское происхождение, но на нем исполняется большое количество русских песен, и баян. К национальным русским символам страны можно отнести фортепьяно и рояль. А если рассматривать еще масштабней, то, наверное, к ним можно отнести еще и трубу. Достаточно вспомнить произведения и марши наших гусарских полков.[/i]
Развлечения
У органа есть душа
[b]В отличие от этимологов наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс уверен, что слова: «органично», «организовывать», «организация» – произошли непосредственно от названия уникального, величественного, стройно звучащего музыкального инструмента, в котором множество труб приведено в логичное умное согласие.[/b]В сентябре 1931 года экспедиция английского археолога Сесила Ферса занималась поисками прохода в гробницу фараона III династии Джосера. По предположениям Ферса, основанным на долголетнем изучении исторических материалов, гробница могла помещаться под западным крылом знаменитой на весь мир Ступенчатой пирамиды, расположенной в местечке Саккара, неподалёку от древнего Мемфиса. Шла третья неделя раскопок, и наконец рабочие отрыли нечто вроде заваленного камнями входа. Когда исследователи проникли внутрь, они обнаружили уходящий вниз коридор, заканчивающийся большой каменной дверью, на которой выделялись несколько иероглифов, содержащих предостережение грозного Анубиса – божества с телом человека и головой шакала: вошедшему – немедленная смерть! Объятые суеверным ужасом, местные, нанятые Ферсом рабочие, категорически отказались идти дальше. Только после долгих уговоров и обещания неслыханного вознаграждения несколько смельчаков всё-таки приступили к открыванию двери. Через день каменная плита распахнулась, и оттуда из темноты раздался низкий угрожающий рык.«Анубис, Анубис!» – закричали рабочие. Звук был такой душераздирающий, что все, включая и меня, зажав уши, опрометью бросились наружу», – писал позже Сесил Ферс в своих дневниках.Непрерывный вой, раздававшийся на все окрестности, всё продолжался. Ни один зверь или божество не могли производить такой звук. Когда Ферс с двумя помощникамиевропейцами всё-таки снова спустился в коридор, им в лицо ударил плотный поток воздуха. Современные печники назвали бы это хорошей тягой.Так и оказалось. Распахнув дверь, археологи как бы открыли некий клапан, и мощный сквозняк, запланированный строителями пирамиды 4000 лет назад, пройдя через хитроумные воздуховоды, превратился в устрашающий «голос Анубиса».А «ход к гробнице» кончался тупиком и оказался ложным. Древние египтяне так часто делали, чтобы запутать возможных расхитителей гробниц.[b]Король музыки[/b]К чему бы эта историческая реминисценция? А к тому, что пропускание потока воздуха через отверстие определённой конфигурации с извлечением соответствующего звука могло положить (а может быть и положило) начало пониманию принципа «свистка», или флейты. Что и предшествовало появлению целой плеяды основополагающих духовых инструментов, основанных на «флейтовской» системе образования звука. Ведь именно в этом «семействе» появился на свет Его Величество Орган! Ни один музыкальный инструмент в мире не даёт такого богатого, а порою и фантастического звучания, такого всеобъемлющего пафоса в самом лучшем смысле этого слова. Не зря орган называют «королём инструментов». Кроме этого, «король» – самый большой музыкальный инструмент по размеру. Он состоит из набора труб (деревянных и металлических) разных размеров и пневматической системы (воздухонагнетающего устройства и воздухопроводов), заключенных в общий корпус, а также кафедры управления. Помимо ручных (мануал) и ножных (педаль) клавиатур, на кафедре управления сосредоточены рукоятки различных рычагов, служащих для соединения между собой клавиатур включения регистров и устройств, усиливающих и ослабляющих звучание. Звук образуется при прохождении воздуха, нагнетаемого мехами, через «свистковые» отверстия и усиливается расширяющимися к концу трубами.[b]Царь-орган[/b]Но сначала в III веке до нашей эры появился водяной орган – гидравлос. Его изобретение приписывается египетскому мастеру Ктесибию из Александрии.Гидравлос был достаточно мощным инструментом. Необходимое давление воздуха, поступавшего в трубы, поддерживалось в нем столбом воды. Гидравлос использовался греками и римлянами на ипподромах, в цирках, а также для сопровождения языческих мистерий, звук у него был необычайно сильным и пронзительным. А в первые века христианства водяной насос был заменен воздушными мехами. Это позволило увеличивать размеры труб, доводя их количество в органе до десятков тысяч.По поводу того, какой из органов можно считать самым большим, мнения расходятся.Но по количественно-качественным показателям чемпионом всё-таки признан гигантский, поражающий воображение инструмент, построенный в американском городе Атлантик-Сити в 1930 году. Этот орган имеет 7 мануалов (клавиатур), 33 112 труб – это более чем, например, в 15 (пятнадцати) органах Малого зала Московской консерватории вместе взятых... И в четыре с половиной раза (!) больше, чем БУКВ В ЭТОЙ СТАТЬЕ. Кафедра (консоль) органа выглядит как кабина пилота космического корабля из фантастического боевика – на ней 729 разноцветных управляющих рычажков, 168 кнопочек под клавиатурами, 42 ножных пистона (управляющие кнопки, на которые надо нажимать ногами). По мощи звучания орган равен 25 большим духовым оркестрам, а весит около 300 тонн...Однако воспользоваться в полной мере всеми возможностями этого шедевра органостроения сейчас не удаётся. Самый большой в мире орган схож с самой большой пушкой и самым большим колоколом: та не стреляет, тот не звонит, орган практически не играет. Его необходимо настраивать непрерывно, и пока настраивается одна часть, другая в это время как раз расстраивается.[b]Надо строить позитивно![/b]Историческая судьба органов в России складывалась поразному. До XVII века инструменты, которые русскими именовались «варганами», попадали к нам, как правило, из Византии, а позже из Европы.Это были так называемые ПОРТАТИВЫ – компактные аппараты, при игре на которых исполнитель сам накачивал воздух в инструмент. Варганы использовались скоморохами для развлечения знати, на пирах, на дворцовых гуляньях. При достославном царе Алексее Михайловиче часто устраивались органные потехи. Однако во времена его царствования произошел один из трагических актов в истории органа на Руси (издание запретительной противоскоморошьей грамоты 1648 г.), когда примерно две тысячи инструментов были собраны, отвезены на подводах в Замоскворечье и сожжены. А первый стационарный орган – ПОЗИТИВ (от лат. роsitum – поставленный) – был построен в Москве в католическом соборе, обслуживающем иностранных «специалистов», которых Пётр I приглашал ко двору в больших количествах.Долгое время потом большие органы у нас не строились. Препятствовала Православная церковь. Орган считался атрибутом чуждой религии, и только в двадцатом веке вместе с присоединением западных республик, СССР обзавёлся несколькими приличными инструментами. В том числе и замечательным органом в Домском соборе в Риге.[b]P.S.[/b] 1984 год. Готическая Рига! Радостный, просветлённый, только что отслушавший фугу Баха, исполненную на самом большом в СССР органе, на волнах эйфории я «плыву» по переулку, отходящему от площади Домского собора.Брюки у меня чехословацкие, полуботинки болгарские, курточка гэдээровская – в общем, красота такая, что глаз не отвести. Подходят мужчина с женщиной. Неопрятные, бездуховные. Явно приезжие изпод Саратова: «Не подскажете, где тут универмаг?.. Я, на нервной почве с «рижским акцентом», – чистую правду: Нэ зна-а-ю!» Они, вполголоса с плохо скрываемой злобой: «У-у, националисты проклятые!»[b]CODA:[/b] [i]Я не склонен к мистике, но вот что думаю: те слова (иероглифы), выбитые на «двери» строителями Ступенчатой пирамиды в качестве «обещания» неотвратимой и жестокой смерти для незваных пришельцев, не были просто обещаниями. За вскрытие гробниц в те времена действительно полагалась скорая и страшная смерть. А та открытая (или отрытая) в пирамиде циклопическая «сирена» – прообраз органа – могла играть роль своеобразной сигнализации. Услышав «голос Анубиса», раздающийся из-под какого-либо угла пирамиды, стража, которая в те времена дежурила при каждом подобном артефакте, могла тут же задержать грабителей, как бы сейчас сказали, «на месте преступления».Задержать и незамедлительно привести приговор в исполнение. Система срабатывала быстро, надёжно – без всяких там мораториев, адвокатов и присяжных. И никакой мистики! Одна прагматика![/i]
Развлечения
Звонарь стал диджеем
Какое отношение к музыкальным инструментам имеют трамвай, цветок, поезд, тройка, пароход, звонок, юбка, погружение под воду, громкоговоритель, окончание школы? Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс считает, что самое прямое! Все эти слова и понятия объединяет один предмет, изобретенный задолго до начала нашей эры, но ставший музыкальным инструментом сравнительно недавно – около века назад. А играл на нем специальный человек – параэкклезиарх.[b]Камень или стекло?[/b]Речь пойдет о колоколе, вернее, о колоколах. А что до трамвая, поезда, тройки, парохода, то все эти средства передвижения в свое время были оснащены сигнальными колоколами и колокольчиками, имеющими форму известного цветка. Такую же форму имеет и юбка, популярная у модниц, и водолазный колокол, и знакомый всем сельский громкоговоритель. А люди старшего поколения прекрасно помнят дверные звонки-колокольчики и традиционный школьный “последний звонок”.Изготовление и употребление колоколов относится к глубокой древности. Колокола были известны евреям, египтянам, римлянам. Делали их в Японии и Китае. В древности колокола были небольших размеров и клепались из листового железа.Позднее их стали клепать из листовой меди и бронзы, а потом и отливать из специальной колокольной меди. Были колокола и из других материалов. Чугунные, из чистого серебра, стеклянные, даже каменные. Но очень быстро выяснилось, что самый лучший звук дают сплавы. Мастера подбирали ингредиенты методом проб и ошибок и потом хранили и совершенствовали свои секреты веками. Эволюционировало и мастерство звонарей, которые со временем стали довольно уважаемыми в церковной среде людьми. Их должность приравнивалась к обязанностям параэкклезиарха, иначе парамонаря – в просторечии – пономаря.[i][b]Как бабы на селе[/b][/i]В книге В. Скоробогатова “Колокольная Русь” (Ярославль, 1911 г.) цитируется следующий документ (сохранена пунктуация и орфография оригинала):[i]“Сего генваря 5 дня 1757 году подана Его Преосвященству протоиерею града Ростова жалоба на поставленного соборным пономарем села Титово Олешку Люткина сына Алексеева. Оный Люткин Олешка дотоле должность свою по надлежащему отправлял со всякою исправностию безостановочно и житие имел добропорядочное и трезвенное а пьянственных и прочих непотребных поступок не имел ныне поддался искушению бесовскому на колоколне навесил вест бой звонил перстами не благочестивый а подлый праздный што бабы на селе поют[/i].[b]Эконом дьяк Киприан Семенов[/b]”Наверное, есть смысл перевести на современный язык эту древнюю служебную записку. В советское время это выглядело бы так:[i]“Руководителю отдела культуры Ростовского облисполкома. Сообщаю, что исполняющий обязанности начальника сельского радиоузла колхоза “Титово” О. А. Люткин, до сих пор известный как хороший комсомолец, морально устойчивый и скромный в быту, поддался тлетворному влиянию Запада, развесил на столбах еще несколько громкоговорителей и в Международный день трудящихся – Первое мая – вместо патриотических песен советских композиторов заводил сомнительные произведения подзапрещенной группы “Машина времени”[/i].[b]Счетовод, член партии, К. Семенов”[i]Исследование[/b][/i]Если отставить в сторону иронический тон, некоторую курьезность ситуации и религиозно-политическую подоплеку, документ этот нам о многом говорит: во-первых, в середине восемнадцатого века (!) на Руси появился (по крайней мере, один) звонарь, который на свой страх и риск дополнил традиционный набор колоколов на колокольне еще несколькими, настроенными на определенные ноты. Ведь чтобы сыграть даже простейшую народную мелодию (то, “што бабы на селе поют”), понадобилась бы “клавиатура” октавы в полторы. То есть нот восемнадцать-двадцать. То бишь 18–20 колоколов.А во-вторых, благожелатель Киприан пишет, что этот “бой звонил перстами”. Это значит, что ушлый Олешка пользовался не только принятой тогда системой сложного звона при помощи рук и ног, но и собственным ноу-хау – колокольцами с языками, привязанными к ПАЛЬЦАМ.Что было для того времени крайне необычным и авангардным. Это сейчас повсеместно внедрена специальная система управления звоном – совокупность тяг от колоколов в традиционном православном подборе колоколов, приходящих к пульту. Система управления звоном позволяет звонарю управлять всеми колоколами, расположенными на колокольне, без усилий и одновременно. Классический православный подбор делит колокола на 3 группы: самые маленькие – зазвонные колокола – управляются правой рукой звонаря, средние – подзвонные колокола – левой рукой и самые большие – благовестники – правой ногой.Но такая система свойственна только ОТЕЧЕСТВЕННОЙ конструкции колоколов. Колоколов, в которых звук воспроизводится при помощи раскачивания языка (!) А не самого колокола, как это было спокон веков принято в других странах в их колокольных конструкциях. Например в курантах. Уж не знаю, чего там иностранцы намудрили? Ведь понятно, что язык раскачивать значительно легче, чем сам тяжеленный колокол. Такой, например, как многотонный “Царь”.[i][b]Сам есть, а звука нет![/b][/i]Особое место среди всех в мире колоколов, занимает “Царь-колокол”. Его литье завершилось 25 ноября 1734 г.Высота колокола – 6 м 14 см, диаметр – 6 м 60 см, вес – 12 327 пудов (202 тонны). Состав сплава: меди – 84,5%, олова – 13,2, серы – 1,2, золота – 0,036 (около 72 кг), серебра – 0,25 (около 525 кг).До весны 1735 г. колокол оставался в литейной яме – производились работы по тонкой очистке и отделке барельефов, которыми богато была украшена его поверхность. 29 мая в Москве случился большой пожар, загорелись и деревянные постройки над литейной ямой.При тушении огня от сильного перепада температур колокол дал 11 трещин, от него откололся кусок весом 11,5 т. Наконец, через 100 лет в 1834 г. колокол подняли из земли и установили на гранитный пьедестал. Были смелые решения о спайке отломившейся части, но все это осталось в теории.Существует, правда, компьютерная модель гипотетического звука “Царь-колокола”, рассчитанная с помощью новейших программ, но насколько она близка к оригиналу, мы можем только гадать.[b]CODA:[/b] [i]На Руси издревле считалось, что колокольный звон лечит все болезни.Перед тем как сесть писать эту статью, я купил и прослушал два диска с записями звонов. Старинных, церковных и относительно новых, специально написанных композиторами и сыгранных при помощи современных систем игры на колоколах. Слушал, кстати, на очень хорошей аппаратуре. Впечатления сильные. Но не такие потрясающие, как три года назад в Угличе на “Празднике звонов”. Я думаю, дело здесь в ЖИВОМ звуке. НИКОГДА прослушивание даже высококлассной записи не сравнится с личным присутствием на концерте.А в нашем, “колокольном”, случае в восприятие вмешивается и технологическая составляющая. Не зря мастера веками “колдовали” со сплавами, не зря передавали свое искусство из рода в род. И вполне возможно, что какие-то особые, порою даже не слышимые ухом колокольные обертона, которые не может воспроизвести ни один динамик, запускают у человека специальные процессы, благотворно влияющие на его жизнедеятельность.Здесь должны сказать свое слово ученые – специалисты по волновой теории звука.[/i][b]P.S.[/b] Немка София-Фредерика-Амалия, принцесса Ангальт-Цербстская, став императрицей Екатериной Великой, влюбилась в русские колокола. Она могла слушать их часами. Торжественный звук колоколов ассоциировался у неё с победами. “А ну, задайте им звону!” – напутствовала Екатерина полководцев перед походом. Такое вот придумала выражение. А слов на ветер она не бросала.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Какие чувства у вас вызывает колокольный звон?[/i]Татьяна ПОРТНОВА, депутат Мосгордумы:[/b][i]– Колокольный звон вызывает во мне самые лучшие чувства, которые только есть. Возвышенные, от которых душа раскрывается.[/i]
Общество
Эпоха ВИА прошла?
[b]Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс побывал на концерте, в котором принимали участие коллективы, созданные более 30 лет назад. Концерт был посвящён одному из родоначальников славной эпохи ВИА.[/b]Год 1978-й. Вестибюль Сочинской филармонии заполнен чемоданами, кофрами с инструментами и пока ещё по-московски и омски бледными молодыми людьми.Внешне обстановка напоминает эвакуацию во время войны. И лица соответствующие. Ведь многие сидят здесь, в вестибюле, на чемоданах уже вторые сутки. Со всех концов страны они приехали на Всероссийский конкурс вокально-инструментальных ансамблей “Сочи-78”. А номеров в гостиницах нет – лето! Время от времени в холле появляется не спавший уже часов сорок администратор и хриплым голосом выкрикивает что-нибудь вроде: “Телеграмма из Магаданской филармонии. Требуют обеспечить для ансамбля “Ритм” гостиницу “Жемчужина”! Три люкса и пять полулюксов!” Но даже такое абсурдное требование лучшей сочинской гостиницы для никому не известного ансамбля ни оживления, ни насмешек уже не вызывает. Устал народ.Вечером на приморской аллее, примыкающей к филармонии, собрались музыканты из разных городов. Из бумажных расползающихся стаканчиков (а кто прямо из горлышка) ребята пили красное вино и обменивались информацией и планами. Все сходились во мнении, что места на конкурсе распределены ещё в Москве, а первую премию возьмёт ленинградский коллектив, у которого всё схвачено. И что теперь надо расслабиться и просто получить удовольствие от общения и внепланового присутствия на лучшем курорте Союза. А в сторонке, на скамеечке примостились участники молодого, но быстро набирающего популярность ВИА “Лейся, песня!” Они тоже воздавали должное приятному южному вину, но приняли твёрдое решение не плыть по воле волн, а серьёзно бороться за победу в конкурсе, полагаясь всё-таки на честность жюри, возглавляемого Иосифом Кобзоном и Александрой Пахмутовой. Был среди этих музыкантов и молодой солист ансамбля – симпатичный паренёк из Ростова Владислав Андрианов.[b]Саботаж[/b]Конкурс проходил в три тура. Ансамбль “Лейся, песня!” легко проскочил первый и второй, но перед выходом на сцену в третьем выяснилось, что называется коллектив уже не своим, ставшим привычным именем, а безликим “Ансамблем Тульской филармонии”.Музыканты недавно в полном составе ушли из Кемеровской филармонии, где работали в последнее время и перешли в Тулу. Всё поближе к Москве, где жили большинство участников коллектива. Так вот, когда перед ансамблем замаячила пусть и призрачная, но всё-таки возможность выйти в финал, кемеровские деятели спохватились и попытались отобрать имя. Даже приехал специальный человек. И им это удалось.На третий тур солист “Ансамбля Тульской филармонии” Андрианов вышел в неважном настроении – судьба как будто ополчилась на коллектив. Во-первых, эта история с именем; во-вторых, отвратительный звук на втором туре (потом выяснилось, что надо было материально заинтересовать звукорежиссёра); и, наконец, крайне неудачная жеребьёвка – прямо перед перерывом на обед для жюри. Тем временем барабанщик дал отсчёт. Заиграла духовая группа, Влад запел первые слова, но микрофон не работал…Более того, не работали микрофоны и у остальных трёх вокалистов. Оказалось, что предыдущий коллектив “любезно” выключил микрофоны, использовав совсем незаметную кнопочку на корпусе новой, ещё незнакомой музыкантам модели. Это была серьёзная накладка. Песню пришлось начинать заново.Закончилась конкурсная программа. Разберётся ли жюри, почему произошла заминка? А зрители устроили “тулякам” бурную овацию. Им пришлось даже спеть незапланированную композицию. Все 10 человек отложили инструменты, вышли вперёд и грянули на 4 голоса подготовленную на всякий случай “Ой, мороз, мороз”. Зал неистовствовал.[b]Victory[/b]После 6 вечера жюри заперлось в опустевшем зале, чтобы подвести итоги. Иногда оттуда выскакивал озабоченный администратор и возвращался с двумя сетками прохладительных напитков. Судя по всему, если в Москве и были заранее распределены места, то не до конца. Тульские музыканты вместе с другими в волнении слонялись перед зданием, пока их руководитель Михаил Шуфутинский наконец не сказал: “Ребят, всё будет известно ещё не скоро. Идите в ресторан, отдыхайте. Я приду и всё скажу!” В ресторан постепенно переместились почти все участники третьего тура. Двенадцать ансамблей. Без малого человек сто. Только руководители остались дежурить в ожидании результата.Без пятнадцати двенадцать в ресторанный зал вбежали несколько взволнованных мужчин. Первым двери миновал неизвестный Владу человек, кажется, руководитель того ангажированного ленинградского ансамбля. Его глаза сияли. Он поднял правую руку в известном всем жесте – указательный и средний пальцы образовывали латинскую букву V – victory (победа). Присутствующие питерцы взвыли от восторга и бешено зааплодировали. Андрианов опустил голову. Всё было ясно и предсказуемо. Потом из-за спины питерского руководителя показался Шуфутинский. Он нашёл глазами своих и тоже поднял руку во всем известном жесте. Но если знак victory после некоторого размышления можно было истолковать и как цифру 2, то гордо поднятый указательный палец Миши повода для разночтений не оставлял. Один! Первый! То есть первое место! На глаза Андрианова навернулись слёзы. Такие же, какие были и у Шуфутинского, и у других участников “тульского” коллектива.На следующий день в торжественной обстановке состоялся концерт лауреатов. Сначала выступили дипломанты, затем группы, занявшие 4-е, 3-е, 2-е (питерцы) места, и наконец Кобзон своим громовым голосом провозгласил: “Я приглашаю на сцену лауреата 1-й премии Всероссийского конкурса ВИА “Сочи-78” – коллектив Тульской областной филармонии...”Потом Иосиф Давыдович помолчал секунду и решительно добавил:– “Лейся, песня!” – Зал аплодировал стоя.[b]CODA[/b][i]В составе “Лейся, песня!”, на название которой уже никто никогда не посягал, Владислав Андрианов записал огромное количество любимых народом произведений. “Где жеты была?”, “Вот увидишь”, “Я так и знал” и заглавную песню культовой пластинки Давида Тухманова “По волне моей памяти”.Владика не стало 2 января 2009 года в 9 ч. 45 мин. утра. На прошлой неделе в ЦДХ состоялся трёхчасовой концерт памяти Владислава Андрианова. На сцену выходили старые составы известнейших в своё время и ныне ансамблей: “Самоцветы”, “Пламя”, “Синяя птица”, “Поющие сердца”; а также друзья и коллеги Влада – Вячеслав Малежик, Алексей Глызин, Игорь Иванов и, конечно же, солисты и участники “Лейся, песня!” Я присутствовал на этом концерте. И вот что удивительно: при таком большом скоплении выступавших без прогона, без репетиций артистов не было ни одной накладки, которые обязательно случаются на сборных концертах такого масштаба. А почему? Потому что все пели ЖИВЬЁМ! Старая школа! Поэтому никаких казусов и перепутанных фонограмм. А зрители?! Я давно не видел такого приёма. После концерта в гримёрку артистов выстроилась целая очередь за автографами. В толпе вспоминали Андрианова, ушедшую, к сожалению, эпоху ВИА и старую добрую музыку, по сравнению с которой нынешний кислотный рэп ни в какое сравнение не идёт. Что ж, хорошее видно на расстоянии![/i][b]P.S.[/b] Если бы “Лейся, песня!” была не музыкальным коллективом, а, например, учебным заведением, она законно могла бы гордиться своими выпускниками. Ведь именно эта группа дала отечественной эстраде таких исполнителей, как Владислав Андрианов, Игорь Иванов, Михаил Шуфутинский, Валерий Кипелов, Николай Расторгуев. Даже представитель технического персонала группы – звукорежиссёр Александр Кальянов – забросил пульт и стал известным певцом. Можно ли после этого не говорить об особой ауре ансамбля, который фактически начался с Влада Андрианова?!Светлая ему память![b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕЕвгений БУНИМОВИЧ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– “Второе дыхание” открывается не у направления, а у конкретных талантливых людей. Если эта сфера окажется близка какому-то на самом деле талантливому и творческому человеку, то тут же окажется, что все это актуально. А если нет, никакие направления сами по себе жить не могут.[/i]
Развлечения
Звук трубы зовет на подвиги
По назначению она бывает водопроводная, печная, заводская, водосточная, нефтяная, кимберлитовая, котельная, выхлопная, аэро, крекинговая, а по качеству – бесшовная, толсто и тонкостенная, газлифтная, стальная, полипропиленовая, металлопрокатная, цельносварная, профильная и ещё бог знает какая… но наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс предлагает обсудить её главную ипостась – музыкальную.На вокзале Уссурийска, куда, отстаиваясь во всех тупиках и спотыкаясь на каждой стрелке, наконец, притащился эшелон с призывниками, Виталику – 18-летнему разгильдяю из Москвы – удалось упросить сопровождающего офицера отпустить его на 10 минут в киоск за сигаретами.Киоск оказался широкого профиля. Газеты-журналы, тетради, сигареты, мелочовка всякая. Внимание будущего солдата привлёк ничем не примечательный белый пластмассовый мундштук для пионерского горна. 24 копейки всё удовольствие! Кто бы мог подумать, что всего 24 копейки могут кардинально изменить жизнь человека.К концу почти месячного карантина – “Курса молодого бойца” – у новоиспечённых солдат не осталось при себе ни одного предмета из бывшей гражданской жизни. Часы, простенькие нашейные цепочки, ручки, даже зубные щётки и начатые тюбики с болгарской зубной пастой – всё было под теми или иными предлогами отобрано старослужащими солдатами. Наверное, у Виталика экспроприировали бы и никчёмный мундштук, но молодой воин всегда носил его при себе в кармане гимнастёрки, и ежевечерний шмон по тумбочкам с обязательным выворотом карманов брюк ему практически ничем не грозил.За 2 дня до присяги в расположение пришёл подтянутый весёлый старлей – “купец”, обязанный выявить ходовой военный товар: спортсменов, художников, музыкантов, танцоров. Всем солдатикам мечталось записаться в избранные – о вольготной службе писарей, хлеборезов и музыкантов ходили легенды.Но лейтенант, видимо, не зря ел свой хлеб. Он коротко переговорил с каждым из кандидатов, и в результате из почти 50 потенциальных представителей солдатской интеллигенции в блокноте “купца” остались только 6 фамилий. Тогда Виталик решился: “А вам не нужен трубач духового оркестра?” – негромко “под дурачка” спросил он и показал заветный мундштук. Лейтенанат с сомнением повертел белую штуковинку в руках, подумал и добавил седьмую фамилию.Целых полгода Виталику удавалось пудрить мозги начальству. Обладая от природы отличным слухом и имея за плечами почти три класса музыкальной школы по классу скрипки, он, проходя службу в составе большого духового оркестра, легко научился имитировать игру на трубе. Он просто ПЕЛ в инструмент нехитрую партию. С оркестровыми дембелями, которым всё было уже до фени, вопросы удавалось решать при помощи посылок из дома, а у недавно сменившегося старшины до проверок индивидуального мастерства руки не доходили. Но через полгода гром всё-таки грянул. Выбор у начальника оркестра старшины Гордеева был небольшой: либо с позором через гауптвахту вышибить “музыканта” в простые пехотинцы с каждодневным мытьём туалетов до самого конца службы, либо оставить всё как есть, довольствуясь определённым денежным содержанием, вымогаемым у благодарных Виталиковых родителей. Старшина выбрал третий путь. Под угрозой первого варианта он приказал разоблачённому научиться за 2 недели играть все партии ПО-НАСТОЯЩЕМУ. Что Виталик, не поспав ночей 10, с успехом и сделал. Вернулся он из армии законченным трубачом-виртуозом.Эту историю, которую я берёг для газеты 3 года, рассказал мой старый армейский товарищ – профессор Колумбийского музыкального колледжа, известнейший американский джазмен Виталий Андреевич Ивановский.[b]Козырное животное[/b]По-английски труба – trumpet. Ивановский делит это слово на две части и переводит по отдельности: trump – козырь, pet – домашнее животное (любимец типа котика или собачки). В общем, козырный любимец. Причём ни одному американцу перевести таким образом trumpet в голову не приходило. А для Виталия труба стала “домашней козырной любимицей” на всю жизнь. Кстати, тот пионерский мундштук сохранился и занимает почётное место на специальной полке в нью-йоркской квартире Ивановского.Труба – не просто музыкальный инструмент! От любых других она отличается тем, что в определённой степени является символом. Символом обновления, символом движения вперёд. Поэтический образ горниста или трубача, поднимающего войска в атаку, не раз был воспет в литературе и в песенном творчестве. Испокон веков торжественный звук трубы ассоциировался с важными государственными и общественными событиями.Первые инструменты, которые можно называть трубой, появились приблизительно в 3600 году до нашей эры – в бронзовом веке.Трубы существовали во многих цивилизациях: в Древнем Египте, Древней Греции, Древнем Китае и использовались как сигнальные инструменты.В Средневековье трубачи были обязательными членами войска, только они могли с помощью сигнала быстро передать приказ командующего другим частям армии, находившимся на расстоянии. Искусство игры на трубе считалось “элитным”, ему обучали только особо отобранных людей. В мирное время трубы звучали на праздничных шествиях, рыцарских турнирах. В крупных городах существовала должность “башенных” трубачей, которые извещали о прибытии высокопоставленной персоны, смене времени суток (таким образом, выполняя роль своеобразных часов) и приближении к городу вражеского войска.Труба – дитя технического прогресса, ее эволюция прямо связана с новациями в области обработки металла. Каждый виток прогресса неизменно отражался на качестве и форме изготовляемых труб. Менялась толщина листа металла, из которого делался инструмент, улучшалось качество пайки соединений, менялся и сам металл, из которого изготавливалась труба (бронза, серебро, медь). Естественно, имело место и многообразие форм инструмента, но всё равно это была просто причудливой формы трубка с раструбом, позволявшая извлекать всего лишь несколько нот одного регистра. Представьте себе рояль со всего несколькими клавишами, да и то исключительно белыми. Только после 1830 года, когда сразу несколько изобретателей почти одновременно предложили оснащать инструмент специальными клапанами, дающими возможность играть мелодии в полном диапазоне, труба обрела иное качество. Труба, наконец, “занялась” Музыкой.[b]CODA[/b][i]Нельзя говорить о трубе и не вспомнить короля джаза Луи Армстронга. Но человек такого масштаба достоин отдельной статьи. Которую я обязательно напишу в ближайшее время. А напоследок о Диззи Гиллеспи.Если Армстронг король, то Гиллеспи, безусловно, принц, ярчайшая звезда на музыкальном небосклоне.Джон Беркс Гиллеспи родился 21 октября 1917 г. Его отец – каменщик по профессии – по субботам преображался в пианиста и играл на танцах в окрестных городках, так что Джон, который впоследствии получил закрепившееся за ним прозвище “Диззи” (головокружительный), с ранних лет познакомился с музыкой и с различными музыкальными инструментами.Так практически с детства и началось его покорение музыкальных вершин. Диззи никогда не стоял на месте.Он постоянно совершенствовался и регулярно поражал музыкантов новыми, небывалыми техническими приёмами, расширяя представление о возможностях трубы и музыканта, играющего на ней. Чего стоят только его знаменитые, разработанные постоянными упражнениями раздувающиеся щёки, которые он использовал в качестве мехов, как при игре на волынке.Остроумнейший человек, блестящий шоумен, родоначальник современного импровизационного джаза, он прожил яркую жизнь (умер в 1993 году), реализовав все мечты, и оставил о себе самую добрую память, головокружительный Диззи.[/i][b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]А вас куда труба зовет?[/i]Татьяна ПОТЯЕВА, депутат Мосгордумы:[/b][i]– Для меня “труба зовет”, как, наверное, для многих москвичей, – это утренние часы, когда не хочется вставать и идти на работу, но прекрасно знаешь, что тебя ждет огромное количество неотложных дел, что ты должен быть на своем рабочем месте, чтобы решить важные задачи и ответить на многие вопросы.[/i]
Развлечения
Да здравствует Перкусство!
Посетителю ресторана, рассеянно “аккомпанирующему” оркестру вилкой по тарелке или человеку, пальцами прищёлкивающему в такт понравившейся телевизионной рекламной песенке, и в голову не придёт, что он только что стал музыкантом.[b]Наш ведущий полосы “Попурри-мастер” Капитан Макс рассказывает о редкой музыкальной профессии. Профессии ПЕРКУССИОНИСТА.[/b]Перкуссия ([i]от лат. percussio, буквально — нанесение ударов[/i]) – сформировавшаяся в 18-19 вв методика медицинской диагностики органов дыхания и пищеварения. Перкуссия производится посредством мягкого и легкого постукивания концами пальцев по груди. При постукивании по грудной клетке здорового человека она издает звук, аналогичный издаваемому барабаном, обтянутым сукном или другой грубой тканью.А в музыкальном смысле термин “перкашен” (percussion) вошёл в русский язык относительно недавно. “Перкуссионистами” стали называть музыкантов, специализирующихся в игре на различных сопутствующих основным барабанам ударных инструментах: конго, бонгах, маракасах, бубне, разных колокольчиках, треугольничках и т.д. В общем, на всём том, до чего у основного барабанщика руки не доходят. Не доходят в самом БУКВАЛЬНОМ смысле!Даже самая современная ударная установка, комплектацию которой можно заказать практически любую, ограничена в своём использовании всего четырьмя конечностями барабанщика. Это значит, что на всякой важной мелочёвке типа бубна и шейкера (разновидность маракасов) должен играть отдельный человек. Перкуссионист! [b]А где гитары?[/b]Когда в 1979 году у нас прошёл слух, что в Москву едет не Карел Гот, не Эмил Димитров, не Дин Рид, а самый настоящий западный ИДОЛ – сам сэр Элтон Джон, поверить в это было трудно. Почти невозможно. Но появились афиши, даже анонс по телевидению, и мечты стали неоспоримой явью.Чтобы купить билет у спекулянтов, мне пришлось продать ещё вполне ликвидный портативный стерео-магнитофон “Санио”, и в назначенный день я сидел в седьмом (!) ряду “России” - главного концертного зала столицы. Он был забит до отказа. Как футбольный стадион на финальном матче “Спартак” - “Динамо”.На сцене стоял роскошный рояль, а рядом с ним целый арсенал литавров, тарелок, маленьких барабанчиков и других развешанных на блестящей хромированной раме специальных штучек неизвестного мне назначения. И никаких гитарных усилителей! Никаких привычных ударных установок.Вышел великолепный Элтон. В блестящем пиджаке, загогулистой кепке, каких-то невероятных (на пол-лица) очках… Начался концерт. Элтон Джон пел и, хотя играл на рояле один, отдавал в зал целое море музыки. А литавры и всё остальное стояли и ждали кого-то… Наконец, на третьей песне появился этот “кто-то” - худощавый мужчинка в мятом сером костюмчике абсолютно бухгалтерского вида, только привычных чёрных нарукавников и не хватало. Он разложил ноты на пюпитре и как начал колбасить… И руками, и палочками, и специальными металлическими штуками по треугольникам. На Элтона я больше не смотрел. Следил за “бухгалтером”. Это был самый известный перкуссионист тогдашнего мира Рэй Купер. Вот так дуэт! Рояль с литаврами![b]Супер-Купер[/b]Раньше перкуссионисты происходили из не совсем удавшихся барабанщиков. В какой-то момент человек вдруг ощущал, что его призвание – не сидеть за ударной установкой, что тоже очень здорово и почётно, а наводить блеск на главную ритмическую основу, придавая ей законченность и изысканную утончённость. А сейчас в современных музыкальных учебных заведениях существует специальная кафедра. Кафедра перкуссии. Там студентов обучают великим премудростям игры на сопутствующих. Взять, например, бубен. Казалось бы, - лупи и тряси его в такт, вот и будет музыка. Но только в игре на этом простеньком инструменте существует более двадцати основных спецприёмов. И каждый хороший музыкант, как правило, добавляет от себя два-три собственных ноу-хау.Вот именно таков изобретательный Рэй Купер. Так что же такое хороший перкуссионист? Чем они отличаются друг от друга? Обратимся к фактам. Купер за свою почти пятидесятилетнюю карьеру многократно записывался и сотни раз играл на сцене с такими монстрами мировой музыки, как группа “The Who”, Элтон Джон, Пол Маккартни, “Rolling Stones”, Джордж Харрисон, Эрик Клэптон, учитель Битлз – легендарный ситарист Равви Шанкар и многими, многими другими музыкантами, чьи имена заставляют учащённо биться сердца меломанов. Причём, ни разу в качестве основного барабанщика. Только на перкашен! Так в чём секрет перкусства?! В чём секрет отдельных личностей, работающих в рамках этого конкретного жанра? Частично на этот вопрос отвечает группа “Машина времени”, которая не так давно записала свою новую пластинку в Лондоне на знаменитой студии “Эбби Роуд”. Говорит продюсер проекта Владимир Матецкий:- В Лондоне во время записи нам предложили свои услуги знаменитый Купер и известный бразильский перкуссионист Боско ди Аливейра. Он играл на уникальных южно-американских инструментах: кохон, кабаса, ватерфон… А Рэй Купер, - первое, что попросил, - это переводы песен и, исходя из текстов, предложил некие особенные фактуры перкуссии. Это лишний раз говорит о том, насколько серьёзен подход западных музыкантов такого уровня к своей работе. Короче они оба показали, как, по их мнению, должен звучать ударный аккомпанемент в более чем половине песен. Мы без колебания согласились. А результат, - результат превзошёл все ожидания. Песни на русском языке, обогащённые фантастическими звуками незнакомых нам доселе инструментов и ритмов зазвучали по-новому и приобрели музыкальную полновесность. Особенно широкое распространение перкуссия получила в творчестве латино-американских музыкантов. Их ритмы прямо предусматривают помимо основной - “европейской” ударной установки - использование и национальных барабанов конго, и так называемых рототомов. Все эти “примочки” настраиваются специальным образом под определённые ноты и звучат в аккорде с гитарами и другими тональными инструментами, участвуя в “организации” мелодий и мотивов песен. Яркий пример тому – ансамбль виртуозного гитариста Карлоса Сантаны. В его коллективе кроме штатного ударника аж три перкуссиониста, играющих на самых разнообразных сопутствующих инструментах. И, когда в концерте они все вместе исполняют соло, то хорошо прослушивается и основная мелодия, и разнообразные вариации. Все участники этой ритм-группы являются уважаемыми музыкантами с мировыми именами. И это правильно! [b]CODA:[/b] [i]Слово “перкусство” я придумал сам. Каждый человек за свою жизнь обязан придумать хотя бы одно слово. Иначе, откуда бы брались новые слова?! “Перкусство” - это помесь безупречного вкуса с высокой техникой. Что само по себе является искусством. Потому что вещь очень важная и обязательная к применению.Как можно определить место перкусства в музыке? А очень просто! Убрать из оперы “Кармен” звук кастаньет, убрать из творчества Карлоса Сантаны звучанье бонгов, кау-белла и маракасов, убрать партию деревянных ложек из оперы “Псковитянка”. Мелодия не исчезнет, нет! Но из неё уйдёт национальный колорит, уйдут нюансы, заложенные авторами, уйдёт волшебство, издревле заставлявшее человечество плакать и смеяться, приобщаясь к вечному таинству, которое мы называем музыкой.Да здравствует Перкусство![/i]
Развлечения
Чем скрипка отличается от других инструментов
Исследуя культурное наследие, жизнь и творчество известных музыкантов, наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс наткнулся на ряд интереснейших фактов и исторических параллелей, доказывающих, что музыка – это неотъемлемая часть нашей жизни со всеми её социальными и психологическими аспектами.В таком количестве криминальных историй, связанных, в том числе, и с кровавыми убийствами, не был замешан ни один музыкальный инструмент в мире. Ни в один музыкальный инструмент мастера так не вкладывали душу, наделяя каждое своё изделие неповторимыми чертами, позволявшими присваивать инструменту, как человеку, собственное имя. Ни один музыкальный инструмент не появляется регулярно на известных аукционах, где в связи с ним фигурируют астрономические, чаще всего семизначные, цифры. Ни один! Кроме скрипки.Так в чём же дело?! Скрипка ведь один из самых распространённых смычковых музыкальных инструментов. Так почему вокруг неё всегда разворачиваются такие драматические, а порой и мистические события?! Копнём историю! “Произошла” скрипка от старинной виолы – довольно крупного инструмента с ладами на грифе. На виоле играли сидя, зажав её между ног или положив боком на бедро. Шли годы, инструмент менялся. История связывает окончательное превращение виолы в скрипку с тремя семействами скрипичных мастеров из итальянского города Кремоны: Амати, Гварнэри и Страдивари. Именно родоначальник династии Страдивари – Антонио (1644–1736) – и почитается главным творцом современной скрипки.В развитии скрипки и внедрении её в действительною жизнь дело обстояло не очень благополучно.[b]Продался дьяволу[/b]У нового инструмента нашлось немало влиятельных противников и даже откровенных врагов. И скрипка заняла то место, которое она заслуживала по праву, только благодаря великим музыкантам, продвинувшим технику скрипичной игры далеко вперёд. И самым заметным из них был великий Никколо Паганини.Паганини родился 27 октября 1782 в Генуе. Имя этого знаменитого итальянского композитора и скрипача-виртуоза известно даже далёким от музыки людям и всегда было окружено мистическими легендами и фантастическими слухами. Никколо рос в нищете под суровой опекой отца, мечтавшего сделать из талантливого мальчика средство обогащения. Играть на скрипке Паганини начал в шесть лет, в девять выступал с концертами в других городах, а к девятнадцати годам уже стал известнейшим музыкантом. Его выступления приводили зрителей в экстаз.Присутствовавших всегда поражало его невероятное, “нечеловеческое” мастерство исполнения. Он без видимых усилий извлекал из скрипки виртуозные трели, исполнял сложнейшие вариации даже на одной струне. Никколо играл так, что слушателям казалось, будто где-то спрятана вторая скрипка, звучащая одновременно с первой. Говорили, что его искусство – музыка небес, ангельские голоса. Но находились и другие, шептавшиеся за спиной музыканта, что на его инструменте начертаны колдовские знаки и что он давно продал душу дьяволу...Возникновению таких слухов способствовала и сама демоническая внешность Паганини, описание которой оставили его великие современники – Иоганн Гёте и Оноре де Бальзак: “…мертвенно-бледное, как будто вылепленное из воска лицо, глубоко запавшие глаза, худоба, угловатые движения и – самое главное – тонкие сверхгибкие пальцы какой-то невероятной длины, как будто вдвое длиннее, чем у обычных людей…”В религиозной Европе на рубеже XVIII–XIX веков обвинение в колдовстве или поклонении дьяволу по-прежнему могли привести человека если и не на костёр инквизиции, то к отлучению от церкви и заточению в монастырь.Учитывая громадное количество завистников и недоброжелателей, распускавших самые нелепые слухи и беспрерывно писавших на Паганини доносы, можно считать настоящим чудом, что музыканту удалось избежать серьёзных гонений. Познав все грани успеха, гениальный скрипач дожил до 58 лет, оставив после себя несколько миллионов франков и десятки написанных им музыкальных произведений, часть из которых настолько сложны, что до сих пор сыграть их не может никто. Второго Паганини человечество пока не породило.[b]Человек-приспособление[/b]В конце 70-х гг. с моим армейским товарищем Сашкой случилась беда. В результате травмы сухожилия его левая рука перестала разгибаться и через несколько месяцев высохла так, что стала напоминать щупальце. Сашку было жалко, но помочь ему мы ничем не могли, и он потерялся в жизненной круговерти… “Всплыл” Сашка через несколько лет на “Варшавке” – самом главном в то время московском автосервисе. Он отлично выглядел и работал ВСТАВЛЯТЕЛЕМ ВЫПАВШЕЙ КЛЕММЫ в автомобилях всех моделей “жигулей”. Кроме постоянно изнашивающейся крестовины и стирающегося распредвала, “жигули” тех лет имели ещё одну конструктивную особенность – регулярно отваливающуюся на ходу клемму массы. Расположенная в совершенно недоступном месте, клемма для нового подключения и последующего закрепления требовала разборки чуть ли не половины двигателя, а Сашка нырял под машину и своей “специальной” левой рукой виртуозно крепил клемму, сократив трудоёмкий производственный процесс с восьми часов до трёх минут. Получив от довольных мастеров честно заработанную десятку (с клиента драли четвертак), Сашка садился с сигаретой на деревянную скамеечку в ожидании следующей машины. Как правило, докурить сигарету даже до половины он не успевал. Сашка зарабатывал дикие деньги.“Повезло!” – со вздохом комментировали друзья.[b]CODA:[/b] Секрет фантастической скрипичной техники Паганини постарался объяснить американский врач Майрон Шенфельд. В статье, которая была опубликована в “Журнале Американской медицинской ассоциации”, он доказывает, что музыкант страдал редкой генетической болезнью, так называемым синдромом Марфана. Болезнь эта была описана французским педиатром А. Марфаном в 1867 году. Она бывает вызвана наследственным пороком развития соединительных тканей и характеризуется гипертрофированной гибкостью и невероятной свободой движений суставов рук и ног. У больных синдромом Марфана характерная внешность: бледная кожа, глубоко посаженные глаза, худое тело, странная походка, “паучьи” пальцы. Что полностью совпадает с описанием облика Паганини.Это всего лишь красивая гипотеза, которую тем не менее радостно приняло современное человечество. Конечно! Вот теперь понятно, почему за последние двести лет не появился ни один скрипач, который мог бы по мастерству хотя бы приблизиться к Паганини.Просто он был в какой-то степени урод – “руки без костей” – и эти “неправильности”, мол, помогали ему осваивать совершенно невозможные для обычного человека позиции.Вроде моего Сашки или знаменитого бразильского футболиста Гарринчи, у которого от природы одна нога была здорово короче другой. И на эту “короткую” ногу при обводке Мануэль Гарринча научился так быстро припадать, что никто ничего не мог поделать.“Ему хорошо – он инвалид!” – говорили после матча обескураженные защитники проигравшей команды.Гарринча блистал в шестидесятых, а в восьмидесятых и девяностых появилось множество виртуозов мяча, ни в чём не уступавших Мануэлю. Причём все с ногами одинаковой длины. Не говоря уж о Пеле – современнике Гарринчи.Появятся, наверное, когда-нибудь и, подобные Никколо Паганини, искромётные скрипачи, не имеющие сухой руки и не больные синдромом Марфана. Надо только подождать. Уж что-что, а это мы умеем![b]P.S. [/b]А скрипка кардинально отличается от других инструментов тем, что красота её звучания, в силу некоторых конструктивных особенностей, ПОЛНОСТЬЮ зависит от качества материалов и тщательности изготовления. Отсюда и секреты обработки дерева, тайны приготовления лаков, расчёты пропорций, сугубо индивидуальный подход, не применяющийся для изготовления других инструментов. Отсюда и баснословная стоимость некоторых скрипок, отсюда и их притягательность для преступников.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Чем скрипка отличается от других инструментов?[/i]Валерий ШАПОШНИКОВ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– О, это очень серьезный инструмент, на котором не каждому дано сыграть. И который не каждому дано услышать.[/i]
Развлечения
Переходнички, рубильнички и... пневмодрель
Продолжая разработку темы необычных музыкальных инструментов, наш ведущий полосы “Попурри-мастер” Капитан Макс раскопал в истории и собственной памяти множество интересных фактов, характеризующих человечество как общность людей талантливых и склонных к гениальным музыкальным озарениям.[b]“Вечера” за верстаком[/b]Дрель была не электрическая, а пневматическая. И естественно, отечественного производства. Не знаю уж, намного ли дешевле было оснастить каждое рабочее место не электрическими, а именно пневматическими устройствами – ведь сжатый воздух тоже “на земле не валяется”. Его необходимо сначала куда-то закачать, потом сжать, потом подвести куда надо…Оставим пока экономическую составляющую на совести отечественной промышленности, но… Если схватить пневмодрель крепкой рабочей дланью (а таковая у меня была в юные годы), то вырывающиеся из-под ладони из всех маленьких щёлочек-дырочек и нестыковочек собранного на скорую руку корпуса струйки сжатого донельзя воздуха начинали издавать хорошо слышимый свист.Сжимаешь ладонь на ручке дрели сильнее, звук становится выше, немного отпускаешь – ниже. Одним словом, через некоторое время я научился “играть” на дрели “Подмосковные вечера”. Причём со стороны эти сжимания-разжимания видны абсолютно не были. Смотреть-слушать приходили из других цехов. Хотел было купить чёрный фрак и выйти с дрелью на мировую эстраду, но толковые люди в Госконцерте быстро объяснили, что таскать с собою на гастроли компрессор величиной со спальный вагон будет нерентабельно.Но именно тогда я понял, что играть можно на ЧЁМ УГОДНО![b]Если бы ангел не покосился…[/b]Существует множество версий возникновения этого жеста – щелчка по горлу. Но правда такова: как известно, шпиль петербургской Петропавловской крепости увенчан фигурой ангела. До 1829 года он был неподвижным. Однажды, после сильного шторма, ангел покосился. Было принято решение сделать фигуру ангела вращающейся. Наподобие флюгера. Стали искать, кто бы смог осуществить это дело подешевле и без возведения громоздких лесов. Вызвался некий Пётр Телушкин. С помощью одной только верёвки ему удалось добраться до фигуры и всё наладить. За этот подвиг он получил право на бесплатную чарку водки во всех кабаках Петербурга.Чтобы утолить жажду, мастеру достаточно было щёлкнуть по клейму, которое, по преданию, ему поставили на правой стороне горла… Нас не интересует происхождение жеста, нас интересует звук, который получается, если молодецки, со всей силы, щёлкнуть себя по напряжённому сухому горлу. Я так и вижу орла Телушкина, который, приоткрывая рот чуть больше или меньше, исполняет на горле популярную плясовую мелодию. Откуда я знаю? Просто такой продвинутый и талантливый малый, как Пётр, не мог не обратить внимания на то, что высота звука, который издаёт “клеймо” при щелчке, каждый раз разная! И зависит от артикуляции. И Телушкин обязан был научиться этим пользоваться в музыкальном смысле. Научился же я “управлять” дрелью, хотя звёзд с неба не хватал и ангелов при помощи одной только верёвки не налаживал. А ему сам бог велел. Так, я думаю, родилось искусство игры на горле и впоследствии на зубах. Не говоря уже о свисте.[b]Гороховая симфония[/b]Однажды в Дании я присутствовал на конкурсе художественного свиста. В конце чествования победителей и вручения им внушительных призов, в том числе и денежных, все участники (около 40 человек) вышли на сцену и засвистали сложнейшую композицию. Специально написанную к этому случаю. Дирижировал автор. Такая мощь! К сожалению, в нашей глубоко погружённой в суеверные предрассудки стране именно свист не очень приживается. Разве только у футбольных судей и гаишников. А жаль – жанр потрясающий.В быту народ играет на пилах, ложках, бутылках, стаканах, расчёсках, стиральных досках, металлических бочках. А также на штучке, которую северные и среднеазиатские люди вставляют в зубы и делают “тынь-дынь”. А уж возможности человеческого тела просто бесконечны. Тут и пресловутые щелчки по горлу, кадыку, темени и надутым щекам. Тут и игра на зубах, и музыкальное создание вакуума между ладонями с последующим впусканием туда воздуха. Точно по принципу той моей дрели. Существуют даже мастера, воспроизводящие мелодию местом, уж совсем для этого не предназначенным.Для чего, собираясь на специальных конкурсах, поглощают перед выступлением громадные количества горохового супа.Правда, это не у нас, а на беспринципном Западе. Я лично не присутствовал, но читал и фотографии смотрел. Почему бы и нет, раз организм позволяет?! Как мы видим, человек научился извлекать музыку практически из всех частей тела: из головы, рук, даже ног… Мастера степа (чечётки) ухитряются выколачивать из пола не только сложнейший ритмический рисунок, но часто и мелодию. И дело тут не в специальных ботинках с металлическими набойками. Африканские чечёточники танцуют чуть ли не босиком, а мелодия всё равно присутствует – просто разные места стопы звучат по-разному. И, конечно, нельзя не вспомнить об уникальном музыкальном инструменте, при игре на котором практически звучит всё тело.[b]“Голос” из 20-го года[/b]Инструмент этот называется терменвокс. Его изобрёл русский инженер Лев Термен в 1920 году. Вы, наверное, обращали внимание, что если прикоснуться какой-либо частью тела к антенне телевизора или приёмника, то в динамике возникает некий звуковой фон. Это звучит ваше тело, меняющее своим электрическим потенциалом индуктивность прибора.Именно по этому принципу и работает терменвокс. “Голос Термена” – единственный в мире музыкальный инструмент, на котором можно играть, его не касаясь.Звук возникает не от касания, а только от движений рук исполнителя в пространстве перед двумя специальными антеннами.Изменение высоты звука достигается путем приближения руки к правой антенне, в то время как громкость звука управляется за счет приближения другой руки к антенне левой. При этом со стороны кажется, что звук возникает из ниоткуда.Научиться играть на “воксе” очень непросто, люди тратят долгие годы, но все труды искупаются совершенно фантастическим неземным звуком, сравниться с которым по прозрачности и чистоте может разве только хрустальный фужер.Говорит Игорь Скляров – руководитель единственного в своём роде трио из Новосибирска – ансамбля стеклянных инструментов “Хрустальная гармония”: – Однажды, проведя пальцем по гладкой стеклянной кромке хрустального бокала, я вдруг услышал необычный – нежный и поющий – звук. Я тронул следующий бокал: звук повторился, но уже другого тона. Если подобрать бокалы и отстроить их так, чтобы все вместе они составили своего рода хрустальную клавиатуру, то сыграть на ней можно что угодно – и каждая мелодия, современная или классическая, приобретёт особое, “хрустальное”, звучание.[b]CODA[/b]В исполнении “Гармонии” я слушал произведения Грига, Сен-Санса, Шуберта, Моцарта, Вивальди, Чайковского – поверьте, это настоящее волшебство. И что поразительно, на поверку оказалось – эти оригинальные музинструменты так же, как и щелчок по горлу, имеют отношение к культуре пития. Я не вижу тут какой-то многозначительной связи, но гордость за Россию охватывает.В новогодние праздники сатирик Михаил Задорнов неоднократно выступал с телеэкрана с фельетонами, воспевающими русскую смекалку и наш особый склад характера. А и правда! Это ведь мы от безысходности придумали играть на зубах и темени “чижика-пыжика”, а Чайковского – на бокалах для шампанского. А что могут противопоставить нам зажравшиеся ОНИ?! Разве только невразумительное воспроизведение псевдомузыки при помощи последствий неумеренного потребления горохового супа?!Виват, Россия![b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Как вы относитесь к оригинальным музыкальным инструментам?[/i]Валерий ШАПОШНИКОВ, депутат Мосгордумы:[/b][i]– Я знаю много необычных инструментов, среди которых есть и пила. Все они вызывают у меня живой интерес. Я, кстати, в свое время играл на басовой домре и на балалайке. На последней я успел выучить песню “Эй, ухнем!”, и на этом, увы, мое музыкальное образование закончилось.[/i]
Развлечения
Феномен дуэта
Разрабатывая очередную увлекательную тему, наш постоянный ведущий музыкальной страницы Капитан Макс неожиданно вторгся на чужую территорию. Чтобы как можно лучше разобраться в проблеме, Максу пришлось примерить на себя “мантию” историка, психолога и даже социолога. По мнению редакции, он справился.[b]Кот и мышка[/b]15 апреля 1955 года. В муниципальной школе небольшого зелёного городка на западе штата Нью-Джерси проходит ежегодный музыкальный конкурс. На сцене появляется стройный курчавый мальчик и чистым, почти ангельским голосом под аккомпанемент пианино и маракасов уверенно поёт балладу в стиле кантри.Его зовут Артуром, он признанный школьный певец, кумир местных девчонок от 10 до 15 лет.– Давай попробуем петь вместе! – после выступления к Артуру подошёл невысокий застенчивый паренёк. – Меня зовут Пол! Я немного играю на гитаре.Так родился самый гениальный, самый успешный, самый титулованный и плодовитый дуэт в истории рок-музыки.Позже Пол рассказывал: “Тогда я не пел вообще. Просто мне показалось, что Арт делает это так легко, что и у меня не будет проблем…” Недолго думая, новые друзья назвали свой дуэт именами диснеевских персонажей – “Том и Джерри”. В качестве мультяшных кота и мышки Пол и Арт записали всего одну песню “Hey, schoolgirl ” (“Эй, школьница!”). Песенка неожиданно стала популярной, её стали “крутить” многие радиостанции. Оказалось, что у ребят неплохо получается сочинять и мелодии, и слова. Но самое главное, что отметили средства массовой информации, – у Арта и Пола идеально сливались голоса. “Такое тембральное и эмоциональное слияние можно получить только с помощью “даблтрека” (двойное наложение одного и того же голоса)” – писал тогда авторитетный музыкальный журнал New Musical Express.На гребне первого успеха юные певцы переименовались. С того момента и навсегда они стали называться просто и солидно – “Simon & Garfunkel” (“Саймон и Гарфункель”). И началось их триумфальное шествие по временам и творческим пространствам.Взойдя на музыкальный Олимп, Саймон и Гарфункель так с него и не спускались. Они ссорились, ругались, расходились и снова сходились. Они и теперь здравствуют, подарив миру сотни незабываемых произведений и поставив перед нами очень сложный вопрос – в чём секрет совместного творчества?[b]Что я, рыжий?[/b]Классическая форма дуэта замешана на антагонизме. Издревле народ веселили два клоуна – Рыжий (комик и хулиган) и Белый (резонёр и философ). Типичный пример – Бим и Бом. В их противостоянии находили своё место любые злободневные шутки, отражение любых жизненных коллизий. Кстати сказать, в “Золотом ключике” персонажи Буратино и Пьеро являются как раз такими “антагонистами”.Неслучайно самые лучшие сатирические дуэты организованы именно по этому принципу. Тарапунька и Штепсель (Тимошенко и Березин), Виктор Ильченко и Роман Карцев; прославившиеся в семидесятых–восьмидесятых сатирические “старушки” Владимиров и Тонков – все они яркий тому пример. Участникам нечего делить, “в двухместном купе” каждый занимает своё место. Отсюда и творческое долголетие, и искренняя человеческая дружба, и партнёрство в лучшем смысле этого слова. Всем вышеперечисленным артистам не было смысла что-то изобретать.Необходимость представлять почтеннейшей публике противоположные точки зрения определяла сценическую форму – форму сатирического дуэта, перебрасывающегося ироническими репликами, как волейбольным мячом. Здесь всё более-менее ясно! Гораздо сложнее понять, по какому принципу объединяются дуэты музыкальные. Вокальные, например.[b]Копать надо глубже![/b]Качество таких дуэтов определяется другими категориями – насколько глубоко происходит взаимопроникновение творческих личностей? Как они дополняют и поддерживают друг друга? Не полагаясь целиком на своё мнение, я воспользовался подвернувшейся оказией (присутствием на съёмках телепередачи) и задал этот непростой вопрос двум мудрым и опытным людям – телерадиоведущему и писателю Владимиру Соловьёву и певцу и композитору Александру Градскому. Их ответ немного удивил. И тот, и другой считают, что в основе объединения двух людей в созидающий коллектив лежит совсем не творческое начало. По мнению Соловьёва, причина возникновения дуэтов – неосознанная влюблённость. Градский же считает, что персонажи тянутся друг к другу, мечтая за счёт партнёра поднять свой профессиональный уровень. Может быть, Соловьёв слишком “глубоко копает”, но его точка зрения, безусловно, интересна. Тем более что она легко объясняет существование альянсов, далеко выходящих за рамки классического определения дуэтов. Следуя этой логике, я пришёл к выводу, что настоящими и полноценными дуэтами, по сути, являются также, например: Брокгауз и Эфрон, Ильф и Петров, Маркс и Энгельс, Татьяна Толстая и Дуня Смирнова, а из книжных героев – Шерлок Холмс и доктор Ватсон, Дон Кихот и Санчо Панса, Дед Мороз и Снегурочка… Я уж не говорю о парах в фигурном катании.И даже клоуна Карандаша с его неизменной верной собачкой Кляксой можно в какой-то степени рассматривать в качестве дуэта.По другому принципу устроены дуэты супружеские. Тут людей связывает не умозрительная (соловьёвская) неосознанная влюблённость, а самая настоящая любовь. Причём вполне осознанная.Творческое содружество, замешанное на серьёзных любовных отношениях, даёт потрясающие результаты. Здесь нет места соперничеству, есть только мощная отдача, видимая зрителями невооружённым глазом. Это высшая форма альянса. Жаль только, недолговечная. Но даже в случае развала парад здоровых амбиций бывших супругов иногда поднимает участников на такую высоту, какой они бы никогда не достигли, оставаясь и выступая парой.Взять, например, “Кабаре-дуэт “Академию” или знаменитый альянс “Дельфина” и “Русалки”, или суперпопулярный, но быстро распавшийся дуэт начала 70-х “Сони и Шер”! Развалившись, эти коллективы вместо трёх средних творческих единиц дали миру шесть выдающихся![b]CODA[/b][i]Тарапунька и Штепсель, “Чай вдвоём” (Денис Клявер и Влад Костюшкин), Сони и Шер, Саймон и Гарфункель, Маркс и Энгельс, Орест и Пилад, Герцен и Огарёв, Алла Иошпе и Стахан Рахимов, дуэт “Новые русские бабки” (Сергей Чванов – “Матрёна''''BB и Игорь Косилов – “Цветочек”), Рудаков и Нечаев, Бутч Кэссиди и Санданс Кид, Борис Владимиров и Вадим Тонков, Альбано Карризи и Ромина Пауэр, Кит Ричард и Мик Джаггер, “Смеш” (Влад Топалов и Сергей Лазарев), Бонни и Клайд, “БиС” (Влад Соколовский и Дмитрий Бикбаев), Борис Берман и Ильдар Жандарёв, “Братья Грим”, кабаре-дуэт “Академия”, Дольче и Габбано, дуэт “Непара”, Настя Каменских и Потап, Ильф и Петров, Чук и Гек, Ильченко и Карцев, Винокур и Лещенко, Михаил Шац и Татьяна Лазарева, Джон Леннон и Пол Маккартни, Юрий Никулин и Михаил Шуйдин, “городковые” Олейников и Стоянов, “Модерн Токинг” (Дитер и Болен), Александра Пахмутова и Николай Добронравов, братья Кристовские (“Ума2рман”), Шерлок Холмс и доктор Ватсон, Игорь Николаев и Наташа Королёва, Татьяна Толстая и Дуня Смирнова, Брокгауз и Эфрон, Леонид Агутин и Анжелика Варум, Эндрю Ллойд Вебер и Тим Райс (написали “Джизус Крайст СьюперСтар”) и, и… и много-много других, на которых моя память и кругозор не распространяются.Так вот, всех этих замечательных людей связывало и связывает не только здоровое желание зарабатывать деньги. Есть что-то другое, какой-то иной заставлявший их объединяться мощный стимул, который мы сегодня без особенного успеха попытались найти и исследовать. Может быть, прав Владимир Соловьёв и все ответы следует искать в работах Зигмунда Фрейда? Может быть![/i][b]Справка “ВМ”[i]ДУЭТ [/b]– любой артистический коллектив из двух человек: дуэт певцов, музыкантов, танцоров. В переносном смысле – любой коллектив из двух человек, имеющих общую деятельность. Например, дуэт футбольных нападающих[/i].
Развлечения
Человеческий голос – самый совершенный музыкальный инструмент
[b]Страшная сила[/b]На страницах “Попурри-мастер” мы неоднократно рассказывали об истории самых разных музыкальных инструментов. Пытались определить роль каждого, разобраться, какой из них человечество изобрело первым. На звание старейшего претендовали и барабан, и пастуший рожок, но по мере изысканий стало ясно – самым главным, самым первым и, кстати, самым совершенным музыкальным инструментом, чья история начинается ещё во времена питекантропов и кроманьонцев, является Голос. Ровесник человечества, этот инструмент дарится щедрой природой каждому ребёнку, а как распорядиться таким даром впоследствии, люди решают сами.Удачное строение горла, голосовых связок, ещё нескольких важнейших элементов и деталей “певческого аппарата” необыкновенно важны для формирования сильного звука, приятного тембра и большого диапазона певца.Вот как описывает “аппарат” Фёдора Ивановича Шаляпина писатель Ираклий Андроников: “Я посмотрел в горло Шаляпину и увидел там... Глотка, она казалась шире шеи Шаляпина. Нёбо – оно высоко поднималось сводом под самые глаза Шаляпина. Язык – он трепетал и покорно располагался возле самых корней зубов. В горле не было ни одной лишней детали, и все оно рассматривалось как чудесное архитектурное сооружение”.По своему страстному накалу, по силе эмоционального воздействия на слушателей с голосом не может сравниться ни один инструмент. Вот почему поклонников и фанатов у вокалистов всегда на несколько порядков больше, чем у самых лучших инструменталистов. На концертах известных певцов зрители впадают в экстатическое состояние и в буквальном смысле сходят с ума. Причём было это всегда, независимо от времени и жанра. На выступлениях Шаляпина и Карузо поклонники точно так же теряли сознание, как и на концертах “Битлз” или Майкла Джексона. А машину Муслима Магомаева в своё время поклонницы зацеловывали так, что живого места не оставалось – одна сплошная губная помада. И это при полном отсутствии современных моющих средств. Вот водителю-то радость! Питерцы очень старшего поколения рассказывали, что красивого оперного тенора Сергея Лемешева в каждый его приезд в колыбель революции после спектакля у служебного входа всегда ждали сотни две поклонниц. Просто ради того, чтобы посмотреть, как он бегом прыгает в машину. Потом расходились, оставив на площади огромную лужу глубиной в два сантиметра. От проникновенного понимания искусства не выдерживал мочевой пузырь.Одним словом, голос – это страшная сила! И частенько использовался в истории не только для пения.[b]Криком единым[/b]Иерихон считался мощной крепостью, не имевшей аналогов не только в древнем Ханаане, но и в последующих веках.Заложенный около восьми тысяч лет до нашей эры, Иерихон был единственным оазисом среди окружавших его песчаных пустынь. Образец фортификационной науки того времени, город имел два кольца стен, наружные из которых были толщиной в полтора метра, а внутренние – доходили до 3,5 метров. Расстояние между стенами достигало 4 метров.Около ХIII века до нашей эры к Иерихону подошла армия израильтян. Взять крепость приступом не представлялось возможным, тогда войско по определённому сигналу одновременно заорало таким “громким и сильным голосом, что обрушились все стены города до своего основания, и весь народ пошел в город, каждый со своей стороны, и взяли город”.Это вроде бы легенда, но английские археологи, раскопавшие древние стены Иерихона в 1868 году, обнаружили, что все эти грандиозные сооружения на самом деле упали ОДНОМОМЕНТНО, причем обвал больших частей внешних стен произошёл наружу, а внутренних – вовнутрь.[b]Глас без прикрас[/b]Известно, что Григорий Распутин был приближён к царской семье и являлся личным духовником императрицы. Однажды, чтобы сделать ему приятное, на одну из церковных служб в Царском Селе Александра Фёдоровна пригласила известного петербургского дьякона Порфирия.Порфирий был огромного роста и славился своим мощным басом, от которого у прихожан сердце заходилось.– В мощном теле громкосильный глас! – сказал после службы Павел Алентов – профессор-физик, действительный член Российской Академии наук, присутствовавший на церемонии.Матушка-императрица прослезилась. Распутину не понравилось, что кто-то завладевает вниманием императрицы. Через две недели он привёл на службу своего ставленника – дьякона Митрия, маленького невзрачного мужичка в поношенной рясе. Распутин выписал его со своей родины – из-под Тюмени. Митрий вышел на клирос, расставил ноги и руки и запел молитву. В большой часовне, где собралась вся царская семья и около двух десятков приближённых, вылетели все стёкла...[b]Киай-дзюцу[/b]Голос как таковой издревле используется и в качестве оружия бесконтактного рукопашного боя. В истории зафиксировано множество примеров, когда во время сражения громкий крик воздействовал на противника самым пагубным образом. Так родились боевые кличи – “ура!”, например. В системе японских единоборств существует киай-дзюцу – искусство крика. Киай-дзюцу относится к методам, способным быстро и эффективно если не убить, то надежно вывести из строя человека. От такого специального крика даже боец, обладающий отличной физической формой, просто теряет сознание.Японцы – изобретатели киай-дзюцу – ещё в древние века подметили способность звука определенной частоты и долготы воздействовать на человеческий организм и выработали приемы специальных тренировок. У нас же просто кричат и поют. Зафиксировано немало случаев, когда русские люди, в том числе и женщины, встречали в лесу диких зверей, и от неожиданного крика даже медведи падали замертво.[b]Удивительное[/b]Опираясь на все вышеприведённые факты, мы в который раз убеждаемся, что природа дала человеку неограниченные возможности, которые не могут сравниться ни с одним техническим устройством. Вот, например, Эллен Бич Йо в Карнеги-Холле, в Нью-Йорке начала свою арию 19 января 1896 года с ноты “ми” 4-й октавы. Ещё бы каких-нибудь пять мегагерц “вверх”, и её голос альт-альтиссимо перестал бы быть слышимым залом. А самой низкой нотой в истории вокала явилась нота “ля” контроктавы (55 герц /колебаний в секунду), взятая известным “октавистом” (обладателем баса профундо) своего времени Каспером Фостером (1617–1673).Для сравнения нужно сказать, что после двадцати герц “вниз” начинается уже инфразвук, вызывающий у слушателей беспокойство, граничащее с умопомешательством. От звука в 7 герц (семь колебаний в секунду)можно умереть. К счастью, семигерцовые октависты-люди на планете Земля не водятся. Есть, конечно, технические устройства – генераторы, способные воспроизводить и ультразвук, и инфразвук. Есть и музыкальные синтезаторы, варьирующие звуки в широком нотном диапазоне, но… Петь генераторы-синтезаторы не умеют. А Има Сумак умеет![b]Сама себе синтезатор[/b]Её настоящее имя Зоиля Аугуста Императрис Кавалли Дель Кастильо, родилась в 1927 году высоко в перуанских Андах и уже с детства собирала толпы народа своим пением.“Учителей у меня не было. Единственный мой учитель – это Има Сумак, – говорит она о себе в третьем лице. – Я сама поставила себе голос, когда еще была маленькой девочкой”.Вокальные возможности Имы поистине безграничны. Диапазон её голоса – пять октав! То есть она способна взять крайнюю ноту слева и крайнюю ноту справа на клавиатуре стандартного клавишного инструмента. Совершенно невозможно себе представить, чтобы голос человека (точнее, женщины) мог подниматься с таких низин до таких высот. И всё без фальцета, между прочим. Чистым и очень сильным голосом. От которого неоднократно лопались бокалы, а однажды даже струны на гитаре её мужа, когда он ей аккомпанировал и неосторожно подошёл слишком близко.С такими возможностями Има могла бы стать величайшей оперной певицей всех времён и народов. Но подобная карьера её не привлекала. “Оперных певиц много, а Има Сумак такая одна!” – с удовольствием любит повторять эта парадоксальная женщина. В излишней скромности её не упрекнёшь, но она права: какая, например, из оперных певиц могла бы похвастаться репертуаром, составленным из нежных рулад редких тропических птиц? А её знаменитая дуофония – способность производить два звука одновременно в определённом интервале? То есть одной демонстрировать пение дуэтом! Има умерла десять дней назад, в ноябре этого года в возрасте 86 лет, до последнего времени продолжая выступать с концертами. Умерла, но я пишу о ней в настоящем времени.Писать в прошедшем рука не поднимается.Капитан Макс[b]CODA[/b]: Статистика показывает, что лучшие профессиональные певцы и певицы (разумеется, оперные) в среднем живут намного дольше не только музыкантов, но и любых других людей вообще. Странно? Нет, закономерно. Древняя восточная медицина, в частности йога, утверждает, что самая основная функция организма, от которой зависит вся жизнедеятельность, – это дыхание. Йоги в своих занятиях и тренировках больше половины времени уделяют дыхательной гимнастике. А первое, чему певцов начинают учить в специальных учебных заведениях, – “брать” правильное дыхание. Для того чтобы иметь возможность петь максимально длительные ноты, необходимо сделать ОЧЕНЬ глубокий вдох, запасти побольше воздуха. Профессионалы легко могут держать ноту около минуты. Я попробовал тихонечко – через 15 секунд глаза чуть не вылезли. Тут всё дело в объёме лёгких. Оперные певцы специальными упражнениями значительно увеличивают объём своих лёгких, данных им при рождении. Вы обращали внимание на оперных певиц, которых журналисты почему-то обзывают “дивами”? Обычно они все дородные и очень грудастые.Это не бюст у них большой – грудная клетка разработана! Короче, нет на Земле людей, дышащих более ПРАВИЛЬНО, чем вокалисты! Отсюда и долгожитие. Давайте все петь! Продолжая исследовать тему основных музыкальных инструментов и биографии людей, на них играющих, наш постоянный ведущий музыкальной страницы Капитан Макс вдруг обнаружил, что упустил из виду самый простой и в то же время самый сложный инструмент.Сейчас Макс этот пробел восполняет.[b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[i]Чей голос больше всего вам импонирует?[/i]Андрей КОВАЛЕВ, депутат Мосгордумы:[/b]– Мне нравится голос Кипелова. Наверное, потому что я никогда не смогу спеть как он, ведь у меня баритон, а у него тенор. А когда чего-то у тебя нет, это сильно нравится у других.
Общество
Балалайка. История создания
Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс, услышав игру одного из лучших балалаечников мира Алексея Архиповского, задался целью исследовать историю этого замечательного инструмента.И обнаружил совершенно неожиданные факты…Довольно давно, во времена недоразвитого социализма, в составе одной известной музыкальной группы мне случилось приехать в американский город Хьюстон. Действующие советские тогда в штате Техас попадались редко, поэтому принимающая сторона проявила к нам неподдельный интерес – поила-кормила, выгуливала в памятных американских местах, а однажды организовала посещение частного дома настоящего техасского миллионера. Он вышел к нам в пушистых тапочках, сделанных в виде микки-маусов и подарил каждому по пластинке, где он собственной персоной играл на двуручной пиле в сопровождении Нью-Йоркского симфонического оркестра. То есть тоже музыкант! Потом этот Роджер водил нас по дому, где в одной из комнат было обустроено нечто вроде музея, содержавшего всякие разные сувениры и раритеты, вывезенные хозяином из тех двух стран, где ему удалось побывать за его короткую пятидесятипятилетнюю жизнь. А предметом особой гордости являлась экспозиция редчайших артефактов, приобретённых им в Питере – тогдашнем Ленинграде: солдатская шапкаушанка, матрёшка и красивый треугольный кусок дерева, расписанный петухами в псевдогжельской манере. Мы, конечно, восхитились – вещи-то действительно чудесные. Уж он рад был! А я снял расписной сувенир со стены, настроил в меру способностей и криво грянул на нём единственное музыкальное произведение, которое умел играть. То, что в армии навсегда вбил мне в башку тем же «куском дерева» наш старшина музвзвода прапорщик Глазепа, – «Ах вы, сени, мои сени». Мои друзья пришли в ужас, а Роджер в экстаз. Мол, кто бы на его американском месте мог подумать, что на ЭТОМ можно играть?! [b]При чём тут дети?! [/b]Много лет я веселил своих знакомых этой казусной историей. Все мы дружно насмехались над недалёкими иностранцами, не разбирающимися в наших традициях и исконных культурных ценностях, потому что уж более русского народного инструмента, чем балалайка, и придумать трудно.Своими корнями её история должна уходить куда-то туда – во времена Вещего Олега и Ярослава Мудрого. Но, сев писать статью, я вдруг обнаружил, что на Руси балалайка известна всего-то около трёхсот лет и взялась она практически ниоткуда. И не с территорий, где вещал Олег и мудрил Ярослав, а вовсе даже наоборот – возможно, с земель, где бесчинствовал какой-нибудь Тугарин Змиевич.Это, конечно, всего лишь версия, но во многих авторитетных источниках балалайке приписывается татарское происхождение. Я взял старинную энциклопедию конца XIX века, которую выменял в 98-м на кожаные брюки. К ней я всегда прибегаю как к последней инстанции, ведь в информационном плане до революции врали значительно меньше. И вычитал: «татарское слово «балалар» в переводе на русский язык означает «дети». А если к нему приставить типично русское окончание «ка», то получаемое слово «балаларка» уже настолько приближается к названию «балалайка», что происхождение последнего вряд ли может вызвать какие-либо сомнения». При чём тут дети?! Да ещё татарские! Что ж, им (составителям энциклопедии) виднее. Но если действительно «балаларку» нам подарила Золотая Орда, то это могло случиться только во время татаро-монгольского ига (1243–1480), и понять, почему вплоть до XVII века балалайка нигде не упоминается, трудно.Ведь впервые слово «балалайка» попадается только в 1688 году в тогдашнем «милицейском» протоколе: «Июня в 13 день в Стрелецкий приказ приведены посадский человек Савка Федоров сын Селезнев, да Шенкурского уезду дворцовой Важеской волости крестьянин Ивашко Дмитриев, для того, что они ехали на извозничьей лошади в телеге в Яуские ворота, пели песни и в тоё балалайку играли и караульных стрельцов у Яуских ворот бранили…» Эх, какие славные ребята эти Савка с Ивашкой! Я так и вижу, как они в телеге под балалайку караульных стрельцов кошмарят. Ничего не изменилось на Руси с XVII века! [b]Бесовские игры на бруньках [/b]Есть и другая версия происхождения балалайки – от домры. Сама домра в народе как-то не особо прижилась.Тем более что вместе с другими струнными инструментами рьяно преследовалась церковниками и светскими властями, как «сосуд Диавола» и предмет «бесовских игр».Сохранился ряд предписаний церкви, направленных против народных музыкантов, играющих на струнных, в которых эти музыканты по своей «вредности» приравнивались к разбойникам и волхвам. Надо же! Отношение почти такое же, как в наше время к полуподпольным группам 70–80-х.И известен случай, когда в 1649 году «все «гудебные сосуды» были отобраны по домам в Москве, нагружены на пяти возах, свезены за Москву-реку и там сожжены». Продвинутый в смысле печения о чистоте веры и государственной безопасности царь Алексей Михайлович предписывал своим приказчикам: «А где объявятся домры и сурны, и гудки, и гусли, и хари, и всякие гудебные бесовские сосуды, вам б то всё велеть выимать и, изломав те бесовские игры, велеть сжечь». Не знаю уж, что такое «хари», но всё равно неприятно! Но народ очень хотел иметь свой инструмент, а потому начал пытаться делать его сам, почти подпольно. И с самого начала самодеятельные мастера отошли от свойственной домре округлой формы корпуса. И сделали они это не в акустических целях, а потому, что балалайки делались домашними средствами и наскоро. Вот для упрощения работы и стали сколачивать из простых дощечек корпус не полукруглый, а обрезанный снизу, а потом и вовсе треугольный. Далее на балалайку был перенесен и старинный русский приём игры, издавна практиковавшийся на древних гуслях, – бряцание по струнам кистью руки, а не медиатором-плектром, как на домре.Отсюда, по мнению известного русского музыкального историка Н. И. Привалова, и родилось название: «...под неумелыми руками инструмент не ладился, вместо звука получалось какое-то бренчание, и инструмент стал называться вследствие этого брунькой, балабайкой, балалайкой». Так из пришлой домры получилась русская балалайка. Вот такая вполне патриотичная версия.[b]P.S.[/b] Я тут изложил несколько версий возникновения и становления балалайки. Но всё равно, по большому счёту, точно мы ничего не знаем. Не ожидал, что у этого инструмента такая запутанная историческая судьба. Ну и бог с ним! Важно, что балалайка есть, радует слушателей и переживает сейчас второе, а может быть, и третье рождение.[b]CODA:[/b] Я ведь не забыл, что мне подала идею исследовать историю балалайки виртуозная игра Алексея Архиповского. Вот его досье: Родился 15 мая 1967 года в г. Туапсе Краснодарского края. Страсть к музыке передалась от отца, который с детства играл на гармошке и аккордеоне. В 9 лет поступил в музыкальную школу по классу балалайки, а затем в ГМУ им. Гнесиных. По окончании училища, с 1989 года, был солистом в Смоленском русском народном оркестре. Именно там начались первые эксперименты в области новых выразительных возможностей балалайки-соло. Затем работал во многих знаменитых коллективах и участвовал в качестве солиста в фестивалях российской культуры, проходивших в США, Китае, Южной Корее, Германии, Франции, Испании, Болгарии. Лауреат многочисленных отечественных и международных конкурсов. Невысокий худощавый молодой человек.Одет не в косоворотку с кистями, а более прагматично: белый «верх», чёрный «низ». Балалайка звучит то как гитара, то как арфа, то как клавесин. Чудо! Играет композиции собственного сочинения с разумными вкраплениями известных оперных, эстрадных и даже роковых фрагментов. Скорость и техника местами такая, что пальцев не видно.– Позволяют ли три струны выразить всё, что хочется? Ответ Алексея: Есть гипотеза, что изначально струн на балалайке было всего две, потом добавили ещё одну. А вообще существуют и четырехструнные, и восьмиструнные инструменты. Но классический трёхструнный вариант позволяет сыграть всё, что хочешь, – от частушек до «Полёта шмеля».– У вас какая-нибудь особая балалайка? Ответ: Нет, ничего особенного, правда, довольно старая – 1928 год. И со звукоснимателем. А на академических концертах я играю на действительно редком инструменте – балалайке 1902 года. Работы знаменитейшего мастера Налимова. Это такой балалаечный Страдивари. [b]ЧИТАЕМ ВМЕСТЕ[/b]Какой ваш любимый музыкальный инструмент? Александр МИЛЯВСКИЙ, депутат Мосгордумы: – Мой любимый музыкальный инструмент – гитара. Ее звуки меня завораживают. К сожалению, сам я не научился на ней играть.Хотя, признаться честно, очень хотелось. А сейчас уже, по-моему, поздно.
Развлечения
В Москве прошел фестиваль «Мамакабо»
Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс побывал в концертном зале «Мир» на знаковом мероприятии – международном мультиформатном арт-фестивале, где отвергают стереотипы, где музыку не делят на стили и жанры, а прежде всего предпочитают качество и стараются сделать зрителей чуточку счастливее. [b]Лучше слушать! [/b]Множество раз я убеждался, что старые пословицы в наше время теряют своё значение, а порою начинают приобретать диаметрально противоположный смысл. Например, «Тише едешь – дальше будешь!» в обстановке всё уплотняющихся московских пробок начинает звучать просто-таки издевательски. Или «Лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать!» Опять неверно! Я вот неоднократно ВИДЕЛ фотографии с прошлого арт-фестиваля «Мамакабо» и портрет австралийского гитариста Томми Эммануэля – никаких особых эмоций это не вызывало. Симпатичные все, но не более. Но когда на днях своими ушами УСЛЫШАЛ ребят в Москве, такой сильный положительный заряд получил! Этот фестиваль с непривычно звучащим названием «Мамакабо» стартовал пять лет назад как вечер памяти весёлого и светлого человека, музыканта Андрея Баранова, погибшего в августе 2003 года в автокатастрофе. Кстати, слово «Мамакабо» было выбрано не случайно, так называлась первая и, к сожалению, единственная пластинка Андрея. И вот его друзья собрались на концерт его памяти, который объединил музыкантов, работающих в самых разных стилях: от джаза до авторской песни, от фолка до рок-нролла. И произошла удивительная вещь – людям, порою даже не знакомым до сих пор друг с другом, так понравилось быть вместе, что не продолжить возникший спонтанно проект, как в зеркале отражающий все последние достижения российской и мировой музыки, было просто невозможно. С тех пор «Мамакабо» проводился уже 17 раз в самых разных городах: в Волжске, Самаре, Вологде, Тольятти, Петербурге, Томске, Сызрани. И с каждым разом всё мощнее и представительнее. Последний фестиваль этой осенью в Коктебеле был подробно освещён на нашей музыкальной странице. И вот, наконец, Москва! Два вечера – 31 октября и 1 ноября. В формате «Город живой музыки»! Как можно было пропустить?! А близкое знакомство с участниками началось ещё днём на репетиции и саундчеке (проверке звука), на которые я обожаю ходить… [b]Эксклюзив саундчека [/b]Когда-то давно мне довелось присутствовать на разминке тогдашних чемпионов мира по фигурному катанию.По парному катанию. Сначала они катались порознь, совершая головокружительные прыжки, потом соединились и показали несколько сложнейших рискованных парных элементов. Вечером на финальном выступлении почти ни одной фигуры из того, что я видел днём, продемонстрировано не было, хотя они снова стали чемпионами. Всё было ясно: на тренировках и разминках люди легко показывают то, что на концертах и соревнованиях делать ещё не рискуют. С тех пор я и полюбил разминки и саундчеки. И вот концертный зал «Мир», проверка и настройка звука нескольких наших известных исполнителей, участвующих в концерте. А потом – саундчек и пресс-конференция знаменитого музыканта из далёкой страны.Довольно высокий, поджарый седой дядечка в белой футболке и джинсах. В руках видавшая виды акустическая гитара, потёртая совсем не в тех местах, в которых ей положено быть потёртой. Австралийский гитарист Томми с фамилией культового эротического фильма семидесятых – Эммануэль. По версиям некоторых авторитетных музыкальных изданий, Томми Эммануэль – один из тройки ведущих гитаристов мира, а по мнению журнала Rolling Stone – самый лучший! И переиграл он в своей жизни с самыми-самыми! С легендами: Четом Аткинсом, Эриком Клэптоном, Стиви Вандером, Тиной Тёрнер и прочая, и прочая… То, что такой человек согласился выступить в рамках «Мамакабо», говорит само за себя и поднимает градус фестиваля на небывалую высоту. Я очень внимательно за ним наблюдал – похоже было, что Тому искренне всё нравилось. Наши тоже в грязь лицом не ударили – удачно делали вид, что им каждый день с лучшими музыкантами мира приходится на одной сцене выступать. Молодцы! А Эммануэлю сейчас 53 года – самый расцвет, в багаже 16 сольных альбомов, среди которых есть и золотые, и платиновые.Им сделаны 2000 студийных записей, отсняты видеошколы, регулярно проводятся мастер-классы. И тысячи гитаристов в разных странах пытаются научиться у него творить такие же чудеса на гитаре.[b]Один за всех [/b]На его гитаре надо отдельно остановиться. Она внешне выглядит абсолютно отечественным «туристским» инструментом за семь рублей. Только что гранёного карандаша, который подкладывали под гриф, чтобы выровнять струны, не наблюдается. И это музыкант с мировым именем! Впрочем, звук у гитары – сумасшедший! Но потёртости не на месте! Потёртости и выбоины мы знаем, где должны быть: чуть ниже круглого отверстия – это от медиатора, когда гитарист в экстазе не глядя по струнам чешет, то случайно и по «дереву» цепляет. А также на обратной стороне, «на дне» инструмента – это от пряжки джинсового ремня. А у Эммануэля потёртости располагаются где ни попадя. Всё выяснилось довольно быстро. Прямо на саундчеке.Просто Эммануэль играет сразу за нескольких человек. За соло-гитариста, за бас-гитариста, за клавишника, за барабанщика и ещё, наверное, за какого-нибудь «того австралийского парня». Я лично ничего подобного в жизни не видел. А все царапины и стёртый лак произошли от того, что гитара используется на всю катушку: и в качестве банджо, и в качестве ударной установки.Закрываешь глаза, и слышишь целый ансамбль. А потом Томми ещё и петь начинает. Не зря все эти мировые знаменитости с ним записываться рвутся. Гораздо проще пригласить одного Эммануэля, чем группу из четырёх или пяти человек. По всем соображениям.[b]Брифинг [/b]Когда закончилась настройка звука, где, как я и ожидал, Эммануэль, чуточку разбаловавшись, продемонстрировал несколько совершенно запредельных гитарных приёмов, началась пресс-конференция. Вернее, это было просто неформальное общение звезды с журналистами, к чести которых надо сказать, что во многих случаях специального перевода не понадобилось, настолько хорошо наша передовая пресса владеет «австралийским».Вот дайджест этого короткого брифинга: начал играть в 4 года. На слух! Закончить какое-либо музыкальное учебное заведение так и не удосужился.Нот не знает, зато повторить всё, что когда-нибудь слышал, может почти один к одному.Такая редкая музыкальная память. У своих родителей был одним из шестерых детей и в качестве гитариста принимал самое активное участие в семейном октете. На вопрос, почему выступает один, скромно отвечает, что нечего штаты раздувать: он привык ездить по миру втроём – его менеджер, его звукорежиссёр и сам маэстро. Он спокойно может обходиться услугами всего этих двух людей, а публика – услугами его одного. Томми даёт около 340 концертов в год, женат, имеет двух дочерей (20 и 9 лет), которые в принципе мировой музыкой не интересуются, но папиной – очень! Младшая может на память легко назвать порядок композиций на любой из его многочисленных пластинок. Он первый раз в России, и пока ему всё нравится. Из всех легендарных музыкантов, с кем ему доводилось сотрудничать, вспоминает, прежде всего, Чета Аткинса, которого считает своим гуру и крестным отцом в музыке. Самая запомнившаяся совместная запись – с Дайаной Росс: в Австралию прилетел её менеджер, открыл ноутбук, вышел в Интернет и записал, как Томми аккомпанирует Дайане в режиме реального времени – она в Лондоне, а он в Сиднее.[b]Протокол [/b]Вечерний концерт начала арт-группа «МирЛиц»: клоуны показали оригинальный номер и официально открыли фестиваль. Затем ведущий – он же президент и продюсер фестиваля, он же участник концерта – Тимур Ведерников объявил Алексея Архиповского.Объявил как «лучшего балалаечника мира»! И Тимур обвёл руками контуры зрительного зала концертного комплекса «Мир». Шутка удалась! Но Архиповский показал такую программу, какую до этого мы не видели в России никогда. А если учесть, что вряд ли где-нибудь в Оклахоме или Шанхае живет-поживает скромный виртуоз-балалаечник, превосходящий Архиповского, то шутка шуткой быть перестала.Потом две песни спела ангельским голоском 13-летняя Машенька Лапшина, потом проникновенно играл гитарный дуэт Ведерников–Шишов, потом на сцену вышел известный акустический гитарист Иван Смирнов с сыновьями и совершенно фантастическим «мульти-дударём» Сергеем Клевенским. Во втором отделении зал покорил своей игрой виртуозный гитарист Дмитрий Малолетов, пользующийся очень оригинальной, так называемой «фортепианной» техникой.Это когда звук извлекается ударами пальцев обеих рук по струнам между ладов на грифе. И наконец, в качестве «разогревающего» перед выступлением Эммануэля, закрывавшего концерт, выступил неоднократный лауреат многих отечественных и иностранных джазовых фестивалей супермузыкант Сергей Манукян. А уж после него…[b]CODA:[/b] Пребывая в пагубном заблуждении, что всё самое интересное, как на разминке фигуристов, уже было показано на саундчеке, я настроился слегка расслабиться и просто получить удовольствие. А получил полный восторг! Что этот Томми со своей гитарой делал! И стучал по ней в самых разных местах, и гладил, и царапал. И всё это с особенным звуком. Действительно, полное ощущение игры нескольких человек! Ну и умелая работа звукорежиссёра, конечно. Но неважно! Результат фантастический! Выступление австралийца так раскачало уже донельзя разогретый зал, что подобный успех мы, наверное, могли бы сравнить только со священным экстазом, в который погрузились в своё время зрители после премьеры одноимённого фильма.В конце на поклон вышли все участники, и овации сделали бы честь открытию Олимпиады. Ощущалось полное единение сцены и зала.Меня переполняли и радость, и чувство удовлетворения, чуть было не перешедшие в полузабытую гордость за нашу музыкальную жизнь. За нашу культуру, сохраняющую, несмотря ни на что, способность иногда удивлять.Были и выводы, которые я сделал лично для себя. Выбирая темы для «Попурри-мастера», я порой перелопачиваю истории музыкантов и музыкальных инструментов давно прошедших лет и самых дальних стран. И всё это при том, что потрясающий материал находится совсем рядом. Только руку протяни! В связи с этим даю читателю слово отработать в ближайших номерах «Вечёрки» тему нашей родной балалайки. А в качестве укротителя этого экзотического для иностранцев инструмента выбираю Алексея Архиповского – действительно лучшего в своём деле. Есть ещё в ближайших планах интервью с Сергеем Клевенским – единственным в своём «цеху» музыкантом, исполнителем на всякого рода дудочках, свистках, жалейках, рожках, свирелях, продольных флейтах и т. д. и т. п. И всех этих замечательных людей я встретил на «Мамакабо» – полноценном срезе российской артистической и музыкальной жизни. Во всём талантливом многообразии и потрясающем качестве. Ведь даже по сравнению с мировыми величинами типа Тома Эммануэля профессиональный уровень наших ребят с австралийским мастерством не диссонировал, а достойно обрамлял его. И это хорошо!
Развлечения
Андрей Шепелёв - гуру гавайской гитары
Продолжая тему музыкальных инструментов и людей, на них играющих, наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс встретился с одним из самых известных наших исполнителей на гавайской гитаре Андреем Шепелёвым. Андрей самостоятельно освоил этот непростой инструмент, после чего работал с ним в джазоркестре Утёсова, в ансамбле «Кукуруза», в группе «Интеграл», и вот уже около 15 лет успешно ведет уникальный в своём роде проект «Гроссмейстер». В семидесятые годы XX века в тысячах магазинов культтоваров по всему необъятному Советскому Союзу вдруг появилось потустороннее нечто. Неопознанный наполочный объект.Наличие струн отдалённо намекало, что это мог бы быть музыкальный инструмент, да и в сопроводительных документах несколько раз неуверенно упоминалось слово гитара, но приоткрыть тайну предназначения этого предмета, который впоследствии исчез с прилавков так же внезапно, как и появился, удалось только сейчас. Почти через сорок лет. И оказалось, что это… [b]Легенда[/b] Невозможно определить, кто изобрёл колесо. Также невозможно узнать, кто первым решил положить гитару на колени, взять в левую руку тяжёлый и гладкий металлический или стеклянный предмет (слайдер) и при помощи плектра (медиатора) услаждать слушателей чарующими нежными звуками. Говорят, что такой способ игры на Гавайские острова завезли голландцы в середине XIX века. Мол, какой-то нетрезвый матрос, одним ударом виртуозно «изготовив» из пустой винной бутылки хорошо известную в отечественных дебоширских кругах «розочку» (bottle neck – бутылочное горлышко), вдруг раздумал возить ею по лицам своих собутыльников, а вовсе даже наоборот, провёл гладким стеклянным горлышком по струнам оказавшейся у кого-то в руках гитары. Звук, изданный при этом, настолько поразил присутствующих, что… и так далее и тому подобное. А в начале века двадцатого уже сформировавшееся в качестве отдельного музыкального инструмента нечто, вместе с другими атрибутами культуры, на волне моды на всё гавайское попало в США, где и стало называться гавайской гитарой.[b]Арсенал[/b] Сейчас какого-то одного инструмента под сводным названием «гавайская гитара» не существует. Прекрасная гаваянка размножилась в целый арсенал, целое семейство слайд-гитар, то есть гитар, на которых играют при помощи слайдера или пресловутого батл-нека. Одна из наиболее распространённых – стил-гитара, или нэйшнл (national).«Стил» по-английски – «сталь».И действительно, мы видим, что корпус гитары сделан из металла. Причём из нержавеющего. В смысле хранения стил – один из самых неприхотливых музыкальных инструментов в мире. Можно прицепить такую гитару к багажнику на крыше машины, пропутешествовать под проливным дождём несколько суток, потом вылить из гитары воду, наскоро вытереть тряпкой и после этого поражать зрителя искромётными пассажами. Ну и, конечно, не водостойкость – главное достоинство и главная особенность стила. Достоинство – ни с чем не сравнимый тягучий прозрачный звук, который особенно выигрывает при исполнении мелодий с применением различных видов слайдеров.[b]От добра добро не ищут[/b] Мудрая английская пословица гласит: «Если нечто выглядит, как утка, крякает, как утка, и ходит, как утка, значит оно – утка!» Это утверждение абсолютно неверно по отношению к инструменту, который называется добро. Несмотря на то что добро выглядит, как гитара, имеет 6 струн, как гитара, и убирается в футляр, как гитара, это не гитара (и не утка, слава богу). Отличает добро ряд определённых качеств, и, прежде всего, наличие специального резонатора, который усиливает звук и сообщает ему удивительный тембр. Этот акустический резонатор был придуман и сделан в Америке в 20-е годы прошлого века выходцами из Чехословакии братьями Допера с целью усилить звук гитары в оркестре. Изобретение резонатора стояло в одном ряду с огромным количеством экспериментов, приведших впоследствии к появлению электрогитары. Опередив на несколько лет идею электрического усиления звука, Джон Допера вместе с братом основал фирму «DOBRO» (DOpera BROthers) и стал выпускать резонаторные гитары, которые получили название добро.Обоим братьям эта аббревиатура пришлась по вкусу, так как несла некий положительный заряд. Ведь на большинстве славянских языков «добро» значит «хорошо». Со временем этим красивым словом стали называть все резонаторные инструменты. Независимо от того, какая фирма их изготовила.[b]История Андрея Шепелёва[/b] Впервые в полном объёме я услышал музыку, которая меня просто потрясла на пластинке, купленной по случаю у спекулянтов. Это был некто Эрик Вейсберг с ансамблем.По стилю уже немного знакомое кантри, но сыграно на совершенно не известных мне, необычных инструментах. Это и были добро, пятиструнное банджо и педал-стил – такой почти стационарный инструмент с педалями, позволяющими менять тональность. И я пропал. Не было ни школ, ни инструкций. Я собирал всё по крупицам, до многого доходил сам, заново изобретал приёмы. Через много лет в США меня пригласили в качестве преподавателя принять участие в семинарах, на которых собрался весь цвет музыки кантри. Я приехал с «Кукурузой». И там встретил того самого Эрика Вейсберга, с которого всё и началось. В зале, конечно, все обалдели немного. Они всю жизнь эту музыку играют, а тут приезжают непонятно какие советские и «вставляют», будто с детства живут в Теннеси. В общем, отлично нас приняли и придумали даже несколько концертов по университетам, а ещё мы отправили наши демо-записи на «Гранд о’Лопри». Это радиостанция в городе Нэшвилле, считающемся родиной музыки кантри.Чтобы понять, что это за место и каков «масштаб» тамошних специалистов, можно вспомнить историю Элвиса Пресли, который много раз безуспешно пытался предложить свои песни для ротации на «Гранд о’Лопри». Ему отказывали, предлагая лучше вернуться к его профессии водителя грузовика, которая ему больше подходит. А наши записи вдруг приняли благосклонно и позже организовали настоящий концертный тур по стране.[b]Резюме от Капитана[/b] Шепелёв этот – скромный парень. Способности свои и таланты занижает, поэтому короткую историю нашего пророка в чужом отечестве я сам расскажу. Называя все вещи своими именами. Вы только представьте себе: приезжает в Россию этакий разбитной американец, напяливает сапоги-прохаря, рубаху сатиновую да штаны плисовые. Берёт в одну руку балалайку, а в другую – ложки какие-нибудь и начинает, ухая и крякая, врубать «комаринскую» на площади где-нибудь в Пскове или в Твери. Да так, что только пыль столбом да девки очами зыркают! Может такое быть?! Нет, не может! А Шепелёв приехал в американские кантровые пенаты и показал им, почём фунт кукурузы. Это местечковый синдром сработал.Штука, свойственная только одной нашей отдельно взятой стране. Я ещё много лет назад подметил. Приезжаешь на гастроли в какой-нибудь небольшой городишко. Всё там плохо: в магазинах шаром покати, кругом грязь и кошмар! Но у девиц красных юбки на пять сантиметров короче, чем в Москве, а у добрых молодцев клеша на те же самые 5 см пошире. Просто на местах априори всегда считают, что до их провинции все наимоднейшие тенденции позже доходят. Вот и стараются авансом компенсировать. А на деле-то впереди идут! Вот и все мы так. Ах, американцы! Ох, американцы! Наверняка они свою родную, почти народную музыку на банджо и на добро лучше всех играют! А потом приезжаем, например, и видим, что горшки у них обжигают далеко не боги. И даже не поющие водители грузовиков.P.S. Я не выдержал и попросил Андрея прямо сейчас сыграть «из Ворона». Он положил добро на колени, надел «когти»… Поверьте на слово, – это было потрясающе! P.P.S. А уж кому в СССР на самом деле в 70-х пришло в голову выбросить в продажу тысячи отечественных гавайских гитар, к которым и теперь-то никто не знает, как подступиться, так и осталось неизвестным. Эти гитары пришли ниоткуда и ушли в никуда.Страшно! Капитан Макс[b]CODA:[/b] На лучших площадках Америки Андрей Шепелёв и команда сыграли около десяти концертов, обретя статус звёзд кантри-музыки. И если перед первым выступлением их предупредили: «Ни слова по-русски!», то уже на втором – программа исполнялась целиком на русском языке. Настолько понравилось аборигенам нестандартное прочтение классических американских кантриевых стандартов, исполненных с российским колоритом. Позже на семинаре, который проводил Шепелёв для американских блюзменов, к нему подошли несколько человек и попросили наиграть на добро какую-нибудь русскую мелодию. Андрей сыграл вариации на тему «Чёрного ворона», и, хотя тамошние ребята в ковбойских сапогах и не знают, кто такой В. И. Чапаев, они были восхищены.
Общество
Рэй Чарльз в рубрике «Попурри-мастер»
В продолжение темы «Личности в музыке» наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс выполняет своё обещание, данное в статье «Луч света» от 22 августа, и поближе знакомит читателей с выдающимся певцом и композитором, чей день рождения его почитатели отпраздновали месяц назад – 23 сентября. [b]Мама лучше микросхемы[/b] – У тебя есть мечта? Я вот, к примеру, мечтаю заиметь такой электрический ящик, где продукты не портятся много дней! – развешивая во дворе бельё, сказала молодая негритянка Рози Пауэлл своей подруге и соседке Арете.– Моя мечта попроще! Наши продукты всё равно не успевают портиться! – с улыбкой поддержала разговор Арета. – Я мечтаю стать матерью великого человека.Мечты обеих женщин сбылись: семья Пауэлл через некоторое время купила холодильник, а Арета вышла замуж и родила мальчика, который стал одним из величайших музыкантов всех времён и народов. Это произошло 23 сентября 1930 года в США, в маленьком городке Олбани в семье Бэйли Робинсона. Мальчика назвали Рэем. Рэй Робинсон, но прославился он впоследствии как Рэй Чарльз.Семья была очень бедна.Настолько, что позже Чарльз неоднократно говорил: «Ниже нас в социальном плане была только земля!» Тем не менее с трёх лет у маленького Рэя проявился яркий музыкальный талант, который бурно развивался, несмотря на то, что в шесть лет мальчик начал катастрофически терять зрение. Это были не то осложнения после глаукомы, не то последствия психической травмы – на глазах Рэя погиб его младший брат, – только в течение года Рэй совершенно ослеп. Ослеп, но оставался активным и целеустремлённым. Его мать Арета поддерживала в нём интерес к жизни, и во многом благодаря ей тяжёлые испытания не сломили мальчика, и мир обрёл в его лице гениального музыканта.Соседи не понимали, почему мама заставляет слепого мальчишку работать вне дома, например, посылает его за дровами. Но она говорила: «Может, он и слепой, да не дурак!» Рэй Чарльз всегда с теплотой вспоминал о матери и жалел, что она не дожила до его триумфа: «Говорят, надо вставлять в телевизор специальную микросхему, чтобы дети не могли смотреть то, что им не полагается. В моем детстве это было ни к чему. Зачем микросхема, если есть мама? Она отлично справлялась.Я плохо помню, что это значит – видеть. Главное, что я помню, – это мама, как она выглядела».К собственной слепоте великий Рэй всегда относился с лёгкой иронией: «Зрячие иногда забывают, что у слепых тоже есть мозги!» Он снимался в кино, считал своим долгом научиться водить автомобиль, даже один раз пилотировал аэроплан и всегда, всегда брился сам и перед зеркалом.«Что вы думаете вон о той блондинке у колонны?» – так любил Чарльз подшутить над малознакомыми людьми, предварительно узнав необходимую информацию у своих сопровождающих.[b]Я родился с музыкой внутри…[/b] «…меня и её можно разделить только хирургическим путём. Я считаю, что музыка – самое великое искусство – чуть ли не единственное, что ещё не стало для людей яблоком раздора. Я не знаю, что видите вы, а я «вижу» музыку. И не просто вижу, я живу в ней!» В 15 лет Рэй остался сиротой и начал самостоятельно зарабатывать на жизнь: он пел, играл на саксофоне, на клавишных, на органе. Но главное – он всё время экспериментировал, искал. Искал новые формы, искал свою манеру. И добился очень многого. Исследователи его творчества считают, что Чарльз совершил в музыке настоящую революцию: соединил духовные песнопения – госпел и спиричуэлс – с «простецким» жанром – блюзом. Таким образом основав новое направление в негритянской музыкальной культуре – soul (душа).At last music had soul («наконец-то музыка обрела душу») – иронический каламбур, которым Чарльз часто отшучивался, когда восторженные почитатели превозносили его талант.Рэй Чарльз является «отцом» и вдохновителем всех крупнейших рок- и поп-звезд ХХ века. Элвис Пресли, Джо Кокер, Билли Джоэл и Стиви Вандер без преувеличения считают Рэя Чарльза своим учителем. Его песни исполняли также такие известные музыканты, как Эрик Клэптон, Карлос Сантана, Майкл Болтон, Майкл Джексон и многие, многие другие.Ещё при жизни Рэй Чарльз стал классиком. Его песни изучают в музыкальных колледжах, они звучат по радио и на телевидении, а один из его самых знаменитых хитов – Georgia оn My Mind («Джорджия в моем сердце») стал официальным гимном штата Джорджия.[b]С вами говорит Рэй:[/b] - Если я обратился к вам, остановитесь, послушайте, ведь с вами говорит Рэй.- Говорят, что у войны есть цель, но я в этом не уверен.- Однажды мы давали концерт с Дюком Эллингтоном. До того как его позвали на сцену, он сидел с кислородным аппаратом. Но вышел – и вы никогда не догадались бы, что с ним что-то не так. В чем здесь секрет? Это сила музыки! - Мне всегда казалось, что люди хотят видеть в тебе одно из двух – или своё точное подобие, или что-то вроде скамеечки для ног, чтобы можно было держать тебя под контролем и отдавать тебе приказы.- В Бога я верю твёрдо, но дальше этого не иду. Я не принадлежу ни к какой конфессии. Я не католик, не протестант, не баптист, не методист, не иудей и не мусульманин – никто. И, по-моему, Бога это вполне устраивает.- Фортепиано – это основа, тут и спорить нечего.- Если вы написали хорошую песню, она останется хорошей, даже если её споёт человек с плохим голосом.- Наверное, расизм будет всегда.- Когда поёшь, вся суть в том, чтобы тебе поверили. Если человек слушает тебя и говорит: «Похоже, это и правда с ним случилось», значит, ты его зацепил. Но сначала надо почувствовать это самому. Если ты ничего не чувствуешь, разве другие смогут? - Я пробовал наркотики, потому что мне так хотелось. Бывают такие люди: если есть что-то, способное их погубить, они хотят знать об этом побольше. Вот и я такой.Перед каждым выступлением Рэй Чарльз принимал стаканчик джина с кофе. По его словам, это придавало ему бодрости и определённый кураж: «Надо каждый день жить так, словно он у вас последний, потому что когда-нибудь вы окажетесь правы!» [b]CODA: [/b]Прошедший тяжёлые испытания, победивший судьбу, мужественный человек, Рэй Чарльз испытывал искренние отеческие чувства к людям, чем-то обделённым. В 1987 году он выделил миллион долларов для создания фонда помощи глухим и открыл специальную клинику для больных с нарушением слуха.Он активно участвовал в борьбе за гражданские права чернокожего населения и в 2003 году передал Университету НьюОрлеана больше миллиона долларов для разработки специального учебного курса, рассказывающего о богатой культуре чёрных американцев, их вкладе в жизнь современной Америки. В мае 2003 года Чарльз отыграл в Лос-Анджелесе свой десятитысячный концерт. Только представьте себе: на протяжении пятидесяти последних лет своей жизни он выходил на сцену в среднем 200 раз в год – чуть ли не каждый день. Так продолжалось бы и дальше, но подвело здоровье.После операции на бедре Рэй Чарльз много месяцев восстанавливал форму. Ему пришлось отменить ряд выступлений, но совсем отказаться от работы было выше его сил. Поэтому музыкант продолжал готовить новый альбом, на этот раз подборку дуэтов с Норой Джонс (Norah Jones), Элтоном Джоном (Elton John), Джонни Мэтисом (Johnny Mathis) и другими исполнителями.Позже эта пластинка с дуэтами будет признана «Лучшим альбомом года», но на сцену Рэй Чарльз уже больше не выйдет.Он умер в возрасте 73 лет, прожив все свои дни так, будто каждый из них был последним.А по-настоящему последним для Рэя Чарльза Робинсона стал солнечный день 10 июня 2004 года.
Общество
«Попурри-мастер» о саксофоне
Продолжая изучать историю музыкальных инструментов, наш ведущий страницы «Попурри-мастер» Капитан Макс добрался в своих изысканиях до духовой группы и обнаружил вдруг, что простая физическая форма музыкального инструмента может влиять на судьбы целого поколения. [b]Восток – дело тонкое[/b] Много лет тому назад ансамбль, где я работал, оказался на гастролях в Средней Азии.Причем не в самых крупных городах, а наоборот, в довольно мелких поселках. Кому пришло в голову гонять один из самых популярных советских коллективов по местам, где его никто не знает и содержание песен не понимает, не важно. Деньги есть деньги! Тем более что местным товарищам тратить их было практически не на что. А тут – какая-никакая культура! Концерты проходили вяло: на бородатых мужчин в чалмах и всегда садившихся в зале этаким анклавом женщин в черном не производили впечатления ни тонкий юмор московского конферансье, ни искрометные пассажи, «снятые» духовой группой с последней пластинки «Blооd, Sweet&Tears» (Кровь, пот и слезы). Мы уходили со сцены, что называется, под стук собственных копыт. И вот на этом беспросветном фоне гвоздем программы вдруг стало маловразумительное соло на тромбоне из посредственной песни композитора Добрынина.Чем дальше мы забирались вглубь необозримых среднеазиатских просторов, тем больше женская часть зала кисла от смеха и удовольствия во время тромбонового соло.Толстый тромбонист Юрка стал выходить на авансцену, перестал пить между концертами и однажды был даже застукан репетировавшим. Вакханалия тромбонного искусства прекратилась в колхозе имени Алишера Навои. К нашему руководителю (Шуфутинскому) подошел директор клуба в халате и попросил, чтобы Юрка не только не выходил вперед, а чтобы вообще во время игры стоял по возможности спиной к залу. Оказалось, что движение кулисы (U-образная трубка, периодически выдвигая которую, играют на тромбоне) навевает местным дамам нездоровые ассоциации со специфическими возвратно-поступательными движениями, характерными для исполнения супружеских обязанностей (интересно, что бы они подумали при виде работающего отбойного молотка или швейной машинки «Веритас»?!).Такое восприятие, возможно, было связано с непростыми вопросами национальной сексуальности или с неизученными глубинными процессами, запущенными Советской властью в момент освобождения женщин Востока от байской деспотии. В любом случае, все это лежало в области женской узбекской ментальности и связано было с тонкими материями фрейдистских и подфрейдистских комплексов.Что ж, бывает! И некоторое время я думал, что ассоциирование подобным образом безобидного духового инструмента с черт-те чем есть самая большая околомузыкальная дурь, которая только может встретиться мне в жизни. Но, как скоро оказалось, тут я несколько заблуждался. Речь пойдет о саксофоне, но сначала давайте вспомним, что это за инструмент и откуда он взялся.[b]Слишком стар[/b] Саксофон – это духовой тростевой инструмент. Хотя изготавливается из металла (серебра, латуни и других металлов), его по традиции относят к группе деревянных духовых инструментов.По устройству он похож на кларнет, по форме на бас-кларнет, аппликатура схожа с гобоем. А придумал саксофон Адольф Сакс. Он родился 6 ноября 1814 года в небольшом бельгийском городке Динан. Позже с семьей переехал в Брюссель, где окончил консерваторию по классу кларнета. Отец Адольфа, Шарль Сакс, занимался конструированием и изготовлением музыкальных инструментов, так что Адольф с детства интересовался устройством духовых, помогал отцу и к 27 годам сам стал уже довольно известным мастером. В 1841 году Сакс выставил в Брюсселе коллекцию из девяти своих новых изобретений. Частная комиссия, организованная специально для рассмотрения его инструментов, объявила о своем решении присудить Саксу золотую медаль. Однако официальное жюри, учрежденное для оценки вещей, принадлежащих к разным отраслям промышленности, высказало мнение, что изобретатель для получения такой высокой награды еще слишком молод. В итоге Сакс был удостоен серебряной медали, от которой отказался, сказав комиссии, что считает себя слишком старым для этой награды.[b]Мундштучный офиклеид [/b]В 1842-м Адольф занимался изучением составов симфонического и духового оркестров. Уравнивая соотношения тембров и силу звучания оркестровых групп, Сакс размышлял о возможном инструменте-посреднике с характерными особенностями деревянных и медных духовых инструментов, который не мог бы заглушить слабых, но и был наравне с сильными. Обдумывая эту проблему, Сакс как-то приставил мундштук от басового кларнета к офиклеиду, медному духовому инструменту басового регистра, и попробовал играть. Едва он извлек первые звуки, как его творческая мысль заработала в нужном направлении. Как же назвать новый инструмент? Видимо, просто – саксофон, то есть «звук, найденный Саксом». По другим сведениям, Сакс назвал свой первый сконструированный инструмент «мундштучным офиклеидом», а название «саксофон» было предложено несколько лет спустя уже очень известным тогда композитором Гектором Берлиозом, с которым Сакса связывала тесная дружба.Первый же публичный показ саксофона в Париже в 1843 году стал для Адольфа Сакса подлинным триумфом. В зале присутствовали многие известные музыканты того времени. И все без исключения были поражены необычным тембром и богатством звучания нового инструмента. За короткое время сам саксофон и его создатель приобрели тысячи горячих поклонников, но и большое количество врагов и недоброжелателей среди консервативно настроенных музыкантов и фабрикантов музыкальных инструментов, которые не могли смириться с этим революционным изобретением. Но ничто уже не могло помешать триумфальному шествию саксофона. Задуманный как атрибут военных оркестров, этот инструмент очень быстро завоевал себе прочное место и в оркестрах симфонических. Его стали активно использовать в своих произведениях такие композиторы, как Ж. Бизе («Арлезианка»), М. Равель («Болеро»), С. В. Рахманинов («Симфонические танцы»), А.К. Глазунов – Концерт для саксофона, С. С. Прокофьев ввел его в партитуру балета «Ромео и Джульетта», А. И. Хачатурян – в балет «Гаянэ».[b]Как серпом по… молоту[/b] Именно саксофону было суждено стать еще одним музыкальным инструментом, способным навевать на простодушных людей определенные ассоциации.На этот раз не сексуальные, а все больше политические. По мнению чиновников, саксофон оказался похожим на логотип американского доллара ($), что и определило отношение к нему власти предержащей. И именно поэтому ни в чём не повинное детище Сакса в СССР долго считалось символом стиляжничества, тунеядства, преклонения перед Западом, – в общем, не нашего образа жизни.Говорили и писали так: «От саксофона до ножа – один шаг!» Где родился этот основополагающий лозунг – в недрах Министерства Культуры или в трех троллейбусных остановках – на Лубянке, – неважно. Только саксофон олицетворял всячески пинаемый и ругаемый в Советской стране джаз.А джаз – это было уже вообще очень серьезно: «Сегодня он играет джаз, а завтра Родину продаст!» Интересно, рассматривался ли функционерами вопрос об изготовлении саксофонов не в виде проклятого доллара, а в приятных очертаниях серпа и молота? Или, скажем, звезды (не шестиконечной, естественно)?! И потом: можно ли считать, что от НОЖА до саксофона тоже всего один шаг? И как рассматривать всю цепочку? Сначала вы учитесь играть на саксе, потом хватаетесь за нож и продаете Родину? Мне лично доллар самому никогда не нравился. А чего в нем хорошего-то, чтобы любить?! Но и ассоциировать, например, черный рояль с проблемами расовой сегрегации, на ум тоже не приходило.Капитан Макс[b]CODA:[/b] За свою большую, богатую творческими победами жизнь Адольф Сакс запатентовал 35 изобретений и умер в восьмидесятилетнем возрасте, увековечив свое имя в названии одного из самых оригинальных и интересных музыкальных инструментов.Единственное, что талантливый музыкант и изобретатель так до конца и не осознал, – это то, что его инструмент отдаленно похож на символ денежной единицы одной заокеанской страны.Саксофон жил, продолжал радовать любителей классической музыки, а в начале ХХ века на него обратили внимание музыканты джаз-ансамблей, именно тогда саксофон стал «королем джаза», каким он и продолжает оставаться до настоящего времени. И что интересно, ни Чарли Паркер, ни Джон Колтрейн, ни Майкл Брекер, ни Алексей Козлов, ни Игорь Бутман пресловутого шага до ножа так и не сделали.
Общество
Состоялся гала-концерт, посвященный 40-летнему юбилею создания легендарной рок-группы Led Zeppelin
20 сентября 2008 года в Зеленом театре Нескучного сада состоялся грандиозный гала-концерт, посвященный 40-летнему юбилею создания легендарной рок-группы Led Zeppelin. Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс побывал, проникся духом и докладывает. [b]Наблюдения [/b]Концерт был назначен на 17.00, но на часок задержался.Поджидали, пока побольше зрителей подтянутся. Это нормально для такой большой площадки. И с погодой подфартило. Начавший было накрапывать неприятный дождичек, напуганный громоподобными звуками тяжёлого рока, стыдливо прекратился, предоставив место тут же выглянувшему бабьелетовскому солнышку. И праздник начал набирать обороты.Открытый Зеленый театр Нескучного сада – местечко со славным прошлым. Тут неоднократно выступали мировые звезды и проходили масштабные и грандиозные рокфестивали. Перед большой сценой расположен обширный танцпол, где обычно и проистекает основная зрительская жизнь. Билеты на танцпол не дешёвые – около 800 рублей. А уж на трибунах и в VIP-зоне – по нескольку тысяч. Моё внимание привлекла группа мужчин в годах, приехавших на очень дорогих машинах с водителями.Странновато видеть, как из огромного «Мерседеса» вылезает шестидесятилетний дядечка в кожаных штанах на шнуровке и такой же куртке с цепями. Причём, все эти вещи хозяину явно малы. Значит, одёжка из хипповой юности. Хранил, наверное, где-нибудь на антресолях, а сегодня выкопал и надел, чтобы атмосфере соответствовать. Мужички прошли прямо в VIPзону, но недолго там усидели – с первыми же звуками музыки выскочили на танцпол и уже там до конца концерта отплясывали. Хорошие мужички! [b]Протокол [/b]Первой на сцену вышла грязная собака (Dirty dog). Неплохо спевшая три «свинцовые» песни, она большого успеха не имела – таков уж удел всех начинающих концерт. Продолжали с разной степенью искромётности: известный московский барабанщик Шатуновский, шансонный певец Константин Крымский, неувядаемый Александр Барыкин, сокращённый вариант ансамбля «Цветы», виртуозный гитарист Дмитрий Малолетов, яркая девушка из Канады Катя, широко известный в узких кругах Дмитрий Четвергов, группа Рlumbum Dreams, юная Винки (Наташа Винокурова) и Алёна Ярушина (есть подозрение, что дочь Валерия Ярушина из знаменитого в прошлом ВИА «Ариэль»). Потом некто Королёва в длинном пальто и с духовым инструментом, убедительная певица Оксана Кочубей, экс-барабанщик «Круиза» Ефимов, мульти-инструменталист Сергей Манукян (за малый рост ведущий долго сравнивал его с Дэнни Девито) и, наконец, маэстро Игорь Бутман и великолепная Лариса Долина.Долина, причём, выходила два раза – сначала сольно, а потом вместе с закрывавшими концерт британцами Boot-LedZeppelin.[b]Резюме [/b]Пусть простят меня поклонники других ансамблей, но для того, чтобы играть, а особенно петь песни именно Led Zeppelin, кроме необходимого мастерского набора нужна ещё одна очень важная вещь – определённая харизма.Вот и качество фестиваля, то есть звучание отдельных исполнителей, распределилось ровно в соответствии с наличием или полным отсутствием этой самой харизмы. Даже хедлайнер фестиваля – английский ансамбль BootLed-Zeppelin, специально прибывший из Лондона для поздравления, не всегда эту харизму демонстрировал. Хотя и признан лучшей в мире трибьютгруппой, исполняющей репертуар Led Zeppelin. У этих британских парней, посвятивших свою жизнь группе Led Zeppelin всё по-настоящему: длинные вьющиеся волосы, яркие концертные костюмы и соответствующий специфический звук.А насчёт харизмы – это не пустые придирки. Я сейчас объясню, почему. Я ведь так же, как и все присутствующие, никогда живьём Led Zeppelin не видел.Поэтому, опять же, как и все, немного прищуривал глаза, стараясь представить себя на концерте настоящих «Цеппелинов». И это удавалось. Но вдруг в какой-нибудь песне, которую я знаю наизусть, вокалист альбионцев Люк Уорд, «игравший роль» Роберта Планта, немного менял «родную» интонацию, и магия исчезала. Рассыпалось волшебство, возвращая на грешную землю. И ох как трудно было снова собрать воображение в кучку. Потому и претензии к англичанам – раз задрали планку на небывалую высоту, так надо и держать.А в целом и общем играли и пели они здорово.Из наших выступавших неплохо смотрелись те, кто не старался тупо копировать Led Zeppelin (это практически невозможно), а пели по-своему, выдавая свою версию, своё прочтение творчества оригинала.Тут особенно блеснула Долина. Она снова похудела, и тем удивительнее было слышать такой мощный вокал, какой продемонстрировала эта миниатюрная женщина, исполняя Stairway To Heaven (Лестница в небо) – одну из самых знаменитых песен «Цеппелинов». И, конечно, Игорь Бутман запомнился! А я и не удивился. Он всегда всё хорошо делает. Вот и на этом концерте сыграл гитарную партию на саксофоне так, как будто она именно для саксофона и была написана.[b]CODA: [/b]Концерт закончился, но народ ещё некоторое время не расходился. Все кучковались группками, как футбольные болельщики после матча. Я подошёл к ближайшей компании. Там обсуждалась теоретическая возможность мирового турне настоящих «Цеппелинов» и их вероятный приезд в Россию. Оказывается, откуда-то просочились сведения, что группа собирается вновь объединиться. А на барабанах у них будет играть родной сын их прошлого барабанщика Джона Бонэма – Джейсон...Что ж, дай бог! [b]Справка «ВМ»[/b] Led Zeppelin (Свинцовый дирижабль) – одна из величайших рок-групп всех времён и народов. Признаны в мире одними из основоположников хард-рока и хэви-металла как жанров. Группа была основана в Лондоне в 1968 году гитаристом Джимми Пэйджем, вокалистом Робертом Плантом, бас-гитаристом Джон-Полом Джонсом и барабанщиком Джоном Бонэмом. Нечасто случается (а до «Цеппелинов» вообще не случалось), чтобы четверо музыкантов, игравших прежде в разных группах довольно-таки «беззубый» легкомысленный рок, собравшись вместе, вдруг заиграли в до тех пор ещё невиданном стиле, породив совершенно новое музыкальное течение.Находясь на пике популярности, переживая творческий взлёт, группа Led Zeppelin прекратила своё существование ранним утром 25 сентября 1980 года. Далеко идущие творческие планы музыкантов, задуманные пластинки, надежды на будущее, – всё вдруг было похоронено в одночасье с трагической смертью их барабанщика Джона Бонэма. В тот злосчастный день, а вернее – ночь – Джон перебрал с алкоголем, выпив за 12 часов 40 дринков (порций) водки. 40 дринков – это 1800 г. За 12 часов для российского музыканта доза смехотворная. Но что случилось, то случилось.Вместе с Бонэмом, чья неординарная манера игры придавала неповторимость всему стилю группы, из ансамбля будто ушла душа. После нескольких неудачных попыток пригласить другого барабанщика музыканты объявили о роспуске коллектива.За 12 лет существования группа выпустила 8 альбомов и установила мировой рекорд по продаже пластинок – свыше 300 миллионов по всему миру! И это не считая бутлегов и пиратской продукции! А в Книге рекордов Гиннесса Led Zeppelin фигурирует как коллектив, собиравший на одном представлении фантастическое количество зрителей – сотни тысяч.Музыка «Цеппелинов» сформировала музыкальное сознание нескольких поколений, и хотя вот уже 28 лет группы не существует, количество её поклонников не только не убывает, а неуклонно увеличивается.
Общество
Мир слепых
Наука определила: около 90% всей информации об окружающем мире мы получаем при помощи зрения. Не зря говорят: “Лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать!” Как же становятся гениями люди, лишённые этих самых важных девяноста процентов восприятия?! Наш ведущий музыкальной полосы Капитан Макс предлагает обсудить с Читателем эту тему.[b]Найти нос[/b]Давайте возьмём для примера гипотетического среднего человека, с которым может себя ассоциировать любой читатель. Такой человек (в том числе и автор) даже отдалённо не может себе представить, что такое настоящая слепота. Можно надолго закрыть глаза или запереться в абсолютно тёмной комнате – всё равно перед нашим внутренним взором тут же начнут возникать образы, порождённые памятью. Спонтанно вспомнятся ситуации и жизненные коллизии, привычно “окрашенные” тем психологическим состоянием, в котором мы тогда находились. Другими словами, НАМ ЕСТЬ С ЧЕМ СРАВНИВАТЬ.Люди, рождённые незрячими или ослепшие в раннем возрасте, как бы начинают всё сначала. Они вынуждены вырабатывать свои собственные модели поведения и адаптации в пространстве и времени. И это уже НАМ невозможно представить те образы, которые рождаются за тёмными очками незрячего человека.Существует довольно распространённый тест на координацию – закрыть глаза и дотронуться до кончика носа. Так иностранные гаишники выясняют, пьяный ты или нет. В дождь ли, в снег ли, днём или ночью, с открытыми или закрытыми глазами трезвый человек обязательно найдёт свой любимый нос. Потому что делал это перед зеркалом тысячи раз, и его сенсорные клетки накрепко “запомнили” это простое движение. А вот как, предположим, “находят нос” незрячие от рождения – об этом наука умалчивает. Но… Семидесятилетняя мама моего знакомого Саши, полжизни проработавшая в артели для слепых, даже сейчас с первого-второго раза на ощупь легко вдевает нитку в иголку швейной машинки. И это при том, что жена Саши – Лера, – вооружившись двумя очками, не может этого сделать вообще.[b]Зрячих просят не беспокоиться[/b]Не вторгаясь на территорию науки, на бытовом уровне можно сделать такой вывод: отнимая у человека зрение, Бог или Природа по возможности компенсирует несчастье, до крайности обостряя все остальные чувства – слух и органолептику. А порой даже наделяет экстрасенсорными способностями.И в каком-то смысле внутренний мир незрячих неизмеримо богаче нашего, что даёт им возможность “видеть” и чувствовать то, что обычному человеку не дано. Гомери великий слепец Ахмад Абу-ль-аля, Ванга и недавно канонизированная Матрёна – целый ряд гениальных мудрецов, писателей, поэтов, учёных. Но особенно повезло музыке… Легендарный американский певец и композитор, один из родоначальников рок-н-ролла, Чак Берри (Chuck Berry) в своей статье об истории американского блюза пишет: “Раньше вопрос о том, какого музыканта стоит послушать, просто не стоял. Увидишь на афише слово Blind, и можно смело идти на концерт!” Blind – в переводе с английского “слепой”. Действительно, в сороковых-шестидесятых годах все незрячие музыканты обязательно добавляли к своему сценическому имени это волшебное Blind. Blind Lemon Jefferson, Blind Boy Fuller, Blind John Davis, Blind McTell Willie, Blind Perkins Buster – вот неполный перечень незрячих звёзд, чьими пластинками заслушивался весь мир. Сейчас, с развитием средств массовой информации, необходимость в такой рекламе отпала. Американские певцы и композиторы Рэй Чарльз и Стиви Вандер, американский гитарист-виртуоз и певец Хосе Фелисиано, уникальный канадский гитарист Джефф Хили, итальянский тенор Андреа Бочелли, американская джазовая певица Дайан Шур – все любители музыки знают эти имена.[b]Не слышу твою улыбку![/b]Стивлэнд Джадкинс (Steveland Judkins), больше известный нам как Стиви Вандер, ослеп через несколько дней после рождения. В результате медицинской ошибки. Тогда в инкубационную камеру к младенцу, который родился на пять недель раньше положенного срока, была подана чрезмерная доза кислорода. Все последующие многолетние попытки вылечить мальчика ни к чему не привели, – к кому только мама Лула Хардэуэй ни обращалась.Наконец подросший Стиви убедил ее в том, что “он счастлив, живя слепым”. И родители отступились. Первым музыкальным инструментом, которым овладел Вандер, стала губная гармошка, подаренная на его девятый день рождения. Чуть позже он научился играть на пианино и на ударных – ударную установку ему подарила благотворительная организация. В десять лет Стиви уже виртуозно играл на всех этих инструментах и пел, подражая тогдашнему идолу негритянской молодёжи Сэму Куку. Пел Вандер и песни уже очень тогда известного Рэя Чарльза, даже не подозревая, что через каких-нибудь несколько лет его имя будет писаться на афишах такими же большими буквами, как и фамилия самого Чарльза.Кстати сказать, однажды их пути пересеклись. Чарльз был наслышан о юном гении и приехал на концерт в Сиэтле, в котором участвовал Стиви. По окончании Рэя Чарльза провели к мальчику.– Ты поёшь весёлые песни, а почему не улыбаешься? – спросил Чарльз.– Откуда вы знаете? – возразил Стиви.– Я же слышу! – и Рэй Чарльз развёл в улыбку своими руками губы маленького певца.Так началась дружба двух великих незрячих музыкантов.Между тем через несколько лет Чарльз признался, что тогда на концерте его сопровождающий сказал, что мол, хорошо поёт парнишка, только лицо очень серьёзное.[b]Ему видней![/b]Вандер на этот розыгрыш не обиделся: – Рэй научил меня улыбаться! – не раз с гордостью впоследствии говорил он.А саму схему взял на вооружение и в будущем с большим успехом пользовался ею для обольщения своих многочисленных подружек. Делал он это так: подробно расспрашивал кого-нибудь из знакомых об обстановке, например, какой-нибудь комнаты, о цвете обоев, мебели и т. д. А также о том, как выглядит его будущая “жертва”, во что одета, как причёсана. Потом заводил девушку в эту комнату и высказывался в том смысле, что неплохо бы переставить это кресло в угол, а столик к окну… Потом ронял какой-нибудь комплимент вроде “Ваша бирюзовая блузка так идёт к вашим глазам…”Срабатывало безотказно. А чего это я пишу “срабатывало”?! Срабатывает до сих пор! Потому что такого, как бы это поинтеллигентнее выразиться, дамского угодника, как Стиви Вандер, надо ещё поискать. Хотя сейчас, наверное, он уже не прибегает к подобным уловкам. Слава о его гиперсексуальности – ещё одной компенсации природы – идёт чуть ли не впереди славы музыкальной. И в свои 58 он продолжает черпать в сексе вдохновение, как это делал в двадцатилетнем возрасте, когда, несколько раз попробовав, навсегда отказался от марихуаны и других наркотиков.Стив Вандер неоднократно заявлял, что считает свою слепоту божьим даром, расстаться с которым для него было бы трагедией. За последние лет двадцать в прессе неоднократно мелькали материалы о том, что Вандер отказывался от операций, которые ему предлагали офтальмологи, вооружённые последними достижениями науки. Для нас, конечно, это странно, но, как говорится, ему “видней”.P.S. Кстати, Рэй (Ray) в переводе с английского означает “луч”. В нашем случае – луч света.[b]CODA[/b]Так уж получилось, что героем этой статьи стал Стив Вандер.Хотя начинать надо было, безусловно, с великого Рэя Чарльза. Вот уже четыре года, как его нет с нами. Чарльз самый первый из наших современников, кто победил свой недуг. Его мужество, его удивительная судьба и его свершения стали примером для тысяч людей, оказавшихся в подобной ситуации. Тот же Вандер, так же как и многие другие известные музыканты, без всякого преувеличения, считает его своим учителем. И мы обязательно подробно расскажем историю Рэя Чарльза Робинсона в ближайших номерах “Вечёрки” на странице “Попурри-мастер”.
Развлечения
Губная гармошка – целый мир
В своих путешествиях по бескрайним музыкальным морям ведущий нашей музыкальной страницы Капитан Макс добрался до малоизвестного «материка», на котором, как оказалось, обитают нежные ауры, задумчивые мундэолины и серьёзные, брутальные харпы. Что мы раньше знали о губной гармошке? Да ничего мы раньше не знали о губной гармошке! Мы её и не видали никогда. А если и видали, то в кино или по телевизору. В военных фильмах, например, где немецко-фашистские военнослужащие в перерывах между зверствами наигрывали на этой безделушке легковесную музычку «Ах, мой милый Августин!» В основном – только эту. В силу ограниченности музыкального багажа отечественных кинематографистов. А ведь губная гармошка – целый мир. Хотя и заключён этот мир в очень компактный корпус. Губная гармоника – самый компактный музыкальный инструмент из всех. Не считая, конечно, такой миниатюрной штучки, которую северные народы к зубам прислоняют и тынь-дынь около чума делают. Есть, правда, ещё милицейский свисток, но уж в крайности впадать не будем. Откуда же взялась эта маленькая коробочка, в прошлом – верная подруга ковбоев и сезонных рабочих, а ныне солидный музыкальный инструмент, которому по плечу всё: и блюз, и кантри, и рок-нролл, и джаз, и классический репертуар в сопровождении симфонического оркестра? Аура миссисипского саксофона Прародителем губной гармошки считается восточный духовой орган. Его изготавливали в Китае из бамбука ещё в незапамятные времена. Эти восточные корни роднят гармошку с другими её собратьями по духу. По духу в буквальном смысле, потому что и губгармошка, и ратушные органы, и пастушьи свирели – суть духовые инструменты. И не просто духовые, а язычковые. А они, в свою очередь, входят в большую группу, объединённую общим названием «аэрофоны». Отличительной особенностью аэрофонов является вибрация потока воздуха внутри корпуса, создаваемая колеблющимся язычком, в результате которой и появляется звук. Таким образом, к аэрофонам относятся и инструменты с отверстиями – блок-флейты; и с одинарным язычком – кларнеты, саксофоны; и с двойным язычком – гобои, фаготы; а также органы, аккордеоны и гармони. Но, в отличие от других язычковых инструментов, губная гармоника не имеет клавиатуры. Вместо клавиатуры используются язык и губы для выбора отверстия (как правило, они расположены линейно), необходимого для воспроизведения нужной ноты. У довольно состоятельного немецкого часового мастера Христиана Фридриха Людвига Бушмана было двое сыновей. Оба они пели в церковном хоре и получали подзатыльники от хормейстера за нечистое пение. И вот в 1821 году Христиан Фридрихович (а м. б. – Людвигович?) решил облегчить своим детям существование, для чего придумал и изготовил карманный духовой камертон, по которому они могли незаметно сверять свои партии. Лирическое отступление: бытует версия, что Х. Ф. Л. Бушман работал не часовым мастером, а вовсе даже настройщиком церковных органов. И, мол, сынов у него этих не было. Я справился в дореволюционной энциклопедии Южакова (тогда ещё в энциклопедиях не врали), но не нашёл. Поэтому пусть будет часовщиком, да и дети его мне уже стали как родные. Итак, папа сделал им камертон… Это была небольшая металлическая пластина с прорезями, закрывавшимися специальными язычками. Камертон работал только при выдохе. Своё детище Бушман (чуть было не написал «Бутман») назвал «аурой». Мог ли он представить себе, что изобрёл музыкальный инструмент, без которого через каких-то сто пятьдесят лет не сможет обойтись ни одно крупное музыкальное направление?! Наверное, не мог. Но нашлись другие, которые смогли. Ещё один Христиан, но только Месснер, позаимствовал у Бушмана идею и в 1827 году приступил к изготовлению контрафактных инструментов под новым названием «мундэолин» (mund – «губы»). Шли годы, инструмент совершенствовался, в разных местах предпринимались попытки массового изготовления аур-мундоэлинов. Особенно старались немцы со знаковым именем Христиан. Так, например, производство гармошек в 1855 году попытался наладить третий в этой не очень успешной цепочке Христиан. Вайсе! А потом за дело, наконец, взялся «нехристиан» – Матиас Хонер. В одном только 1857 году, используя семейный подряд, он изготовил около семисот мундоэлинов, которые к этому моменту уже получили более удобоваримое название – Mundharmonika. То есть губная гармоника. Успешный предприниматель, Хонер начал продавать гармоники в другие страны. Наладил даже экспорт в США, где они моментально приобрели тысячи поклонников. Особенно среди чёрного населения южных штатов. Уже в который раз инструмент «сменил» название. «Миссисипский саксофон» – так его любовно стали называть и белые ковбои, и чёрные жители Нью-Орлеана. На этих «саксофонах» играли сольно или в сопровождении гитары или банджо, пока с появлением микрофонов и другой усиливающей звук аппаратуры губная гармошка не влилась в ансамбли и большие оркестры как самостоятельный музыкальный инструмент. По результатам, полученным американскими исследователями, сейчас в США на губных гармошках играют более 40 миллионов человек. Умный?! Почему без гармошки? Вообще это похоже на чудо. Со стороны, из зала, самой губной гармошки практически не видно. Полное впечатление, что музыкант сложил руки рупором и извлекает эти волшебные звуки в микрофон голосом, свистом – короче, каким-то естественным способом. Кстати о голосе: девяносто процентов гармошечников поют. Поют рок-нроллы, прекрасные блюзы или баллады, подыгрывая себе на этом инструменте. А настоящие виртуозы не просто озвучивают слова – они вплетают вокал в гармошечную партию, выпевая те ноты, которые по каким-то причинам(чаще всего в силу специфики настройки данной гармошки) трудно взять на инструменте. При кажущейся простоте игры в губгармонизме используется множество приёмов: сила подачи звука, угол атаки, тремоло, сурдина (приглушение). В «работе» участвуют губы, язык, диафрагма, руки и даже ноги. Как-то в Испании я видел уличного губгармониста, который аккомпанировал себе чечёткой. Причём не просто бил степ, а «играл» полноценную ритмическую основу. И последите за руками любого хорошего исполнителя. Руки у них живут своей жизнью – ладони образуют необходимое акустическое пространство, пальцы отбивают такт, фильтруют звук, создают вибрато, наконец, помогают оценить и впитать эмоциональное состояние музыканта. Язык жестов гармониста – это отдельная песня. И вкупе со всем остальным арсеналом, в руках (в губах) хорошего музыканта маленькая гармошка способна творить чудеса, передавая невообразимое количество тончайших нюансов, из которых и состоит любая музыка. Арфист по призванию Все уже привыкли, что в отношении Михаила Петровича Соколова досужие молодые журналисты применяют не совсем этичные, рубленые с плеча эпитеты: «старейший блюзмен Москвы», «легенда русского блюза», «патриарх всего, что только можно»… На самом деле Соколову всего-то чуть за полтинник – самый расцвет для мужчины. Виною возникновения подобных штампов – пожизненное прозвище Петрович, которое он получил в двадцатилетнем возрасте, да окладистая седая борода, как у Карла Маркса. Соколов – виртуозный исполнитель на губной гармошке – лидер собственной группы с непростым названием Petrovitch harmonica-man&The Hot Rod band. Поговорим с ним… Петрович: Ребёнком я учился играть на скрипке. Но впоследствии стал барабанщиком и отбарабанил в буквальном смысле 25 лет. После чего вышел в почётную отставку. По выслуге лет. Всю свою предыдущую жизнь я играл блюз. Даже когда работал в ресторане, все равно мы играли блюз. И всегда мне хотелось, чтобы кто-нибудь в группе играл на губной гармошке – так мне нравился звук этого инструмента. Было много попыток ввести гармошку в состав, но как-то не сложилось. А потом мне просто надоело ждать, я попросил одного друга, чтобы он из-за границыпривез мне хорошую губную гармошку. А он привёз целый ящик. Серьёзно! Это такой специальный кофрик, где лежали гармошки разного строя на все случаи жизни. И я начал учиться. И в процессе буквально влюбился в этот инструмент. – Какая разница в эмоциональных ощущениях между ударными и гармоникой? – За барабанами у меня не было контакта со зрителями, я не мог с ними разговаривать, не ощущал такой тесной связи, как сейчас. Чувствовать, что от твоей конкретной игры зависит настроение других людей, ощущать эмоциональный ответ из зала – это колоссальное наслаждение. И большая ответственность... – На какой гармошке вы играете? – На блюзовой, на так называемом «харпе». Harp – в переводе: арфа. Так что (смеётся), на арфе! – У вас были успехи на международном уровне? – Несколько раз я участвовал в крупных фестивалях за границей. Успешно. Но всё ещё впереди… Язык до совершенства доведёт Несколько лет назад на концерте одного знаменитого московского блюзмена я приметил на сцене невысокого молодого человека с губной гармошкой. Удивительным показалось то, что он не играл короткие соло в избранных местах, как это делает большинство гармошечников, а обыгрывал гармонию каждой песни, фактически выполняя функцию клавишных инструментов. Это был Михаил Владимиров. Владимиров: В 1992 году мне случилось побывать в США. Совершенно не по музыкальным делам. И перед возвращением из любопытства я купил там недорогую губную гармошку. Как потом выяснилось, диатоническую. Она была настроена на тональность ми мажор. Я стал самостоятельно заниматься, увлёкся, и постепенно гармошка стала смыслом моей музыкальной жизни… – До меня всё-таки как-то не доходит, как можно быстро в совершенстве овладеть инструментом без преподавателей, без соответствующей школы? – Ну, не так уж и быстро. Всё-таки прошло без малого шестнадцать лет. А потом я с самого начала играл с лучшими блюзменами мира. – ?! – Я ставил на проигрыватель пластинки знаменитых музыкантов и старался подыгрывать им. – Но, насколько я понимаю (тут я решил блеснуть эрудицией), жёсткий мимажорный строй вашей гармошки мог не совпадать с пластиночным. – А я уменьшал или увеличивал скорость проигрывателя до тех пор, пока гармония не совпадала. – Мы в восхищении! (это я сказал словами кота Бегемота). А какой самый главный «инструмент» в арсенале гармониста? – На девяносто процентов – язык. – А руки? – Вопрос сложный. Всё зависит от того, как вы пользуетесь микрофоном. Если микрофон стоит на стойке, то руки у вас свободны для использования различных приёмов. Я же, например, привык снимать микрофон со стойки и держу одновременно и его, и гармошку. Способ работы с микрофоном каждый выбирает свой. Гармошка позволяет всё. Удивительный инструмент. Может и плакать, и смеяться, и грустить, и бушевать. Я еще не до конца познал его возможности, но стремлюсь к этому всей душой... Потом был вопрос к обоим Михаилам (!): «Кто, по вашему мнению, является иконой мирового губного гармонизма?» Каждый назвал несколько иностранных фамилий, но две присутствовали в обоих ответах – Ховард Леви и Тутс Тилеманс. Теперь у меня есть мечта – послушать кого-нибудь (а лучше обоих) из этих титанов живьём. Тем более, говорят, что Тилеманс уже приезжал в Москву, а Леви, по слухам, собирается. CODA: Иногда мы получаем звонки и письма: «А вот есть гитарист Сидоров, играет обалденно, чего вы про него не написали?» Уже в который раз мне приходится объяснять, что музыкальная страница не резиновая, а газета – не доска почёта. И чтобы упомянуть всех достойных, понадобились бы отдельные списки. Типа тех, которые вывешиваются в институтах после вступительных экзаменов. Раз – два раза в год в Москве происходит открытый джем-фестиваль губных гармонистов. В этом году будет проводиться уже в одиннадцатый раз. Кто не поленится и сходит, сможет увидеть весь гармошечный цвет столицы – основоположников московского блюзового гармонизма Алика Микояна и Юрия Иванова, талантливую околосорокалетнюю молодёжь: Владимира Кожекина, Сергея Сорокина, Александра Братецкого и, конечно же, героев этой статьи. Только на таком фестивале можно полностью оценить возможности губной гармоники и удостовериться в том, что наши ребята играют на уровне лучших образцов. Но прошу вас, будьте очень осторожны, держите себя в руках! А то после концерта может с неодолимой силой потянуть в магазин! Покупать свою первую гармошку!
Развлечения
Все о клавишных и людях, на них играющих
Продолжая серию статей о музыкальных инструментах и людях, на них играющих, ведущий музыкальной страницы Капитан Макс добрался в своих поисках истины до клавишных. Лирический аккорд на заре Октября Фортепиано – один из самых распространённых музыкальных инструментов в мире. Как правило, оно представлено в двух категориях: рояли и пианино. Существуют ещё клавесины, клавикорды, органы – и все они называются клавишными инструментами. Считается, что в России первые клавишные появились не раньше XVI века. Но еще в 1490 году в Москве давал концерты европейский органист («органный игрец») Иоганн Сальватор. Значительно позже, через сто лет, по инициативе Бориса Годунова в Россию для московского двора среди прочих инструментов завезли великолепно украшенные органы и клавикорды. Но ни государство, ни особенно церковь не поощряли музицирования, и только в XVIII веке в Петербурге и Москве появились магазины, продающие фортепиано, появились и мастера, изготовляющие клавишные инструменты не хуже западных образцов. В советские времена самым популярным было пианино фабрики «Красный октябрь». Были ещё «Лирика», «Аккорд», «Заря», «Ноктюрн», но именно пианино «Красный октябрь» стало кошмаром, наверное, аж нескольких поколений отечественных детей. Пианино тогда стоило трёх-четырёх средних зарплат, и наличие в квартире этого чёрного или коричневого лакированного чуда говорило: а) о достатке, б) о высокой культуре. Кроме того, верхняя часть инструмента образовывала ровную горизонтальную поверхность, на которой удобно располагались вышитая кружевная салфетка, небольшой цветок в горшке и обязательный набор выстроенных «по убывающей» мраморных (или гипсовых) слоников. Количество слонов варьировалось в пределах от шести до двенадцати. Чехов говорил: «Если в первом акте пьесы на стене висит ружьё, в финале оно обязательно выстрелит!» Но это ружьё! И это Чехов! Стоящее же в красном углу пианино совершенно не обязательно предусматривало наличие в семье людей, на нём играющих. Инструмент покупался «на вырост» – в надежде на будущих детей или к выходу на пенсию. И уж когда эти дети в доме появлялись, их несчастное будущее было более-менее предопределено. Существует довольно тонкий анекдот: «В школе на уроке музыки учительница говорит нерадивому ученику: «Сидоров! Если ты к следующему занятию не выучишь это упражнение, то я скажу твоим родителям, что у тебя большой талант!» В детстве мне довелось увидеть вблизи американского пианиста Вана Клиберна, только что получившего первую премию на конкурсе имени Чайковского в Москве. Меня поразили его руки. Невероятно длинные, как показалось, пальцы, «разыгранные» до такой степени, что промежутки между ними походили на полупрозрачные перепонки. Как у лягушки. Пианисты называют свои руки «аппаратом», так вот, аппарат Клиберна покрывает полторы октавы. Если, например, в правой руке большой палец лежит на клавише «до» одной октавы, то мизинец дотягивается до «соль» октавы следующей. Ещё бы не играть такими ручищами! Но значительно позже я уяснил, что аппарат тут не совсем при чём! У замечательного пианиста Левона Оганезова вовсе «не музыкальные» руки. Но однажды я видел, как он собрал в кулачки свои и без того не слишком длинные пальцы и вот этими «култышками» виртуозно сыграл военный марш девятнадцатого века. Не обладают выдающимися физиологическими параметрами и главные герои этой статьи. А значит, дело в чём-то другом. В чём же? Знай наших! В начале марта 1997 года по Москве пролетел слух: приезжает великий Джерри Ли Льюис – рок-н-ролльный американский пианист и певец, кумир меломанов последних трёх десятилетий. Выступать Льюис будет в престижном зале «Россия»: два дня по концерту. Счастливые обладатели билетов с удивназвание коллектива, предваряющего выступление Льюиса, ничего им не говорило – Off Beat! На сцену вышли четыре молодых человека, но все смотрели на невысокого светловолосого юношу, который устроился за громадным концертным роялем. Хотя это был совсем не Льюис. Юноша поправил микрофон, посмотрел в зал и дал счёт… Вспоминает Денис Мажуков: «Конечно, я дико волновался. С детства я занимался «по Льюису», изучал его игру, манеру пения, старался повторить пассажи. Он стал моим кумиром. Ещё за пару недель до того события я и представить себе не мог, что мне придётся выйти с Льюисом на одну сцену. И тут такое неожиданное предложение… – А зачем вообще Льюису в концерте ещё один коллектив, и почему выбрали именно вас? – Это западная система. Там часто перед выступлением звезды работает так называемый «разогрев», и это нормально – десятки бывших «разогревщиков» потом сами стали звёздами, а на те концерты нас пригласили потому, что тогда в Москве в этом стиле играло совсем немного ансамблей. И для нас это предложение было почётным. Да и само по себе выступление в одном из лучших залов Москвы – мечта многих музыкантов. Тем временем в гримёрке мэтр готовился к выходу. Льюису тогда было немного за шестьдесят, он слегка погрузнел и уже почти совсем отказался от своего фирменного стиля – отбрасывать стул и играть стоя, а иногда и ногами или тем, чем сидят на стуле. Во всяком случае, в России Льюис, видимо, решил сильно не напрягаться. А кто его сегодня «разогревает», идола мало интересовало – он полагался на профессионализм и финансовые возможности устроителей. Шквал аплодисментов, которым зал провожал Мажукова, Джерри Льюис принял на свой счёт и, как обычно, на подъёме отработал концерт. И всё-таки внимательный наблюдатель мог подметить, что приём во втором отделении был чуть менее бурным, чем в первом. Видимо, такой наблюдатель нашёлся среди свиты маэстро, потому что на другой день Льюис весь «разогрев» простоял за кулисами, а выйдя на сцену неоднократно тряс стариной – в смысле необычного поведения и разных фортепианно-рок-н-ролльных фокусов. Денис Мажуков вспоминает: «В первый день нас к нему вообще не допустили, было очень обидно. Зато после следующего концерта Льюис нас сам пригласил. Я подарил ему диск, он растрогался и пообещал, что покажет его всем своим друзьям в Мемфисе…» А ещё великий Льюис обнял Дениса и добавил: You play like me,when I was a young (Ты играешь так же, как я в молодости!). С тех пор прошло одиннадцать лет. Сейчас Денису Мажукову тридцать пять. Он признанный виртуоз, записавший кучу дисков и побывавший на гастролях и в Штатах, и в Западной Европе. Денис и других посмотрел и себя достойно показал. Но самое главное – благодаря ему буги-вуги и настоящий классический рок-н-ролл за последнее время обрели в лице российских зрителей десятки тысяч новых поклонников. От меня прикуривать можно… Ещё одной заметной фигурой на арене московского рок-пианизма является Алексей Блохин. Внешне он сильно отличается от немного академичного Мажукова. Блохин похож на симпатичного стилягу шестидесятых. Усики в нитку, длиннополые цветные пиджаки, комбинированные штиблеты – в таком сценическом образе Блохин живёт на своих концертах. Очень не помешал бы ему набриолиненный кок, но тут уж, как говорится, бог подаст. По воле судьбы, около пяти лет Блохину довелось провести в Америке – на родине музыкального направления, в котором он работает. Там Алексею случилось поиграть с разными довольно известными музыкантами и послушать признанных мастеров. Вернувшись в Россию в 2001-м, он активно влился в московскую музыкальную жизнь, собрал свой собственный коллектив и с успехом концертирует, в своей программе отдавая предпочтение не обязательному набору хитов, а стилю в целом. Свои выступления Блохин сопровождает ярким шоу, граничащим с музыкальной эксцентрикой. Он «купается в материале», вплетая в канву американского рок-н-ролла то русские народные, то советские эстрадные песни, легко переходя с безупречного английского на вологодское оканье. Блохин: «У меня нет кумиров. Я не выбираю какое-то определённое направление. Все усилия я направляю на то, чтобы расшевелить зрителя, и когда это получается, завожусь сам, и тогда (смеётся) от меня прикуривать можно...» Человек-оркестр Есть пианисты, а есть клавишники. В чём разница? Я задал этот вопрос Петру Подгородецкому – музыканту, начавшему свою карьеру в оркестре очень требовательного к качеству исполнения Иосифа Кобзона и отработавшему много лет клавишником в самых известных отечественных ансамблях. Пётр Подгородецкий: «Хороший клавишник просто обязан быть хорошим пианистом, но из хорошего пианиста не обязательно получится хороший клавишник. Это понятие объединяет в себе безупречное владение фортепиано, знание законов оркестровки и умение обращаться с современными электронными инструментами, дающими исполнителю почти неограниченные возможности. Из синтезатора сейчас можно извлечь практически натуральный звук любого музыкального инструмента. От арфы до африканского тамтама. От геликона до пастушеской свирели.» Вплоть до тончайшей материи – человеческого голоса. И технические возможности позволяют использовать нужные звуки в любой последовательности, в любых необходимых сочетаниях. Короче говоря, грамотный клавишник – это без преувеличения человек-оркестр... Тут я сам вспомнил, как в 2004 году побывал на презентации нового поколения синтезаторов одной известной японской фирмы. На сцене буквой П были установлены три клавишных инструмента разной конфигурации, а внутри этой «декорации» у микрофона помещался скромный японский человек, которому было поручено прилюдно продемонстрировать возможности всей этой чудо-техники. Для начала он спел один на три голоса, потом добавил туда женский хор, потом роковые барабаны и наконец подключил симфонический оркестр. Он виртуозно менял тембры, добавлял эффекты, нажимал на какие-то установленные на полу педали, не забывая при этом петь и менять аккорды на клавиатуре трёх инструментов. Он работал в темпе шахматного блицтурнира, воспроизведённого на экране с трёхкратным ускорением. Можно было не слушать, только смотреть. Конечно, это был почти цирковой номер, но даже не музыканту его игра давала понять, сколько пользы для полноты и свежести звучания может принести знающий своё дело клавишник. CODA Подводим итоги. Что объединяет наших успешных, но таких разных героев, кроме пола, города проживания, несомненного таланта и использования во время игры чёрно-белой клавиатуры? Вы думаете, отсутствие в их детстве пианино «Красный Октябрь»? Нет! Просто учиться играть их никто не заставлял! Пётр Подгородецкий: «У нас был «Красный Октябрь», на котором в своё время училась играть моя мама. Будучи маленьким, я из любопытства попробовал подобрать несколько мелодий, незаметно приобщился, что потом довело меня до музыкальной школы и училища при консерватории…» Алексей Блохин: «Пианино у нас тоже было. Но меня никто никогда не заставлял. В музыкальной школе, где я учился, конечно, не преподавали рок-н-ролл, приходилось заниматься самостоятельно, но я учился, потому что испытывал в этом потребность. Я даже нанимал преподавателя…» Денис Мажуков: «Я родился в музыкальной семье. Мой папа – популярный композитор Алексей Мажуков – работал дома, и музыка окружала меня фактически с рождения. Всё тоже получилось как бы само собой. Я чётко знал, чего хочу, и с ранних лет решил стать пианистом…» Вот такие вот ребята! Пусть и разного возраста. Они не пианисты, не клавишники, не шоумены. Прежде всего, они великолепные Музыканты. P.S. И, конечно, они нашли друг друга. Мажуков и Блохин часто выступают в объединённой концертной программе «Два рояля». Через несколько дней начинаются репетиции клавишной связки Мажукова с Подгородецким под тем же названием. Пора подумать о проекте «Три рояля»!
Развлечения
За достижения в области рок-музыки можно получить премию
Рога мужчинам не мешают. К такому парадоксальному выводу пришёл ведущий нашей музыкальной полосы Капитан Макс, побывав 7 марта на знаковом мероприятии – Первом ежегодном вручении премий за достижения в области рок-музыки. Всё называлось «Чартова дюжина», где неофициальной эмблемой действа и стали симпатичные светящиеся рожки, продающиеся в «Олимпийском» на каждом шагу. Есть события и события! Как раз это кажется уникальным по многим позициям. Впервые за последние восемьдесят лет рокмузыка на таком уровне признана заслуживающей номинаций и всякого такого признания. Куча лучших наших исполнителей приведена к общему знаменателю и распределена по официальным строчкам. Как на «Оскаре»: за поэзию, за качество записи, за количество мурашек у зрителей и т. д. Представьте: огромный зал «Олимпийского». Три концертные площадки, но на одной общей сцене. Я аккредитовался на всех самых невероятных уровнях. А девчонки пляшут на танцпространстве, и меня четыре раза вытаскивали. Научились, научились наши делать всё как следует. На лучшем западном уровне. Звук! Девять огромных экранов! Девчонки с рожками! Кстати, купил рожки и себе. Всего сто рублей! Знакомые дамы не поймут, ну и чёрт (простите за тавтологию) с ними. А на сцене… Тринадцать коллективов! Вот и смысл: «Чартова (она же чёртова) дюжина». Пошёл за кулисы и обогатился новым словом, написанным на одной из гримёрок: «Вручанты». Велик и могуч наш потрясающий язык! Вручанты – это те, кому вручали премии. Короче, на сцене выступали «выступлянты», а в зале бесновались «зрителянты». Трибуны забиты под завязку, но на танцполе можно двигаться довольно свободно (если у вас, конечно, есть специальный оранжевый браслетик). Что я и делал. Двигался, когда танцевать вытаскивали. Но о концерте… Порядок выступлений был такой: «Мельница», «Алиса», Znaki, «Ляпис-Трубецкой», Пелагея, «Машина времени», «Ундервуд», «Король и шут», «Флёр», «Пилот», «Brainstorm», «Агата Кристи», «Наив» и «Кипелов». «Разыграны» и вручены премии в номинациях «Дебют» («Флёр»), «Группа» («Алиса»), «Концерт» («Мельница»), «Солист» (Кинчев), «Поэзия» (Шевчук), «Легенда» (Егор Летов), «Видеоклип» (Ляпис-Трубецкой), «Музыка» (Земфира), «Песня» (Шевчук), «Альбом» (Васильев из «Сплина»), «Книга о роке» (Козырев за книгу «Мой рок»). Из забавных благодарностей вручантов: Кинчев сказал, что не удивлён. Он, мол, всегда считал, что «Алиса» – лучшая группа России. А раньше даже думал, что и мира. Земфира, находящаяся в этот момент на гастролях, но которая, как в своё время кинофильм «Титаник», была номинирована чуть ли не во всех номинациях, вещала при помощи телемоста: «Судя по тому, что вы меня опять снимаете, я опять где-то номинирована? Спасибо огромное…» Михаил Козырев (автор книги «Мой рок»): «Если бы я сейчас писал эту книгу, я бы назвал её «Не мой рок»! Не в смысле немой, а в смысле не мой…» Но сцена устроена гениально – разбита на несколько секторов, закрытых специальным экраном. И, когда одна группа пела, следующая готовилась за экраном и никому не мешала. Потом экран сдвигался, и обнаруживались новые радостные исполнители, успевшие полностью подключиться и настроиться на исполнение живой музыки. Кажется, не бог весть какая придумка, а без неё в живом концерте не обойтись. Ведь раньше как было? Конферансье объявлял: «Поёт (например) ансамбль «Весёлые упыри»! Выходили «упыри», «играли» на неподключенных гитарах и «пели» в мёртвые микрофоны, которые включались только для того, чтобы проорать: «Не вижу ваших рук!» То бишь, фанера чистейшей фонограммной воды. А тут – нет! Тут – красота! Тут и технический персонал стадиона – звукорежиссёры, осветители и др. блеснули мастерством. Звук мощный, под диафрагму подпирает, а слышно каждое слово. И «картинка» красивая – фон и обрамление у исполнителей ни разу не повторились. У всех особенное. И никакого утомительного саунд-чека, когда артисты приезжают за три часа до концерта, настраиваются, а потом все настройки всё равно сбиваются. И ещё раз удивила собранность и организация. За кулисами висело «меню». Например, «группа «Brainstorm» – выход на сцену 22.23, уход 22.34». Это не как раньше – бегает по гримёрным режиссёр в пене, рвёт на себе пейсы: «Где этот «Сидоров» со своими идиотами?!» А вели всё это дело братья Запашные. Музыканты с опаской озирались в поисках обещанного живого тигра. Ну, без комментариев. Должен же кто-то вести даже хорошие концерты. Закончилось почти пятичасовое действо. Всем «вручантам» вручили то, что им иположено, – тяжёлые «золотые» книги с названиями номинаций. Зрители стали расходиться. Остались техники, начавшие разбирать декорации. Остались и несколько вопросов. Какое, например, отношение хорошая певица Пелагея имеет к рок-нроллу. Не был я согласен и с кое-какими премиями и процедурами. Но… Наверное, именно поэтому руководил мероприятием не какой-нибудь там Капитан Макс, а братский дуэт дрессировщиков-боксёров. Неважно! Главное, событие показало, что рок у нас жив, какие бы «рожки» ему не приделывали фольклорные, готические и кантри-ансамбли.
Общество
История развития гитары
Реализуя долговременный проект по исследованию истории основных музыкальных инструментов и внутреннего мира людей, на них играющих, ведущий нашей музыкальной полосы Капитан Макс добрался наконец до гитары в блюз-роковых её проявлениях. Не имей «Амати»… Гитаристы в Москве появились ещё до исторического материализма. Кавалеры, галантно припав на правое колено, развлекали барышень игрой на семиструнных гитарах с обязательным красивым бантом, затейливо повязанным на шейке грифа. Потом была революция, то да сё, и в пятидесятых-шестидесятых вдруг объявились джазовые, уже шестиструнные гитаристы. Играли они для широких масс как-то непонятно и полностью оправдывали опасения властей: «Сегодня он играет джаз, а завтра Родину продаст!» Настоящие же длинноволосые, в самопальных клешах, «народные» гитаристы появились на советских просторах в семидесятых. И первыми об этом появлении узнали авиамоделисты. Дело в том, что в те времена в магазинах невозможно было найти струн для электрогитары. Попадались наборы для классических семиструнок, тогда самая толстая струна выбрасывалась, а остальные устанавливались в том порядке, который предусматривался шестиструнным «электрическим» строем. Делать пальцами левой руки вибрато или подтягивать ноты, как это умудрялись выполнять Джимми Хендрикс и Джонни Винтер, на таких струнах было невозможно. Люди безуспешно рвали себе руки в кровь. Вот тогда-то и настали чёрные времена для авиамоделистов. Тончайшая стальная проволока – «корд», на которой они раскручивали свои трескучие модельки, напрочь пропала с прилавков магазина «Пионер». «Корд» стал первой струной вновь обновлённого гитарного строя. И хотя толстым шестым струнам опять не повезло – их снова выбросили, – хендриксовское и винтеровское «мяу» наконец полновесно зазвучало из-под заживших пальцев счастливых гитаристов. Но струны – это было всё-таки вторично. Здоровое желание играть обгоняло наличие в магазинах электрических гитар в тысячи раз. И народ бросился делать гитары сам. «Рогатые» инструменты выпиливались умельцами из полновесной дубовой или берёзовой доски, при этом нещадно грабились уличные телефонные автоматы – из сердечника наушника телефонной трубки выходили вполне ликвидные звукосниматели. Потом самоделка красилась в броский цвет, и на неё наклеивался какой-нибудь красивый лэйбл. Однажды я видел гитару «фирмы» «Broiler» – это от венгерской импортной курицы. Только значительно позже в магазинах стали появляться более-менее вразумительные инструменты немецкой фирмы «Музима». А тем временем за кордоном придумали какие-то совершенно замечательные провода к гитарам. Они были витые, как телефонные, – удобно растягивались ровно настолько, насколько нужно, и не путались под ногами. Первой реакцией наших гитаристов было тут же оторвать провода у домашних телефонов и перепаять под гитары. Коекто попробовал, и сразу выяснилось, что: а) шнур получается короткий и б) дико фонит, так как не экранирован. Внешнее сходство не искупалось внутренним содержанием. И гитарным кулибиным пришло на ум делать витые провода из обычных микрофонных. Провод туго наматывался виток к витку на металлический стержень подходящего диаметра. Концы закреплялись, и конструкция помещалась в духовку на 1–10 часов. Иногда выходило довольно похоже, только соседи с удивлением принюхивались – кто это печёт пироги из пластмассы и резины. А технический прогресс не стоял на месте. Появились гитарные спецэффекты. Как правило, все они были оформлены в виде стоящих на полу коробочек с разнообразными кнопками или педалями, включающимися ногой. Музыканты называли их «примочками». Грамотное владение примочками позволяло расширить палитру звучания до невероятных пределов. Самый лучший гитарист всех времён и народов Джимми Хендрикс, пользуясь несколькими «педалями», добивался на концертах такого эффекта, что его инструмент звучал, как человеческий голос. В нескольких своих композициях Хендрикс буквально разговаривал со своей гитарой: задавал ей вопросы, а она «отвечала». Такие примочки тоже активно изготавливались нашими ребятами, поднаторевшими на выпиливании гитар. Наконец, к середине восьмидесятых все дефициты, слава богу, закончились, и на передний план уже уверенно вышло не само наличие дорогого импортного инструмента, а умение на нем играть. Стали говорить так: «Не имей «Амати», а умей играти!» «Батоно» гитарист По функциям гитары раньше делились на «ритм» и «соло». Соло-гитары играли тему, мелодию, проигрыши; а «ритмухи» гармоническую основу. С совершенствованием клавишных инструментов, способных заменить целый оркестр, ритм-гитары стали отмирать. Зато основные гитары, потеряв устаревшую приставку «соло», значительно расширили свой ареал, и сейчас термин «гитарист» подразумевает владение инструментом в широком спектре от ненавязчивого аккомпанемента до сложнейшей импровизации. И, конечно, гитара – главный инструмент при исполнении роковых и блюзовых композиций. В последнее время в Москве во многих музыкальных клубах можно послушать импровизационный блюз, когда музыканты, как правило, именно гитаристы, творят музыку прямо на глазах зрителей. Причём в таких случаях принято, кроме «базового» гитариста основного ансамбля, приглашать ещё одного или двух музыкантов – так называемых guest star. В качестве таких приглашённых звёзд в последние годы неоднократно были замечены и Андрей Макаревич, и Константин Никольский, и Евгений Маргулис. Хотя их основная музыкальная деятельность лежит всё-таки вне поля традиционного блюз-рока. Но юношеские пристрастия топором не вырубить! Я сразу оговорюсь: в этой статье речь идёт только о тех гитаристах, кого можно реально послушать, придя в Москве в клуб или на концерт. Наверняка по домам сидят да по гастролям разъезжают вполне приличные исполнители, но речь сейчас о реально действующих именно в Москве. Итак, вот список заподозренных и признанных мною виновными в исполнении блюза и рока на московских сценах: Ливан Ломидзе, Гия Дзагнидзе, Тимур Мардалейшвилли, Тимур Квителашвилли. Вам ничего не показалось странным? Вот, мне тоже! Есть ещё Юрий Каверкин, но выяснилось, что он говорит порусски с очень сильным акцентом – попробуйте догадаться с каким… Подбор, конечно, несколько тенденциозный, но, видимо, грузинский национальный лад в чём-то схож с блюзовым, почему эти ребята и плавают в американской музыке как рыба в воде. Ну, ну не надо уж так волноваться – есть, есть в Москве и местные отличные музыканты, хоть и не родились они на родине «витязя в тигровой шкуре». В Москве, как в Греции, всё есть! Глупый вопрос Откуда же брались гитаристы? Как они учились играть тогда, когда ещё не было ни «школ», ни учебных пособий? В семидесятые годы прошлого века на Москве гремел гитарист Сергей Дюжиков. Его история показательна. Юность Сергей провёл в маленьком провинциальном Измаиле, неподалеку от румынской границы. И приёмник очень чисто принимал различные европейские музыкальные программы, составленные из лучших для того времени песен западных рок-групп. Дюжиков записывал материал на магнитофон, а потом точно «снимал» все партии всех музыкальных инструментов. Таким образом, он наработал колоссальный технический и гармонический багаж, который потом с успехом реализовал, используя знаменитую формулу музыкантского совершенствования: «От простого – к сложному, от сложного – к простому!» Позже Дюжиков играл в самых известных московских ансамблях того времени: в «Скифах», «Цветах», «Голубых гитарах», потом уехал в Штаты и успешно занимается там преподавательской деятельностью. Но вернёмся в наши дни. Что имеют в виду, когда говорят про кого-то, что он хороший гитарист? Я задал этот непростой вопрос двум самым известным московским блюзменам: лидеру бессмертной группы «Удачное приобретение» Алексею Белову (Вайту) и патриарху гитарного мастерства Валерию Гилюте. Вайт: «Понимаешь, однозначно ответить невозможно. Есть, например, Виктор Зинчук – обладатель рекорда Гиннесса, – сыграл за какое-то определенное время невообразимое количество нот. Или тот же Тимур Квителашвилли… тоже Гиннессовский рекордист: играл беспрерывно на гитаре в течение нескольких суток. Или недель… не помню… Но дело же не в этом. Мне кажется, хороший гитарист – это человек, обладающий безупречным музыкальным вкусом. Можно сыграть всего одну ноту, но именно в нужном месте и в нужное время…» Гилюта: «Ну и вопрос! Люди тома исписывают… Хотя… Гитарист на концерте, как и любой музыкант, передаёт своё мироощущение другим. Зрителям, окружающим. Он передаёт частичку себя, частичку своего внутреннего мира. И если гитаристу есть что «сказать», если возникает эта магия, эта неуловимая связь «артист–зритель», вот тогда мы и можем говорить о качестве исполнителя. Знаешь, вот проводится конкурс Чайковского… Несколько пианистов играют по одними тем же нотам одну и ту же пьесу. Играют, в общем-то, одинаково виртуозно, но исполнение одних цепляет, а других слушать – скука одна…» Больше я глупых вопросов не задавал, а вам, дорогие читатели, хочу посоветовать сходить на «джемовый» концерт, когда играют несколько гитаристов, по очереди импровизируя, эксклюзивно творя музыку, как говорится, «здесь и сейчас». Потому что передать этот нерв, это ощущение от игры хорошего гитариста не сможет на бумаге ни один даже самый гениальный журналист. Это нужно слушать самим!
Общество
Сурганова, Арбенина, Земфира - матриархат наступает
Если бы ведущий нашей музыкальной полосы «Попурри-мастер» капитан Макс знал, какую ужасную ошибку совершает, пойдя в прошлом году на концерт Светланы Сургановой с «оркестром», он бы этого не делал. Но он не знал и пошёл. Сам концерт-то понравился, но под влиянием обстоятельств капитан задумался, откуда такие яркие Сургановы берутся и есть ли у нас её аналоги. Пришлось ему посетить ещё пару концертов и прослушать с десяток дисков. Результатом этих исследований и стала эта статья, а также печальные итоги, подведённые в ней. Несмотря на то что на носу 8 Марта. Давайте сразу договоримся: если хотите читать про Борю Моисеева (не к ночи будь помянут!) и про «Фабрику звёзд» (не будь помянута вообще) – это не к нам. Не люблю слово «попса», как и других стереотипов не люблю, но, если попробовать определиться, о чём «Мастер» пишет, то только не о попсе. Что есть ещё? Классика, рок, блюз, фолк, прости, господи – рэп, разная «альтернатива» в конце концов. Вот, вот хорошее слово! Кажется, я понял: писать будем обо всём, что составляет альтернативу попсе. И в этом ряду хочется остановиться на артистах (артистках), исполняющих свои собственные песни, заставляющие говорить о таких исполнителях не как о текстовиках, а как о полноценных поэтах. Но вернёмся к Сургановой… Глубоко личная драма – развод женской семьи «Ночных снайперов» – принёс человечеству несомненную пользу, подарив двух отдельных великолепных авторов-исполнителей: Сурганову и Арбенину. Расставшись, девушки обрели некую творческую свободу. Талант Арбениной-поэта заблистал новыми гранями, а Сурганова, выбравшись из-под доминанты подруги, совершила невероятное – всего за год создала свой «Оркестр» и вышла на большую сцену с новым репертуаром и потрясающим звучанием. Кто у нас есть ещё? Конечно, Земфира! Лирика и мелодика Земфиры глубоки и масштабны – охватывают все сферы человеческих отношений. А аранжировки… а работоспособность… а особенная гражданская позиция… – что толку повторяться и бумагу переводить? Все давно уже всё про Земфиру знают, дай ей Бог здоровья и хороших аккомпанирующих музыкантов, которых бы не приходилось так часто менять! Немного позже Земфиры в Закарпатье родилась ещё одна девочка – «участница» нашего самопального списка: Лиза Иванций. С детства она подавала большие надежды, а в начале XXI века всплыла в Москве под псевдонимом «Ёлка». Обладая прекрасными вокальными данными, эта представительница хвойных поначалу, казалось, немного копировала манеру рано ушедшего легендарного Михея («Михей и Джуманджи»). Но по мере выхода её сольных альбомов стало ясно: у Ёлки в активе собственный богатый арсенал технических приёмов, которыми она очень грамотно и с большой изобретательностью пользуется. Крометого, «Ель» шикарно переозвучила Красную Шапочку в американском полнометражном мультфильме. Ну, кто ещё? Некая голосистая и харизматичная Юля! Она не стала валандаться с псевдонимами, не стала какой-нибудь там «Чичей» или по аналогии с Ёлкой – «Сосной», а скромно выступает под своей собственной фамилией – Чичерина! И именно под этой фамилией она стала известна широкому кругу почитателей альтернативного рока. Сильная девчонка – как и все наши вышеупомянутые. Вы только представьте себе: как биться девушке со своими музыкантами, когда условный басист или барабанщик говорит в конфликтной ситуации: «А ты кто такая?!» Юля этот вопрос решила раз и навсегда. И продвигает свои собственные идеи независимо от мнения псевдомузыкантов и слетающихся на денежный огонёк продюсеров. Есть ещё Маша из группы «Маша и медведи», которая сначала удачно маскировала свои серьёзные намерения пустопорожними песенками вроде «Либэ-Любочка», а потом надолго пропала из поля зрения любителей. Зато теперь эта Маша Макарова, очнувшись после шестилетней спячки (я думал, медведи спят меньше), раскрыла карты и готовит новый альбом, в котором уже в качестве мудрой матроны – матери двоих детей – собирается дать прикурить современникам. Потенции у неё и у её косолапых друзей для этого есть. Тем более что всё связанное с медведями после выборов может стать необыкновенно актуальным. Вперёд, Мария! Итак (в алфавитном порядке): Арбенина, Ёлка, Земфира, Макарова, Сурганова и Чичерина. Попробуем разобраться, что их объединяет, кроме примерно одного возраста, бешеной харизмы и несомненного таланта. Во-первых: среди «номинанток» нет ни одной натуральной блондинки. Я ничего не хочу сказать, просто это непреложный факт. Правда, про Макарову мне могут возразить, мол, откуда вы знаете? Ведь «медведица» уже многие годы стрижётся под «бритниспирс»! – Откуда? Оттуда! Потому что знавал её и до! Во-вторых: все они родились не в Москве. Арбенина – в Воложине, Ёлка – в Ужгороде, Земфира – в Уфе, Макарова – в Краснодаре, Сурганова – в Питере, а Чичерина – в Свердловске. Ужас, ужас и ещё раз ужас! Что ж, наша столица совсем талантливых певиц рожать разучилась? Получается, что так! В-третьих (самое неприятное): все они – в разной степени женщины. Нет, есть, конечно, на российских сценах и мужички, работающие примерно в таком же стиле, но в основном это группы, а не лидеры, сами же пишущие слова и сами же сочиняющие музыку. «Агата Кристи», «Чайф», даже «Би-2» и «Сплин» не в счёт. Старички! А наша великолепная шестёрка уже другая генерация – ктонибудь поумнее рискнул бы сказать: «плеяда». Их средний возраст тридцать с небольшим. Так вот, в этой возрастной категории представители сильной половины человечества на российской сцене совсем не представлены. Ни одного яркого персонажа! И, к нашему мужскому сожалению, приходится признать, что наступает в какой-то степени матриархат. Плохо! Стыдно! Так что не ходите, не подумав, на концерты, а то последующие размышления и анализ ситуации могут лишить вас спокойствия и сна и привести к таким же печальным выводам, как и меня. Короче, ребята, бойся – девушки идут!
Общество
В Москве прошел концерт Джо Линна Тернера
В неофициальный мужской праздник – День защитника Отечества, судьба и продюсеры подарили московским мужчинам концерт легендарного музыканта, экс-вокалиста Deep Purple и Rainbow Джо Линна Тернера. Пройдя огни, воды и всякие трубы, на мероприятии побывал наш ведущий музыкальной страницы «Попурримастер» Капитан Макс. Итак, Джо Линн Тернер! Кто это? Рок-певец, неувядающий красавец, легенда музыки. У нас известен тем, что является иконой целой эпохи, которая, кстати, еще не закончилась. С Deep Purple Джо Линн Тернер записал два альбома. Но как бы там ни было, Тернер сам автор сольных проектов и большая музыкальная величина, хотя любители все-таки хотят слышать от него раскрученные песни времен сотрудничества с Deep Purple и Rainbow. Кстати, в относительно вольном переводе фамилия Тернер звучит как «токарь», Deep Purple – как «темный фиолет», а Rainbow всегда было «радугой». И тут и там мы имеем дело с цветопередачей. А вот сейчас поглубже копну. Казалось бы, какая связь существует между политической ситуацией в России и легким освежением интереса к монстрам рока типа «Темного фиолета»? Оказывается, существует. Дело в том, что один из кандидатов в президенты, имеющий, по мнению политологов, большие шансы, не раз и не два упоминал о том, что его любимой группой является вышеназванный «Фиолет». Отсюда и реанимация образа. Отсюда и недавнее выступление Deep Purple в Кремле на празднике Газпрома, отсюда и начавшиеся в Москве и проходящие сейчас по России с большим успехом гастроли Тернера с фиолетовым и радужным репертуаром. А каких музыкантов Джо Линн подобрал себе для концертов! Тут важно, чтобы не только здорово играли и пели, но и чтоб название было с упоминанием цвета. В Штатах претендентов не нашлось. Зато у нас – запросто. Очень достойный ансамбль! Green town называется. Некоторые могут подумать, что в честь доллара, но нет. «Зеленый город»! Зеленоград! Чего в Штатах не найти, у нас в Подмосковье пруд пруди. И вот радужное сочетание фиолетового с зеленым наконец вышло на сцену в московском клубе. Народу в зале набилось уйма. Начали с мощного инструментального вступления, а потом «токарь» Джо зажигал при помощи своей собственной композиции «Джек-найф» («Джек-нож») и темно-фиолетовых Birn и High way star. Он пел, зал подпевал, а я все смотрел на «гринтаунского» барабанщика, обнаженного до пояса (сверху), и думал: «Как ему удалось в Зеленограде отрастить такие длинные волосы?!» Сантиметров девяносто, ей богу! И играет здорово! По-настоящему фиолетово… После песни Long live rocknroll! («Да здравствует рок-нролл!») зал как с ума сошел. Тернер, я думаю, такого приема давно не видел. Откуда-то из дальних концов, примыкающих к кухне, выглядывали повара, и их никто не гнал. Администрация клуба сама расслабилась. А атмосфера все накалялась. По-хорошему. Но вот все пятнадцать песен пролетели. На одном дыхании. После концерта я размечтался было с самим Тернером поговорить – передать ему привет от читателей «Вечерки», но великого уже куда-то утащили випы. А вот с барабанщиком удалось познакомиться. Зовут Леха Савельев. Он уже не голый был, а в майке и куртке. Волосы настоящие – никакой не парик. – Как, – говорю, – Тернер на вас вышел-то? – Года полтора назад мы в ресторане работали. И вот туда вдруг Джо Линн и еще пара людей приходят. Культурно отдохнуть. Мы его узнали, сыграли несколько вещей Deep Purple, а он на сцену полез, спел с нами. Очень ему понравилось. Я у Лехи взял телефончик, а когда сел статью писать, позвонил кое-какие детали уточнить. Он долго трубку не снимал, наконец: «Алло!» – заспанным голосом. Я извинился – может, разбудил? – Да нет, – говорит. – Просто я сейчас в Уфе. – С кем?! – С Тернером, конечно. У нас тур по России. Ну и хорошо, ну и здорово! Все чаще иностранные знаменитости выбирают себе музыкантов из наших. Значит, авторитет страны растет.
Общество
Басист - это что-то вроде национальности
Наш ведущий музыкальной полосы «Попурри-мастер» Капитан Макс выступил с инициативой: организовать серию прозаических поэм об основных музыкальных инструментах и о людях, на них играющих. В этом смысле мы имеем четыре позиции: соло-гитара, бас-гитара, клавишные и барабаны. Капитан предложил начать с самого, по его мнению, «незаметного» инструмента – с баса. Что ж – семь футов Максу под киль! Неблагодарная профессия Что такое бас-гитара? Каковы её функции? Даже Пол Маккартни – басист из «Битлз» – неоднократно с улыбкой вспоминал, что когда они только начинали, то много спорили, зачем нужен бас и как на нём правильно играть. К нам бас-культура пришла ещё позже, но сегодня в России уже есть специальные учебные заведения, которые готовят басистов. Есть также учебные пособия, эстрадные и джазовые школы. И, конечно, музыканты, которые потрясающе играют и обзаводятся уже не только классическими четырёхструнными инструментами, но и пяти- и даже шестиструнными. А недавно в городе зафиксировано появление двенадцатиструнного «гуслеобразного» агрегата, произведённого в Штатах для тех, кто беспрерывно расширяет свои и чужие горизонты. Для этой статьи я честно отобрал четырёх московских басистов, чью игру считаю образцовой. Обзвонил друзей-музыкантов, и список пополнился ещё тремя фамилиями. Но вдруг понял – всё равно не удастся представить всех достойных, да ещё с фотографиями, да ещё с краткой биографией. А потому принял решение похвалить всех. Всех людей, кто в нашей стране занимается этим не совсем благодарным делом. За границей запросто можно стать известным и хорошо обеспеченным бас-гитаристом – например, таким как Пасториус, Виктор Вутен или Ришар Бона. А у нас – увы. У нас про басистов, которые не поют, а только играют, злые беспринципные люди говорят так: «Непоющий басист – паразит на теле коллектива». Тот, кто не является фронтменом, не стоит на переднем плане в свете прожекторов, срывая цветы поклонения, в России человеком не считается. А наши басисты как раз всегда отираются где-то сзади, в районе ударной установки, и выходят на авансцену только на поклон, или когда играют соло. В общем, со стороны они смотрятся подсобными рабочими, идущими по лёгкому пути: меньше струн – играть проще. И злые, беспринципные люди даже придумали такой анекдот: «Однажды к одному знаменитому бас-гитаристу пришёл человек: – Извините, вы не даёте уроки? – Даю: сто долларов – час! – А можно прямо сейчас полчаса за пятьдесят? – Можно! Вот зажмите указательным пальцем левой руки этот лад, а указательным пальцем правой играйте под метроном по этой струне одну и ту же ноту «ми» вот так: «Ми, ми, ми, ми…» – Человек играет, старается. – Хорошо! А теперь усложним, играйте «ми», «соль», «ми», «соль», «ми», «соль»… – Человек играет. – Всё, время закончилось! Жду вас завтра в шесть. – Проходит полгода. Звезда случайно встречает своего ученика: – Куда же вы подевались, не звоните, пропали? – Извини, старичок, халтуры замучили!» На самом деле каждый музыкант знает, какую большую роль бас играет в общей звуковой картинке. А немузыкант может легко проверить это утверждение, убрав на любом проигрывающем устройстве низкие частоты. Тот комариный неубедительный писк, который он услышит, даст представление о том, как бы всё звучало, не будь баса. Так что зря обыватели считают этот инструмент не совсем полноценным, а людей, на нём играющих, неудачниками, которым не удалось овладеть чем-нибудь стоящим. И правильно поступил басист «Машины времени» Александр Кутиков, когда однажды после концерта в Омске на вопрос забежавшего в гримёрку лохматого местного парня: «Ты, что ли, бас-гитара?!» – с достоинством отрезал: «Я – человек!» Психологический барьер Когда я со страшной силой отдавал воинский долг на Дальнем Востоке, местным командованием неожиданно было принято грозное решение создать военный эстрадный коллектив. Для развлечения скучающих офицеров и игры на танцах в деревне Барановке. Меня, естественно, определили на барабаны, а басистом был поставлен мой земляк Володя, по слухам, недели две игравший до армии в заводской группе. В «сколоченном» наспех ансамблике я, конечно, не молчал о своём славном прошлом. Наоборот – растрепался на все гарнизоны, что раньше играл в «Машине времени» и в андеграундовой группе «Второе дыхание», где тогда на невиданной дотоле безладовой бас-гитаре подвизался гремевший на всю Москву Коля Ширяев. Поэтому солдат Володя, к этому времени уже сляпавший себе из подручных материалов военную бас-гитару, за неимением под рукой своего кумира Ширяева обращался за советом прямо ко мне: «А как Коля играет – медиатором или пальцами? А двумя пальцами или четырьмя? А четырьмя пальцами в одну сторону или в обе?» Я и сейчас-то не особенно разбираюсь в басовой технике, а тогда вообще ничего не понимал. Но чтобы поддержать реноме, на все его вопросы отвечал многозначительными кивками или разными глупостями вроде: «Каждый палец левой руки должен соответствовать определённому пальцу руки правой!» Володя честно внимал и уходил в кочегарку заниматься. На танцевальной программе, с которой мы блистали в Барановке, эти мои издевательства над творческим потенциалом Володи никак не отражались. Правда, он стал играть заметно ровнее. Гром грянул, когда для поддержания воинского духа в наш Дом офицеров пожаловал столичный ансамбль «Весёлые ребята». После концерта Володя подошёл к надутому волосато-усатому бас-гитаристу «ребят» и попросил показать «занюханному солдатику» несколько передовых приёмов игры на «четырёхструнке». Хотя именитому басисту было неохота и некогда, он всё же снизошёл: «Ты покажи, что умеешь, а уж я объясню, почему тебе надо бросить это дело!» Володя сходил за кулисы за своим «самопалом», включился в фирменный усилитель «Ребят» и, радуясь непривычно хорошему звучанию, начал играть, используя «в правой руке» не два, не четыре, а наверное, все шесть пальцев. Много лет спустя при помощи музыковедов приёмы, которыми пользовался Володя, найдут своё правильное название: слэп, таппинг, тач-стайл и т. д. А тогда потерявшего сознание басиста отпаивали водкой, Вовка погрузил свою «корягу» в красивый чехол, сделанный из офицерской шинели, и пошёл осваивать в правой руке «седьмой палец». После демобилизации Володя прямо с вокзала поехал в Эстрадное училище имени Октябрьской революции и блестяще сдал вступительные экзамены, сыграв на басу для комиссии неисполнимую тромбоновую пьесу «Когда не хватает техники». С блеском закончив училище, он работал во многих известных ансамблях, а сейчас преподаёт «басизм» студентам и многочисленным ученикам. Скоро пять лет, как нет с нами того самого Николая Ширяева, с которого по большому счёту и началась славная басовая история Москвы. Восьмого марта2003 года Ширяев трагически погиб от рук трёх несовершеннолетних подонков. Убили около супермаркета и взяли 130 рублей и маленький серебряный крестик. Coda (эпилог) Так что же заставляет людей выбирать эту не шибко благодарную профессию? Похоже, некая природная склонность, обстоятельность, особый склад характера. Басист – это что-то вроде национальности. И самым главным критерием, которым пользуются музыканты, характеризуя того или иного человека, играющего на бас-гитаре, является… надёжность. И вкус! Вот, например, Евгений Маргулис – басист от бога. Ни одной лишней ноты! И настоящие басисты не лезут вперёд, они – как водители-профессионалы, надёжно «везут» ансамбль по ухабам и бездорожью в любое время и в любую погоду. Они, по сути, составляют ровно половину основы любой группы – ритм-секции. А вторая половина – барабаны. Так что лучший друг басиста – барабанщик. Но злые, беспринципные люди опять тут как тут. Они опять придумали анекдот: «Жили-были басист и барабанщик. Крепко меж собой дружили. Даже на гастролях селились в один номер, чтобы на досуге разговаривать о том, как слаженно должны звучать бас с барабанами. Но на деле получалось у них плохо. Играли на сцене не в такт, никак не могли вместе попасть в сильную долю. Вот как-то после особенно неудачного концерта выпили они крепко, расстроились и решили покончить жизнь самоубийством. Вышли на балкон, обняли друг друга и так и сбросились с седьмого этажа. Но всё равно упали вразнобой: «Шмяк, шмяк!» К счастью, это только анекдот. На самом деле в хороших ансамблях басисты всегда играют синхронно с барабанщиками. Именно их совместная слаженная работа создаёт неповторимое ритмическое лицо любого коллектива, создаёт тот самый драйв, без которого музыка безвольно растекается меж кресел зрительного зала и музыкой быть перестаёт. Итак: о барабанах, клавишах и гитарах мы напишем в недалёком будущем. А сегодня: слава бас-гитаре – скромной труженице шоу-бизнеса! Не саксофон и не фанфара, Не пианино, не фагот, Дочь контрабаса – бас-гитара – Культуру двигает вперёд! Не помню точно, кто это написал – Писемский или Вяземский, но как здорово сказано!
Общество
Эксклюзивы
Вечерка ТВ
Приметы и советы
Проще, чем кажется
Мнения
Эдуард Бояков
Эдуард Бояков

Донбасс — главный узел

Дмитрий Толкачев
Дмитрий Толкачев

Чемодан, вокзал, Россия

Виталий Сучков
Виталий Сучков

Нам нельзя забывать уроки прошлого

Александр Хохлов
Александр Хохлов

Согласие на интервенцию

Екатерина Рощина
Екатерина Рощина

Только не плачь, Алла: жалеет ли Пугачева о том, как повернулась жизнь

Татьяна Еременко
Татьяна Еременко

Звезды нашего интернета

Георгий Бовт
Георгий Бовт

Гонка вооружений? Что будет с Европой, если США откажутся ее защищать

Все мнения
О проекте
Спецпроекты
images count Мосинжпроект- 65 Мосинжпроект- 65
▲
vm.ru

Установите vm.ru

Установите это приложение на домашний экран для быстрого и удобного доступа, когда вы в пути.

  • 1) Нажмите на иконку поделиться Поделиться
  • 2) Нажмите “На экран «Домой»”

vm.ru

Установите vm.ru

Установите это приложение на домашний экран для быстрого и удобного доступа, когда вы в пути.